EL INTERVALO DEL DIABLO PROGRAMA Nº 85 (ESPECIAL EXPLOSIVOS SCREAMERS OF ROCK'N'ROLL 50's & 60's PARTE II)
Escucha o descarga en Ivoox.
SETLIST:
LITTLE IKE ''She can Rock''
EDDIE G. GILES & THE JIVE 5 ''Eddie's go-go train''
THE OLYMPICS ''I'll do a little bit more''
JUNIOR & THE CLASSICS ''Do the dog''
SCREAMIN' JAY HAWKINS ''Voodoo''
PHIL FLOWERS ''No kissig at the hop''
THE PYRAMIDS ''Shakin fit''
OTIS RILEY ''Rock and roll Riley''
WILLIE WEST ''You told love'''
LEE DIAMOND ''Hatti malatti''
HANNAN DEAN ''Itty bitty love''
LARRY COLLINS ''Whistle bait''
DON & DEWEY ''Justine''
THE VALIANTS ''Good golly miss Molly'' (Richard Penniman Cover)
MR. P.T. & THE PARTY TIMERS ''Aunt Susie''
DEE CLARK ''24 Boyfriends''
WILLIE WHITE & THE BLEU MATTS ''Everybody dance''
Link para escuchar o descargar:https://go.ivoox.com/rf/178526460
Empezamos con el programa de esta noche,nuestro decimotercer
especial en El Intervalo Del Diablo dedicado a los temas más explosivos del
Rock’n’roll producido en los 50’s y principios de los 60’s.
Este será el segundo de una serie de ellos dedicados a
rescatar los temas más salvajes facturados en dicha década.
En ellos retrocederemos a la época dorada del Rock n roll
para sumergirnos entre los polvorientos surcos de oscuros 7" repletos de
pura dinamita a 45 rpm.
Dedicando parte de ellos a la agitación social que supuso
está serie de gritadores cuyo impacto trascendió de generación en generación.
En esta ocasión contamos con una buena selección de temas en
la que encontrarás sorprendentes interpretaciones que se mueven entre estilos
como el Rhythm’n’blues,el Doo wop o el Soul caracterizados por la potencia
vocal de sus intérpretes.
Serios aspirantes al por entonces trono regentado por Little
Richard,el verdadero rey del Rock.
"Everybody Dance" de Willie White (originalmente
acreditado junto a The Bleu Matts) es un sencillo clásico de R&B y Northern
Soul lanzado originalmente en 1963 por el sello discográfico independiente
Odessa Records.
Willie White & The Bleu Matts lanzaron este single en
1963 en formato vinilo de 7 pulgadas, 45 RPM a través del sello: Odessa Records
(una discográfica muy vinculada a la escena musical de Wisconsin/región del
Medio Oeste de EE. UU.)
La canción es una pieza enérgica de rhythm and blues y soul de principios de los años 60. Con el paso de las décadas, este tipo de grabaciones raras y de sellos pequeños ganaron un enorme valor de culto en la escena británica y europea del Northern Soul, donde los DJs buscaban vinilos oscuros pero con ritmos sumamente bailables.
Comenzamos con nuestro programa número 85 para lo que nos ponemos rumbo a los Estados Unidos desde allí nos llega nuestro primer screamer de la noche,este lleva por nombre Willie White.
Si aún no has oído hablar del singular Willie White, te
espera una sorpresa.
La energía de White
en "Everybody Dance" es difícil de olvidar y recuerda a canciones
como "Twist and Shout", con su ritmo vibrante, voces potentes y una
potente sección de vientos. Escuchar este single que trascendió indudablemente
al paso del tiempo sin duda te transportará a los 60 bailando en tu club
favorito.
Poca es la información que hay acerca de esta banda cuyo
único legado fue un este único single.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a dicho
single junto a esta banda llamada The Bleu matts al que dio título.
Registrado en 1963 este vio la luz a través del sello
especializado en Soul y Gospel establecido en Milwaukee, Wisconsin Odessa
Records.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’Everybody
Dance’’ con el que comenzamos!.
https://www.discogs.com/es/master/862387-Willie-White-The-Bleu-Matts-Everybody-Dance
Dee Clark (7 de noviembre de 1938 – 7 de diciembre de 1990) fue
un cantante y compositor estadounidense de soul, conocido principalmente por
una serie de éxitos de R&B y pop a finales de la década de 1950 y
principios de la de 1960, incluida la canción «Raindrops», que vendió más de un
millón de copias en Estados Unidos en 1961.
Nació como Delectus Clark o Delecta Clark Jr. en
Blytheville, Arkansas, y se mudó a Chicago en 1941.Su madre, Essie Mae Clark,
era cantante de góspel y animó a su hijo a cultivar su amor por la música.
Clark realizó su primera grabación en 1952 como miembro de los Hambone Kids,
grupo que gozó de cierto éxito con la grabación del tema «Hambone» para el
sello OKeh.En 1953, se unió a un grupo de R&B llamado Goldentones —que más
tarde pasaría a llamarse Kool Gents—, el cual fue descubierto por el locutor de
radio de Chicago Herb Kent tras ganar un concurso de talentos.Kent logró que
los Kool Gents firmaran con Falcon/Abner, una filial del sello Vee-Jay. El
grupo grabó para Falcon/Abner en 1956 y también registró un disco de carácter
humorístico bajo el nombre de «The Delegates».
Clark inició su carrera en solitario en 1957,siguiendo
inicialmente los estilos de Clyde McPhatter y Little Richard. Cuando Little
Richard abandonó temporalmente su carrera musical para estudiar la Biblia,
Clark cumplió con los compromisos de actuaciones en directo que Richard tenía
pendientes y grabó también con su banda de acompañamiento, los Upsetters.Durante
los cuatro años siguientes logró varios éxitos moderados; dos de ellos («Just
Keep It Up» y «Hey Little Girl») alcanzaron los veinte primeros puestos de la
lista Billboard Hot 100.Sus grabaciones para los sellos Abner y Vee-Jay
contaron con los arreglos orquestales de Riley Hampton.Su sencillo más
destacado, «Raindrops», era una balada dramática con un ritmo latino de tiempo
moderado, realzada por efectos de sonido de lluvia intensa y truenos, así como
por el falsete de Clark, caracterizado por sus marcadas variaciones de tono.
Lanzada en la primavera de 1961, se convirtió en su mayor éxito,alcanzando el
número dos en la lista de música pop y el número tres en la de R&B. Vendió
más de un millón de copias y fue galardonada con un disco de oro.«Raindrops»
también cosechó éxito internacional: llegó al número uno en Nueva Zelanda, se
situó entre las diez canciones más escuchadas en Sudáfrica y Bélgica, y tuvo
buenas ventas en Japón. A día de hoy, «Raindrops» sigue siendo un tema habitual
en las listas de reproducción de emisoras de radio dedicadas a clásicos y
música para adultos; además, ha sido versionada por diversos artistas a lo
largo de los años, entre ellos David Cassidy, Tony Orlando and Dawn, y Narvel
Felts, quien llevó la canción al puesto número 30 de la lista de música
*country* en 1974. El propio Clark grabó una versión actualizada de «Raindrops»
en 1973.
Sin embargo, el mayor éxito de Clark fue también el último.
El tema que siguió a "Raindrops", titulado "Don't Walk Away from
Me", fue un fracaso, y solo logró entrar en las listas de éxitos pop de
Estados Unidos en dos ocasiones más: con "I'm Going Back to School"
(1962) y "Crossfire Time" (1963).Para cuando se publicó
"Crossfire Time", Clark había pasado del sello Vee-Jay al sello
Constellation.Aunque continuó grabando para Constellation hasta 1966, ninguno
de sus discos logró repercusión a nivel nacional. Gozó de un éxito local
considerable en Chicago con grabaciones destacadas como "Come Closer"
(1964), el sencillo de doble cara A "Warm Summer Breezes" /
"Heartbreak" (1964) y "TCB" (1965).Más tarde grabó para los
sellos Columbia, Wand, Liberty y Rocky, pero sin éxito.Clark vivió un breve
resurgimiento en 1975, cuando su canción disco "Ride a Wild Horse" se
convirtió en un éxito inesperado que alcanzó el *Top 30* en la lista de
sencillos del Reino Unido,marcando su primera aparición en las listas británicas
desde "Just Keep It Up".
Posteriormente, Clark actuó principalmente en el circuito de
música *oldies* (éxitos del pasado). A finales de la década de 1980, atravesaba
una situación financiera precaria y residía en el motel The Lone Oaks en
Toccoa, Georgia. A pesar de sufrir un derrame cerebral en 1987 que le dejó
parcialmente paralizado y con una leve dificultad en el habla, siguió actuando
hasta su muerte, ocurrida el 7 de diciembre de 1990 en Smyrna, Georgia, a causa
de un infarto a los 52 años de edad.Su último concierto fue con la Jimmy
Gilstrap Band en el Portman Lounge de Anderson, Carolina del Sur.
Tras este sonó ‘’24 Boyfriends’’ tema que el estadounidense procedente de Blytheville, Arkansas Dee Clark incluyó en la cara b de su primer single junto al tema Seven nights.
Registrado en 1957 este salió a la calle de manos de los
sellos Regency y Falcon Records ese mismo año.
Delectus Clark que así es como se llamó realmente fue un
cantante de Soul estadounidense conocido por una serie de éxitos de R&B y
pop a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960.
Este se embarcó en una carrera en solitario en 1957 y
durante los cuatro años siguientes cosechó varios éxitos moderados, dos de los
cuales ("Just Keep It Up" y "Hey Little Girl") alcanzaron
el top 20 del Billboard Hot 100.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en dicho primer
single registrado en 1957.
Además de este en su extensa carrera cuentó con:5 álbumes de
estudio,algún que otro recopilatorio,un álbum en directo,8 E.P.’s y nada menos
que 70 singles.
Su sencillo más exitoso, "Raindrops", una potente
balada, se estrenó en la primavera de 1961 y se convirtió en su mayor éxito,
alcanzando el número dos en la lista de éxitos pop y el número tres en las
listas de R&B.
https://www.discogs.com/es/master/620977-Dee-Clark-Seven-Nights-24-Boy-Friends
"Aunt Susie" es un sencillo de música R&B y
Rockabilly lanzado originalmente en 1961 por el artista Mr. P. T. & The
Party-Timers. La canción fue escrita por Paul Tinson y se publicó bajo el
formato de vinilo de 7 pulgadas (45 RPM), contando habitualmente con el tema
"Crazy Sadie" en la cara B.
Seguido de este sonó ‘’Aunt Susie’’ tema que el grupo MR. P.T & The Party timers incluyeron en la cara a del single al que dio título.
Registrado en 1961 este vio la luz a través del famoso sello
norteamericano establecido en Cincinnati, Ohio Federal records ese mismo año.
Poca es la información que hay acerca de esta banda liderada
por Paul Tinson.
En cuanto a su sonido,este fue un grupo de Rhythm &
Blues y Rock & Roll de la década de los 60’s, conocido por su único sencillo
de 7 pulgadas de 1961 "Aunt Susie" / "Crazy Sadie".
Se les asocia con los géneros del Rock, el Blues y el
R&B con toques de Soul, sus grabaciones suelen clasificarse como R&B
clásico y Rock and roll.
https://www.discogs.com/es/master/1499245-Mr-P-T-The-Party-Timers-Aunt-Susie
The Valiants fue un grupo de Doo wop formado en la ciudad
estadounidense de Los Ángeles, en el estado de California en 1955. El grupo
comenzó cuando Sheridan Spencer, que hacía de segundo tenor, formó una
agrupación con su primo Brice Coefield llamada The Sabers. Posteriormente,
ambos primos añadieron al grupo al tenor Billy Spicer y al bajista vocal Walter
Carter, con cuales lanzaron su sencillo debut, Always Forever, a finales de
1955, bajo el sello musical Cal-West.Con el lanzamiento de este sencillo se
rebautizaron como The Chavelles, hasta que conocieron al pianista de jazz Lloyd
Glenn, el cual los presentó a la compañía discográfica Specialty Records
A&R, donde luego de unas sesiones de estudio y bajo este nuevo nombre lanzaron
un nuevo sencillo. Con el éxito comercial obtenido, añadieron al trío al
guitarrista Chester Pipkin y se renombraron de nuevo como The Valiants, nombre
que obtuvieron de la popular tira cómica Prince Valiant.
A principios de 1958, entraron en la lista de éxitos con el
lanzamiento del sencillo This is the Night for Love, el cual se considera una
de las interpretaciones más refinadas de su estilo.
La intrincada historia de The Valiants, un grupo de Doo-wop
de Los Ángeles, se remonta a principios de 1955, cuando el segundo tenor
Sheridan "Rip" Spencer formó el grupo The Sabers junto a su primo
Brice Coefield, quien se encargaba de la voz de barítono. Según la reseña de
Marv Goldberg en su sitio web R&B Notebooks, los primos incorporaron al
primer tenor Billy Spicer y al bajo Walter Carter antes de lanzar su sencillo
de debut, "Always, Forever", bajo el sello Cal-West a finales de
1955. Tras el fracaso comercial del disco, The Sabers cambiaron su nombre a The
Chavelles y, gracias a la mediación del padre de Coefield —que trabajaba como
cartero—, conocieron al pianista de jazz local Lloyd Glenn; este les presentó a
"Bumps" Blackwell, director de A&R (Artistas y Repertorio) del
sello Specialty Records. Poco después realizaron una sesión de grabación y,
tras ofrecer Blackwell la cinta maestra al sello Vita (con sede en Pasadena),
el primer sencillo de The Chavelles llegó a las tiendas en la primavera de
1956. El éxito comercial volvió a eludir al grupo y, con la incorporación del
guitarrista Chester Pipkin (exmiembro de The Squires), el trío principal
formado por Spencer, Coefield y Spicer creó una nueva agrupación: The Valiants,
nombre tomado de la popular tira cómica Prince Valiant (El Príncipe Valiente).
(La primera sesión de esta formación con Blackwell contribuyó a aumentar la
confusión cuando el sello Aladdin atribuyó erróneamente su debut de 1957,
"Happenin' After School", al grupo The Gents).
Fue recién cuando "This Is the Night" apareció
bajo el sello Keen a finales de 1957 que los Valiants recibieron el crédito
correspondiente. Con Spicer como voz principal, el sencillo se quedó a las
puertas del Top 40 de R&B, logrando además posicionarse en el puesto 69 de
las listas de éxitos pop. Sin embargo, el siguiente lanzamiento de 1958,
"Lover, Lover", pasó casi inadvertido, y "Please Wait My
Love" corrió la misma suerte. Tras el fracaso del quinto sencillo de los
Valiants con Keen, "We Knew" —que tampoco igualó sus éxitos
iniciales—, el sello rescindió el contrato del grupo. Poco después, Spicer
abandonó la formación; adoptó el nombre artístico de Billy Storm y reclutó a
antiguos compañeros de Pipkin en el grupo The Squires para grabar el sencillo
"Every Word of the Song". En 1959, logró colocar un éxito en el Top
40 pop con el tema "I've Come of Age". Mientras tanto, los miembros
restantes de los Valiants incorporaron al tenor Don Trotter y al bajo Ed
Wallace para grabar "Dear Cindy" con Shar-Dee —una filial de London
Records—, antes de decidir cambiar nuevamente de nombre, pasando a llamarse The
Untouchables. Tras firmar con los productores Herb Alpert y Lou Adler, The
Untouchables lanzaron "New Fad" en 1960 bajo el sello Madison; fue el
primero de una serie de trabajos que pasaron desapercibidos para dicha
discográfica emergente, entre ellos versiones de clásicos como "Goodnight
Sweetheart Goodnight" (de The Spaniels) y "Sixty Minute Man".
Por razones desconocidas, el único sencillo que grabaron en 1961 para el sello
Screen Gems, titulado "Summertime Nights", aparece acreditado a The
Happy Tones.
The Untouchables firmaron con el sello Liberty en la
primavera de 1961 para lanzar el tema "You're on Top". Su siguiente
sencillo, "Papa", merece una mención especial por incluir la primera
grabación de Alpert a la trompeta, instrumento que seguiría tocando hasta
alcanzar un enorme éxito comercial. Para 1962, The Untouchables ya se habían disuelto.
Pipkin formó un nuevo grupo, The Electras, al que más tarde se unirían también
Spencer y Billy Storm. A finales de ese año, Lou Adler creó The Alley Cats, un
grupo de vocalistas de sesión que planeaba ceder al productor Phil Spector.
Además de Spencer y Coefield, la formación incluía a Gary (primo de Pipkin), al
bajista James Barker y al tenor Bobby Sheen; este último ya había grabado, bajo
el nombre de Bob B. Soxx, el gran éxito "Zip-a-Dee-Doo-Dah",
producido por el propio Spector. Spencer, Coefield y Gary Pipkin también
coescribieron el tema de debut de The Alley Cats, "Puddin' n' Tain",
que alcanzó el puesto número 21 en la lista de R&B a principios de 1963.
Sin embargo, Spector decidió no volver a trabajar con el grupo; por ello,
Spencer y Barker continuaron colaborando bajo el nombre de Marvin & Johnny,
adoptando la denominación del veterano dúo de R&B del que había formado
parte Marvin Phillips, tío de Spencer. En 1966, Spencer, Coefield, Storm y
Chester Pipkin refundaron The Electras, incorporando a Billy Mann y Warren
Joyner para grabar el tema "Mary Mary" con el sello Ruby-Doo. Dos
años más tarde, Adler contrató a esta formación del grupo para grabar el álbum
de soul psicodélico *Music from "Lil Brown"*, acreditado a Africa.
‘’Good golly miss Molly’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo de la banda estadounidense procedente de Los Angeles,California The Valiants.
Esta es una cover del famoso tema compuesto por Little
Richard que fue incluida en la cara b de su primer single que apareció junto al
tema This is the night.
Registrado en 1957 este salió a la calle bajo el brazo del
sello Keen Records ese mismo año.
Este fue un grupo de Rhythm 'n' blues de los años 50 formado
en la escuela secundaria Jordan de Los Ángeles.
Integrado por Billy
Storm (primer tenor), Sheridan Spencer (segundo tenor), su primo Brice Coefield
(barítono) y Chester Pipkin (guitarrista).
Tras los nombres "The Sabers" y
"Chavelles" entre 1955 y 1956, cambiaron de nombre por tercera vez
quedando definitivamente como The Valiants.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en dicho single
registrado en 1957.
Además de este cuentan con:Un Álbum de estudio como Billy
Storm and The Valiants y 9 singles.
https://www.discogs.com/es/master/740741-The-Valiants-This-Is-The-Nite-Good-Golly-Miss-Molly
Don y Dewey fueron un dúo estadounidense de rock, blues y
R&B, integrado por Don "Sugarcane" Harris (Don Francis Bowman
Harris; 18 de junio de 1938 – 1 de diciembre de 1999) y Dewey Terry (Dewey
Steven Terry; 17 de julio de 1937 – 11 de mayo de 2003).
Tanto Harris como Terry nacieron en Los Ángeles y crecieron
en Pasadena, California.Durante su infancia, Terry aprendió a tocar el piano y
cantó en un coro, mientras que Harris aprendió violín clásico. Se conocieron en
1949 cuando Terry escuchó a Harris practicar con la guitarra y, ya en la
escuela secundaria, formaron un grupo vocal de estilo Doo-wop llamado The
Squires junto a unos amigos. El grupo actuó en conjunto y realizó varias
grabaciones a mediados de la década de 1950 para pequeños sellos discográficos
locales, entre ellos Dig This Record.
El grupo se disolvió en 1956, pero Harris y Terry siguieron
actuando juntos y realizaron sus primeras grabaciones como dúo para el sello
Shade. Por aquel entonces, Harris tocaba el violín eléctrico y Terry, el piano
y el bajo. Fueron contratados por el sello Specialty Records, propiedad de Art
Rupe, y durante los dos años siguientes produjeron música rock and roll.Tanto
Don como Dewey tocaban la guitarra, aunque Dewey a menudo también se encargaba
de los teclados. Cuando no tocaba la guitarra o el bajo, Don interpretaba
ocasionalmente el violín eléctrico, habilidad por la que más tarde se hizo
famoso bajo el nombre de «Sugarcane» Harris. El baterista Earl Palmer participó
frecuentemente en sus sesiones de grabación.
Aunque Don y Dewey no tuvieron éxitos propios, varias de las
canciones que compusieron o grabaron aparecieron más tarde en las listas de
éxitos interpretadas por otros artistas. "I'm Leaving It Up to You"
llegó al número 1 en la voz de Dale & Grace en 1963. "Farmer
John" fue un éxito para The Premiers, alcanzando el puesto 19 en 1964, un
año después de que The Searchers lanzaran su propia versión. "Koko
Joe" (compuesta por Sonny Bono, entonces productor de Specialty Records),
"Justine" y "Big Boy Pete" fueron temas habituales en el
repertorio de The Righteous Brothers durante muchos años. "Big Boy
Pete" fue un éxito menor para The Olympics en 1960 (llegando al puesto 50)
y un éxito que alcanzó el número 4 para The Kingsmen cuando la grabaron con
nueva letra bajo el título "The Jolly Green Giant" en 1965.
En 1959, Don y Dewey y el productor Sonny Bono dejaron
Specialty Records para pasar a Rush Records, donde grabaron algunas canciones
antes de separarse poco tiempo después.
En 1964, Art Rupe grabó tanto a Don y Dewey como a Little
Richard (otro artista de Specialty Records), pero ninguno de ellos volvió a
cosechar éxitos tras su colaboración en los temas "Bama Lama, Bama
Loo" y "Annie's Back"; para 1965, ya habían seguido caminos
separados. Su colaboración también dio lugar a un álbum de regreso exitoso para
Richard (especialmente en el extranjero) y a una gira por Europa. La BBC filmó
su actuación en París el 6 de junio de 1964. Don y Dewey volvieron a actuar
juntos ocasionalmente a mediados de la década de 1970 y continuaron haciéndolo
hasta la muerte de Harris.
A finales de la década de 1960, Harris participó en
grabaciones junto a Johnny Otis (de The Johnny Otis Show) y los Bluesbreakers
de John Mayall. En 1970, bajo el nombre de Sugarcane Harris, volvió a darse a
conocer ante un público más amplio del ámbito del rock al tocar el violín en el
álbum en solitario de Frank Zappa *Hot Rats*; colaboró con Captain Beefheart
(a la voz) en el tema «Willie The Pimp» y participó en la extensa improvisación
instrumental «The Gumbo Variations» .Posteriormente, tocó en varios álbumes
más, tanto en solitario como con Zappa y The Mothers of Invention. Terry siguió
actuando y grabando con músicos de blues hasta su fallecimiento en 2003.
En 1969, Sugarcane Harris, con la ayuda del baterista de Los
Ángeles Paul Lagos, formó una banda junto al bajista Larry Taylor y el
guitarrista Randy Resnick. Inicialmente, el grupo se llamaba "The
Sugarcane Harris Band". En 1972, tras varios años de conciertos en Los
Ángeles y sus alrededores, la banda —bajo el nombre de Pure Food & Drug
Act— grabó el álbum en vivo *Fresh Cuts* en el local Fresh Air Tavern de
Seattle para el sello Epic Records.La formación original incluía a Sugarcane,
Larry Taylor, Paul Lagos y Randy Resnick. Victor Conte se incorporó al bajo
cuando Larry Taylor dejó el grupo. Harvey Mandel, guitarrista de larga
trayectoria con Mayall y amigo de Taylor, se unió justo antes de la grabación
del álbum. La banda realizó giras por Estados Unidos y Canadá.
A lo largo de los años, Sugarcane continuó grabando y
actuando en vivo, a veces junto a Dewey Terry y, a finales de la década de
1970, con Randy Resnick.
Harris falleció en 1999.
«Don and Dewey» es el título de una pieza instrumental de la
banda It's a Beautiful Day. Es el primer tema de su álbum de 1970, *Marrying
Maiden*. La banda contaba con un violín, instrumento que posiblemente inspiró
la composición de esta obra. Esta melodía de It's a Beautiful Day rinde
homenaje a Don & Dewey, ya que su *riff* principal toma elementos
directamente del tema «Stretchin' Out», acreditado a Don y Dewy [sic] (Rush
R-1002). Deep Purple también utilizó este *riff* en su pieza instrumental
«Wring That Neck» (titulada «Hard Road» en Estados Unidos).
Seguimos con el siguiente bloque del programa de esta noche para lo que nos situamos en la costa del Pacífico.
Ponemos rumbo a Pasadena,California desde allí nos llega
nuestros siguientes screamers de la noche,estos llevan por nombre Don &
Dewey.
Don "Sugarcane" Harris & Dewey Terry que así
es como realmente se llamaban fueron un dúo estadounidense de Rock and roll.
En 1954, Dewey Terry fue miembro fundador de The Squires
mientras aún cursaba la secundaria. Posteriormente se le unió un amigo, Don
Bowman (quien después cambiaría su nombre a Harris).
En 1955, The Squires lanzó un disco con el sello
discográfico Dig This Record.
En 1957, el grupo se disolvió, pero Don y Dewey
permanecieron juntos.Ese mismo año, ficharon por el sello Specialty Records y
durante los dos años siguientes se dedicaron a la producción de Rock and roll.
Don y Dewey tocaban la guitarra, y Dewey solía tocar el
teclado,el bajo y ocasionalmente el violín eléctrico, habilidad por la que
posteriormente se hizo famoso con el nombre de "Sugarcane" Harris.
El legendario baterista Earl Palmer tocaba con frecuencia en
sus sesiones.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un primer
single registrado en 1957.
Además de este cuentan con:14 singles y un E.P.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su quinto
single.
Registrado en 1958 este vio la luz a través del sello
Specialty Records ese mismo año.
En su cara b encontrarás este tema titulado ‘’Justine’’.
https://www.discogs.com/es/master/783873-Don-And-Dewey-Bim-Bam-Justine
Lawrence Collins (4 de octubre de 1944 – 5 de enero de 2024)
fue un guitarrista estadounidense, conocido principalmente por formar parte del
dúo The Collins Kids junto a su hermana Lorrie, por haber sido discípulo de Joe
Maphis y por su estilo de interpretación rápido y enérgico.
Cuando The Collins Kids se separaron inicialmente en 1961, Collins
continuó actuando como solista y, entre sus logros más destacados, coescribió
el éxito de 1972 «Delta Dawn».
Collins formó parte del dúo The Collins Kids junto a su
hermana Lorrie (1942-2018). Entre sus éxitos de la década de 1950 se encuentran
«Hop, Skip and Jump», «Beetle Bug Bop» y «Hoy Hoy». The Collins Kids comenzaron
a actuar regularmente en el programa *Town Hall Party* en 1954, se presentaron
en el Grand Ole Opry y participaron en la versión televisiva sindicada de dicho
programa, Tex Ritter's Ranch Party, a finales de los años cincuenta.
Collins y su mentor, la estrella de la música *country* Joe
Maphis, grabaron juntos un álbum para Columbia Records titulado *Fire on the
Strings*, publicado en 1957.Los hermanos Collins siguieron actuando juntos
hasta 1961, año en que se separaron.El dúo se reunió para un concierto de
resurgimiento del *rockabilly* en Inglaterra en 1993 y continuó actuando unido
hasta el fallecimiento de Lorrie en 2018.
Cuando no formaba parte de The Collins Kids, Collins continuó
actuando como solista. Posteriormente, compuso y produjo éxitos para muchas
estrellas consagradas de la música country; destaca especialmente por haber
coescrito el éxito de 1972 «Delta Dawn» junto a Alex Harvey y el éxito country
de 1981 «You're the Reason God Made Oklahoma» con Sandy Pinkard.
Larry (nacido el 4 de octubre de 1944) y su hermana Lorrie
crecieron en una granja lechera cerca de Tulsa; sus padres fomentaron su incipiente
talento musical, y su madre tocaba la mandolina, el violín y el piano.
Después de que la cantante Lorrie ganara un concurso de
talentos, Leon McAuliffe —guitarrista de *steel guitar* de la banda Bob Wills
and his Texas Playboys— sugirió que se mudara al sur de California, epicentro
de una floreciente escena de música *country*. Convencidos, los padres
vendieron la explotación ganadera y trasladaron a la familia en 1953.
Tras ganar concursos de talentos por separado en California,
su padre sugirió que actuaran como dúo; esta decisión les valió en 1954 un
puesto como "The Collins Kids" en el elenco del programa *Town Hall
Party* de Tex Ritter (emitido por KTTV y más tarde rebautizado como *Ranch
Party* para su distribución a otras cadenas). Con apenas 10 y 12 años
respectivamente, Lorrie se encargaba de la voz principal y la guitarra rítmica
con su Martin 000-18, mientras que Larry ejecutaba vertiginosos adornos y solos
de guitarra.
"Básicamente, Larry desarrolló su estilo de forma
aislada", comentó Dan Forte, editor colaborador de *VG*. "Cuando lo
entrevisté para *Guitar Player* en 1991, le pregunté quiénes habían sido sus
primeras influencias. Mencionó a Maphis y a Merle Travis, pero aclaró que los
descubrió tras mudarse a California. Al insistir para averiguar cómo había
alcanzado tal destreza a una edad tan temprana, solo dijo que le gustaba el
piano *boogie-woogie* y que escuchaba música góspel en una iglesia cercana por
las noches".
Al principio, Collins tocaba una Gibson LG-2, pero casi de
inmediato los hermanos fueron enviados al taller del fabricante de guitarras
Paul Bigsby en Downey; allí, Bigsby había construido o personalizado
instrumentos para Travis y otros artistas de *Town Hall*. Para Larry, preparó
una Gibson ES-140 de tamaño tres cuartos (3/4) incorporándole un reposabrazos y
un golpeador con incrustaciones que llevaban el nombre del joven músico, un
diseño muy similar al que había realizado en la Super 400 de Maphis. También
añadió una pastilla Bigsby cerca del puente. En los años posteriores, Larry
colaboró con Semie Moseley en la creación de varias guitarras sofisticadas,
incluidas las de doble mástil que se convertirían en un sello distintivo tanto
para él como para Maphis.
En el programa «Town Hall Party», los Collins Kids
interpretaban un estilo musical que, por aquel entonces, empezaba a triunfar a
nivel regional gracias a temas como «That’s All Right» de Elvis Presley. Los
pioneros del *rockabilly* Carl Perkins y Jerry Lee Lewis no alcanzarían el
éxito con «Blue Suede Shoes» y «Crazy Arms» hasta 1956. También compartieron
escenario con grandes estrellas de la música *country* de la época, así como
con jóvenes roqueros de la talla de Perkins, Lewis y Gene Vincent. Quizás lo
más destacado fue que Larry comenzó a interpretar asombrosos dúos de guitarra
junto a Maphis; algunas de estas piezas se incluyeron en *Swinging Strings*, un
EP de temas instrumentales publicado en 1958.
Otra de las estrellas que tocó con Larry en el programa fue
Dick Dale, leyenda de la guitarra *surf*. Forte lo entrevistó en 1983.
«Dick salió con Lorrie durante un tiempo y me contó que, a
veces, al llevarla a casa, despertaba a Larry para pedirle que le enseñara
algunos *licks* [frases musicales]», recordó. «Larry confirmó la anécdota entre
risas».
Entre 1955 y 1963, los Collins Kids estuvieron bajo contrato
con Columbia, sello para el que grabaron canciones dirigidas al público
adolescente —como «Hush Money» y el frenético tema de *rock* «Hoy Hoy»—, así
como canciones *rockabilly* del estilo de «Hop, Skip and Jump», «Hot Rod» y «Whistle
Bait».
«Columbia estaba dirigida por Mitch Miller, quien detestaba
el *rock and roll*», comentó Forte. «Dada su edad, los Collins eran demasiado
jóvenes para ser promocionados como artistas de *rock* y demasiado desenfadados
para el mercado *country*. Fueron verdaderos pioneros del *rock and roll* que
quedaron relegados al olvido».
En 1961, Lorrie dio a luz a su primer hijo y se alejó en
gran medida del mundo de la música. Aunque el dúo realizó algunas apariciones
televisivas, Larry se vio obligado a emprender una carrera en solitario.
Centrado principalmente en la composición, colaboró con Alex Harvey en el
tema «Delta Dawn», que alcanzó el número 1 en las listas de *country* en 1972
gracias a Tanya Tucker; al año siguiente, la versión de Helen Reddy llegó a lo
más alto de la lista Billboard Hot 100 y obtuvo una nominación al Grammy. En
1981, David Frizzell y Shelly West lograron un éxito de música country con
«You’re the Reason God Made Oklahoma», compuesta por Collins y Sandy Pinkard
(los créditos se modificaron posteriormente para incluir a Felice y Boudleaux
Bryant, autores de la melodía similar de «Rocky Top», de 1967).
«Larry fue uno de los guitarristas más talentosos y menos
valorados en la historia del instrumento», afirmó Walter Carter, historiador de
la guitarra que entrevistó a Lorrie para la edición de octubre de 2018 de *VG*.
«Su forma de tocar, llena de energía rockera en los antiguos vídeos de *Ranch
Party*, sigue siendo impresionante. Si tenemos en cuenta que apenas era un
adolescente, que estábamos en los años 50 —los inicios del *rock and roll*— y
que actuaba bailando y sonriendo en todo momento, es una lástima que nunca
obtuviera la proyección nacional que su talento merecía».
«Ver a los Collins Kids en aquellas emisiones en blanco y
negro de *Town Hall Party* te saca una sonrisa, tanto por lo visual como por lo
sonoro», comentó Willie Moseley, colaborador de *VG* que los entrevistó para un
reportaje en febrero de 2013. «Resulta fascinante observar la frenética actitud
escénica de Larry: un chaval con el pelo rapado al estilo militar, luciendo un
traje de *cowboy* con flecos y aquella guitarra de doble mástil. Su destreza
sigue siendo asombrosa casi 70 años después».
«También me impresionó la lealtad de Larry hacia Semie
Moseley», añadió. «Mantuvieron el contacto a lo largo de las décadas y,
dondequiera que se fabricaran las guitarras Mosrite, Larry encargaba otra de
doble mástil».
En 1993, Larry se reunió con Lorrie para actuar en un
festival de *rockabilly* en Gran Bretaña, y ambos siguieron ofreciendo
actuaciones ocasionales hasta 2012. Lorrie falleció en 2018 y al año siguiente
fue incluida en el Salón de la Fama de la Música de Oklahoma.
A Collins le sobreviven una hija, dos nietos y una hermana.
Seguido de este sonó’’Whistle bait!’’título que el pequeño screamer Larry Collins incluyó en su decimotercer single junto a su hermana Lorrie al que dio título.
Registrado en 1958 este fue prensado de manos de la
multinacional Columbia Records ese mismo año.
Los Collins Kids fueron un dúo adolescente de Rockabilly
estadounidense procedente de Tulsa,Oklahoma formado Lorrie y su hermano menor Larry Collins.
Tuvieron varios éxitos apareciendo regularmente en
televisión a finales de los 50 y principios de los 60, antes de que Lorrie se
"retirara" a los 19 años en 1961.
Desde entonces el pequeño de los Collins inició su carrera
en solitario.Conocido por usar una guitarra Mosrite de doble mástil, al igual
que su mentor, Joe Maphis. A los 10 años ya era un guitarrista consumado.
Sus primeras grabaciones en solitario quedan recogidas en un
E.P. junto a Joe Maphis registrado en 1958.
Además de este cuenta con 9 singles.
En cuanto a su sonido este facturaba un Rockabilly
fresco,potente y vibrante.
En mi opinión fue uno de los percusores de lo que
posteriomente darían forma otras bandas conocidas como Psychobilly.
Descubrí esta canción de amor tan evocadora hace unos años,
pero desde entonces no he logrado encontrar mucha información sobre la cantante
o el lanzamiento. En fin, a pesar de no haber tenido éxito en mi búsqueda,
publico esta breve nota con la esperanza de que alguien pueda arrojar algo de
luz sobre esta cantante relativamente desconocida.
Según la información de 45Cat y Discogs, ella publicó cuatro
sencillos entre 1960 y 1963, todos bajo el sello Columbia. Su primer sencillo
fue un tema animado de *blues-rock* titulado «Itty Bitty Love», que incluía en
la cara B la preciosa y pausada «So Little Time». Aunque se lanzó
principalmente en Estados Unidos a principios de 1960, 45Cat registra una
curiosa distribución aquí en Australia más tarde ese mismo año, bajo el sello
CBS Coronet. Además, parece que el disco promocional de este lanzamiento venía
con una funda desplegable que incluía una fotografía de la hermosa Hannah.
Un miembro de 45Cat, afortunado poseedor de una copia,
comparte también con gratitud la contraportada, donde se lee lo siguiente sobre
Dean: «El estilo de Hannah Dean es una mezcla de *rhythm and blues* y *rock and
roll*, interpretada con el sentimiento y el fraseo espontáneo y desinhibido de
una cantante de góspel». Irving Townsend, productor ejecutivo de Columbia
Records en Hollywood, envió esta valoración personal del talento de Hannah Dean
a los productores de Columbia en Nueva York, junto con el primer disco de la
artista: «So Little Time», con «Itty Bitty Love» en la cara B.
La respuesta fue inmediata; todos estuvieron de acuerdo sin
excepción. La singular calidad vocal de Hannah se explica por el hecho de que
ha sido cantante de góspel desde los dos años y sigue cantando habitualmente en
una iglesia bautista de Los Ángeles, donde su madre ejerce como ministra. Hasta
hace dos años, Hannah era un ama de casa de Los Ángeles que desconocía por
completo que podía llegar a ser una cantante de música popular extraordinaria.
Un cazatalentos de Los Ángeles la escuchó cantar en la
iglesia y le sugirió de inmediato que considerara dedicarse a la música
popular. Hannah le confesó con franqueza que carecía de formación académica y
que solo cantaba música popular para sí misma y para unos pocos amigos. No
obstante, animada por la confianza que él depositó en ella, aceptó grabar una
maqueta que, poco después, le valió un contrato discográfico con Columbia. El
primer disco de Hannah Dean marca el inicio de una carrera tan prometedora como
inesperada.
También di con otro bloguero con hábitos similares a los
míos en cuanto a coleccionar discos y encontré un enlace en su blog, *The
Listening Post*, que me llevó a esta breve reseña de *Billboard* fechada el 5
de septiembre de 1960. Dice así... HANNAH DEAN es un nombre nuevo en la escena
gracias al lanzamiento de su primer disco con Columbia: «So Little Time» /
«Itty Bitty Love». Hasta hace dos meses, era un ama de casa de Los Ángeles cuyo
único escenario para cantar era la iglesia bautista de la ciudad. Un
cazatalentos la escuchó allí y la animó a grabar una maqueta; esta llegó a
manos de Columbia Records y dio lugar a un contrato. Irving Townsend, productor
ejecutivo de Columbia en Hollywood, describe el estilo de la señorita Dean como
una «mezcla de *rhythm and blues* y *rock and roll*, interpretada con el
sentimiento y el fraseo libre y apasionado de una cantante de góspel».
En 1962, Dean publicó «Open Sesame» / «Without Your Love».
Por el momento, no logro encontrar ni siquiera un fragmento de audio de este
lanzamiento. Hay un par de copias en eBay (a precios asequibles), pero,
lamentablemente, ningún vendedor ofrece una muestra de audio. Así que no puedo
contarles nada sobre este disco en particular.
Las raíces góspel de Dean y sus capacidades vocales salen a
relucir en su lanzamiento de 1963, «You, You, You». La cara B, «High Noon»,
reúne todo lo que me encanta del hermoso género *popcorn*, y ahora hace que
quiera hacerme con una copia.
Volvamos a «Strange Man». No logro entender por qué este
lanzamiento es tan desconocido, sobre todo teniendo en cuenta que salió bajo
uno de los sellos discográficos más importantes. La producción es una auténtica
maravilla. Tiene todos los ingredientes: el diabólico trabajo de guitarra
*bluesera* de principio a fin, la flauta, las líneas vocales profundas y llenas
de *soul* de Dean, así como los coros; todo está en su sitio exacto. Cuando escucho
temas así, soy consciente de que no se trata de una grabación accidental o
fortuita. Todos los presentes en el estudio sabían exactamente qué estaban
produciendo. Imagínate ser músico, volver a casa desde el estudio a altas horas
de la noche y darte cuenta de aquello de lo que acabas de formar parte. ¡Y
estar en medio de esta Hannah Dean verdaderamente sublime y llena de gracia! El
16 de enero de 1961, la revista *Billboard Music Weekly* comentaba: «Strange
Man: en esta cara, la cantante ofrece otra interpretación atractiva de una
pieza inusual con aires de *blues*. Ambas caras exhiben su potente voz».
En la otra cara encontramos una de las muchísimas versiones
de «(I’m Afraid) The Masquerade Is Over», tema publicado originalmente el 20 de
enero de 1939 por Larry Clinton y su orquesta, con la voz de Bea Wain. Quizás
me gane un lugar en el infierno por decir esto, pero la versión de Dean es
abrasadora. Hay algo en su entrega que tal vez solo pueda surgir de lo más
profundo del alma de una cantante de góspel. Existen versiones preciosas de
esta canción, interpretadas por artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye, Nancy
Wilson y —mi favorita personal— Aretha Franklin; la versión de Dean se sitúa a
la misma altura que todas ellas.
Entonces, ¿dónde encaja este curioso lanzamiento en formato
de 7 pulgadas y 33 rpm? Para ser sincero, no estoy seguro, ya que no he
encontrado ningún catálogo en línea que incluya esta edición concreta. Hay una
pequeña pista: en la etiqueta aparece la inscripción «Columbia Marcas Reg.», lo
que sugiere que podría tratarse de una edición española. Sin embargo, «Marcas»
también es un término portugués y, dado que muchos discos de 7 pulgadas
brasileños utilizan el formato de 33 rpm, ¿podría ser ese su origen?
¿Deberíamos entristecernos de que tantas de estas canciones
desconocidas que salen a la luz hoy en día permanezcan ocultas en el pasado,
sin pistas claras sobre quiénes eran los artistas o qué aspecto tenían? ¿O
deberíamos respetar sus raíces góspel y considerar que tal vez fue decisión
suya no dar tanta importancia a la fama y la popularidad? Esta noche, con la
luz tenue, puedo bajar la aguja con delicadeza y sentir gratitud de que
cantantes como Hannah Dean nos regalaran al menos unas cuantas canciones
hermosas que hoy podemos escuchar y apreciar. Y agradecer que, hace ya muchos
años, estas grandes mujeres vivieran ese instante fugaz frente al micrófono; un
instante que ha perdurado y perdurará para siempre.
Espero que tú también sepas apreciar la belleza sincera de
esta canción y de Hannah Dean. Ella falleció el 6 de mayo de 2004, a los 71
años.
¡ACTUALIZACIÓN! Gracias a mi buena amiga Kristy, experta en
indagar en los rincones más recónditos de Internet, hemos podido arrojar algo
de luz sobre Hannah y su trayectoria profesional. Parece ser que Hannah se
dedicó a la actuación teatral y también tuvo una carrera destacada en el cine y
la televisión, aunque, por lo que se ve, muchos de sus papeles televisivos se
limitaban a personajes encasillados, como empleadas domésticas y roles similares.
Gracias también a DJ Soup por reconocer su faceta como actriz.
Estas son algunas de sus apariciones:
*The Black Six* (1973) – Hannah Dean como la Sra. Daniels.
«¡Seis veces más duro que Shaft! ¡Seis veces más rudo que Superfly! ¡Vea a los
6 más grandes, malos y mejores acabar con 150 tipos en motocicleta!». El
hermano de una chica blanca sorprende a un estudiante afroamericano saliendo
con ella. Él y su banda de motociclistas supremacistas blancos golpean al joven
hasta matarlo. El hermano de la víctima, un veterano afroamericano de la guerra
de Vietnam, se entera de lo sucedido y su propia banda de motociclistas,
conocida como «The Black Six», jura vengar la muerte de su hermano.
*The World’s Greatest Lover* (1977) – Hannah Dean como la
criada. Dirigida y escrita por Gene Wilder; protagonizada por Dom DeLuise como
Adolph Zitz y Carol Kane como Annie Hickman. Un panadero neurótico viaja a
Hollywood para participar en una búsqueda de talentos destinada a encontrar un
actor que rivalice con el gran Valentino. Aunque no es actor, gracias a una
suerte increíble logra triunfar, hasta cierto punto.
*Every Girl Should Have One* (1978) – Hannah Dean como
Ernestine. También protagonizada por Zsa Zsa como Olivia Wayne y el mismísimo
«Z-man», John Lazar, como Chris. El robo de un diamante valorado en un millón
de dólares —que involucra a ladrones improbables, amantes excéntricos y una
criada de lengua rápida— hace que esta comedia de atracos se mueva a toda
velocidad desde sofisticadas discotecas hasta emocionantes escenas de
persecución, todo ello con un espíritu de diversión sana e inocente.
*Mother, Jugs & Speed* (1976) – Parece que Hannah no
aparece acreditada en esta comedia negra estadounidense. Está protagonizada por
Bill Cosby como Mother, Raquel Welch como Jugs, Harvey Keitel como Tony «Speed»
Malatesta y Larry Hagman como empleados de un servicio de ambulancias
independiente que intenta sobrevivir en Los Ángeles. También cuenta con la
participación de Toni Basil como la drogadicta.
*Out Of The Blue* (1979) – 12 episodios. Hannah Dean como
Gladys (el ama de llaves). Fue un programa de televisión popular pero breve
sobre Random, un ángel en formación asignado a vivir con una familia de los
suburbios de Chicago mientras intenta ganarse sus alas realizando buenas obras.
Hannah tuvo un papel importante en esta serie.
Este artículo apareció en el *Star Tribune* (Minneapolis,
Minnesota) el domingo 30 de septiembre de 1979.
Hannah Dean nació rodeada de música en su Nueva Orleans
natal. Ofrecía conciertos en la iglesia desde los tres años y, literalmente,
vivió su vida cantando. Completó una temporada de seis meses en escena con la
obra *The Evolution of the Blues* justo antes de que comenzara la producción de
*Out Of The Blue*.
Su carrera como actriz comenzó de manera imprevista tras el
nacimiento de su sexto hijo y los disturbios de Watts. Había decidido cancelar
todas sus actuaciones como cantante hasta después del parto, pero trabajaba con
jóvenes de Watts enseñándoles canto coral. En 1965, tras los disturbios, su
coro juvenil comunitario de Watts (*Watts Community Youth Choir*) se afilió al
Instituto Mafundi, un centro cultural creado en la zona devastada. Allí
consiguió un papel en la obra teatral *Don’t Bother Me, I Can Cope*. Esto le
abrió las puertas a otras producciones teatrales, incluida *Porgy and Bess*
junto a Mickey Rooney.
Comenzó a grabar a principios de los años 50 con la canción
góspel «Every Day and Every Hour», junto a The Branch Gospel Singers. A esto le
siguió «Baby My Love», publicada por un sello discográfico poco conocido;
posteriormente firmó con Columbia Records, donde grabó «So Little Time», «Without
Your Love» e «Itty Bitty Love» (con el acompañamiento vocal de The Blossoms).
Por aquel entonces conoció al compositor Jon Hendricks, quien acababa de
escribir *The Evolution of the Blues*. Algunas de las canciones de la obra
habían sido interpretadas por Mahalia Jackson en el Festival de Jazz de
Monterey. Cuando Jackson canceló su gira, Erwin Townsend, de Columbia, sugirió
a Dean como sustituta. Ella recibió una ovación de pie, lo que llevó a Columbia
a grabar *Evolution* con Dean interpretando los temas góspel. Dean continuó
interpretando *Evolution* en el Festival de Jazz de Newport, en el Carnegie
Hall y durante una gira por Canadá.
El álbum *Evolution of the Blues Song*, compuesto por Jon
Hendricks, se publicó en 1960 a través de Columbia y aparecía acreditado a
Hannah Dean & Chorus. Hendricks es uno de los creadores del *vocalese*
—técnica que añade letra a composiciones instrumentales preexistentes y
sustituye muchos instrumentos por voces— y está considerado como uno de los
mejores intérpretes de *scat*. Aquí se puede encontrar un artículo muy
interesante sobre la representación en vivo de *Evolution of the Blues*, que
incluye una breve entrevista con Hendricks y Dean.
https://seven45rpm.com/2020/10/18/hannah-dean-strange-man/
A este le precedió ‘’Itty bitty love’’ tema que la screamer Hannah Dean incluyó en la cara a de su single debut.
Registrado en 1960 este vio la luz a través del sello
Coronet y de las multinacionales:Phillips y Columbia Records ese mismo año.
Hannah Dean fue una cantante de Rock con aptitudes para el
Blues relativamente desconocida de la que muy poca información hay.
Publicó cuatro sencillos entre 1960 y 1963, todos con
Columbia.
Su primer sencillo fue un tema Blues rockero y animado
llamado Itty Bitty Love, con la encantadora, lenta y vibrante So Little Time.
La singular calidad vocal de Hannah es comprensible, ya que
fue cantante de Gospel desde los dos años en la iglesia Bautista de Los
Angeles.
El estilo de Hannah Dean es una mezcla de Rhythm and blues y
Rock and roll, cantado con el sentimiento y el fraseo desenfadado de una
cantante de Gospel.
https://www.discogs.com/es/release/6754405-Hannah-Dean-Itty-Bitty-Love-So-Little-Time
Esta semana, viajamos a finales de los años 50 y principios
de los 60 para escuchar algunas grabaciones de Wilbert Smith, más conocido por
su nombre artístico, Lee Diamond, quien durante más de una década fue músico de
acompañamiento multiinstrumentista, compositor y vocalista. Me resulta una
figura enigmática, porque, si bien su nombre aparece en los créditos y como
artista destacado, y hay referencias a él en varios textos sobre la música de
la época, he encontrado muy poca información directa sobre su vida. Al
principio de su carrera, trabajó con varios artistas populares de R&B,
incluyendo a uno de los nombres más importantes del rock 'n' roll de los años
50; y a mediados de los 60, antes de desaparecer de la escena, Diamond
participó en la composición de una de las canciones clásicas del soul de Nueva
Orleans. Supongo que son buenos puntos de partida para una historia.
Si bien las referencias impresas a Wilbert Smith/Lee Diamond
suelen decir que era de Nueva Orleans, he encontrado muy poca información sobre
sus primeros años y su educación. La primera mención que he encontrado de
Wilbert Smith es una lista como baterista (¿?) en una sesión de Roy Brown en
Cincinnati en 1951. Brown, originario de la Ciudad Media Luna, era un rockero
antes de que se acuñara el término y utilizó a muchos músicos locales en su
banda y en sesiones para Deluxe Records. Alrededor de 1954, el rastro se
retoma; y encontramos a Smith tocando el saxo tenor en la banda de gira de
Shirley & Lee , el dúo de cantantes adolescentes de la Ciudad Media Luna
que estaba teniendo mucho éxito en las listas de Aladdin Records. Mientras
estaban de gira en Nashville, Smith y el baterista de la banda, Charles Connor
, también de Nueva Orleans, fueron reclutados por un joven y extravagante
cantante de Macon, Georgia, 'Little Richard' Penniman , para su nueva banda,
los Upsetters. Para entonces, Little Richard ya había grabado para RCA en
1951/1952 y para el sello Peacock de Don Robey en Houston en 1953, sin éxito
comercial. Sin embargo, estaba desarrollando un espectáculo en vivo potente y
extravagante, interpretando el enérgico R&B que pronto se conocería como
rock 'n' roll. Él y los Upsetters pronto se convirtieron en una banda muy
solicitada, gracias al boca a boca, que actuaba por Georgia y los estados
vecinos desde su base en Macon. Tras conocer a Lloyd Price en un concierto
allí, Richard obtuvo una recomendación de la estrella y envió una maqueta que
había grabado con los Upsetters al sello de Price, Specialty Records, en Los
Ángeles. Aunque el dueño del sello, Art Rupe, y su nuevo asistente, Bumps
Blackwell, se mostraron inicialmente reacios, las insistentes llamadas de
Richard (¡imagínense!) los hicieron reconsiderar su decisión y finalmente
comprar su contrato con Robey. En 1955, se organizó una sesión para el cantante
en Nueva Orleans, donde Specialty ya había estado reclutando y grabando talento
local (en particular, Price). Dejando atrás a la mayor parte de su banda,
Little Richard partió hacia la ciudad y comenzó a hacer historia en el rock 'n'
roll.
Esa primera sesión y muchas de las posteriores en Nueva
Orleans contaron con el respaldo de la selecta banda de la casa en el J & M
Studio de Cosimo Matassa, incluyendo a Earl Palmer, batería; Frank Fields,
bajo; Huey Smith, piano; Lee Allen, saxo tenor; Red Tyler, saxo barítono; y
Justin Adams, Ernest McLean o Edgar Blanchard, guitarra. Este grupo principal
tocó en una cantidad increíble de discos de éxito en la década de 1950 e
influyó en el sonido del rock R&B durante años; y Little Richard tuvo la
inmensa fortuna de haber grabado sus éxitos seminales con ellos. Convertido
rápidamente en una estrella del rock 'n' roll, Richard reclutó una nueva
versión de los Upsetters como su banda de gira, manteniendo a Smith, que para
entonces se hacía llamar Lee Diamond, y a Connor, y agregando, entre otros, a
dos saxofonistas que había conocido en sus sesiones de Peacock en Texas, Grady
Gaines y Clifford Burks. Aunque estaban casi constantemente de gira, Richard
comenzó a insistirle a Specialty que grabara con su propia banda; Pero el sello
solo lanzó un puñado de canciones con los Upsetters. Dos de ellas, "Keep A
Knockin'" y "Ooh My Soul", grabadas improvisadamente en una
emisora de radio de Washington, D.C., durante su gira a principios de 1957,
son legendarias por capturar parte del sonido potente y enérgico de la banda,
con su sección de vientos, impulsada por los ritmos arrolladores de Connor.
Como es bien sabido, en octubre de 1957, todo terminó. El conflictivo Richard
había abandonado repentinamente la música por motivos religiosos. Esto dejó a
su banda sin líder y con muchas fechas programadas que cumplir. Para terminar
una gira por el Medio Oeste, los Upsetters, ahora liderados por Grady Gaines,
contrataron al cantante Dee Clark en Chicago para que fuera "Little
Richard" durante el resto de la gira; y Diamond comenzó a alternar entre
el piano y el saxo, según fuera necesario. En el Sur, se convirtieron en la
banda de acompañamiento de James Brown durante un tiempo, cuando al cantante se
le asignaron algunas de las fechas libres que le quedaban a Little Richard.
Charles Connor y Lee Diamond habían colaborado como músicos de acompañamiento
para Brown mientras formaban parte de la primera versión de los Upsetters en
Macon. Fue allí donde Connor le abrió los oídos a Brown al ritmo de la batería
de Nueva Orleans por primera vez, ya que Brown no creó el funk de la nada. Él y
muchos de sus bateristas posteriores estaban influenciados por los ritmos de
Nueva Orleans. Lee Diamond incluso tocó el saxofón en el primer sencillo de
Brown, "Please, Please, Please", y coescribió una canción con él,
"Chonnie-On-Chon", en 1956. Tras finalizar la gira, los Upsetters
regresaron a Chicago y firmaron con Vee-Jay Records, grabando un sencillo para
el sello Falcon de la compañía (n.º 1009) con Clark como vocalista principal.
En esas mismas sesiones, también grabaron dos temas instrumentales de estilo
R&B, "The Strip" y "Upsetter", lanzados bajo el nombre
de la banda en Falcon 1010, además de estas dos notables canciones escritas por
Diamond, quien también canta.
"Hattie Malatti" (L.Lee Diamond, Vee-Jay 272, 1958
"Mama Loochie" (L. Diamond) (Sintoniza HOTG
Internet Radio ) Por muy disfrutable que sea este sencillo por sus propios
méritos, es obvio que Lee Diamond no estaba ni cerca del nivel del incendiario
Little Richard, pero ¿quién lo estaba? Ninguna de las caras exhibe un ritmo
rockero tan intenso como los mejores discos de Richard, aunque "Mama Loochie"
tiene referencias líricas dispersas a "Slippin' and Slidin'". Aun
así, hay una gran sensación de ritmo en ambas caras que definitivamente revela
raíces de Nueva Orleans y muestra a la banda estableciendo su propio sonido. Su
dinámica había cambiado debido a la partida del baterista original Charles
Conner, reemplazado por otro contendiente de Nueva Orleans, Emile Russell ,
quien había tocado con la banda de Pluma Davis acompañando a Gatemouth Brown
antes de firmar con los Upsetters. Estos dos temas muestran que el estilo de
batería de Russell tenía una interacción sincopada entre su bombo, caja y
platillos, la base polirrítmica del funk. En "Hattie Malatti", sus
golpes de caja se quedan justo detrás del ritmo, creando una tensión y liberación,
aumentada por sus ritmos entrecortados al final de los compases. Mientras
tanto, su pie definitivamente crea otro contrapunto rítmico en el bombo, aunque
es más difícil de escuchar debido a la mala calidad del sonido de la grabación.
En general, es un ritmo excepcional que podría escuchar fácilmente en bucle
infinito. Pensé que no había tanta actividad rítmica en "Mama
Loochie", ya que el trabajo de caja de Russell tiene una sensación similar
pero más simple que en "Hatti". Entonces noté lo que hacía con la
campana del plato ride a lo largo de la canción, superponiendo otro patrón más
complejo con un cierto aire cubano, similar a lo que Hungry Williams introdujo
en la batería popular de Nueva Orleans en ese período. Seguramente Russell fue
influenciado por ello. Creo que estos temas proporcionan más evidencia del
sonido funk emergiendo en la música popular a través de Nueva Orleans.
Definitivamente es el tipo de música que siempre estamos buscando aquí en HOTG.
Antes de continuar, debo felicitar al guitarrista Nataniel Douglass (otro
veterano del grupo Pluma Davis) por la introducción de guitarra inicial de
"Hatti" que tocó durante toda la canción, aunque probablemente la
tomó prestada de Chuck Berry. Está hecha con buen gusto. Y esa sección de
saxofones (Grady Gaines (haciendo los solos), Clifford Burks y Wilbert 'Lee
Diamond' Smith (cuando no estaba al piano), todos en los tenores, y Larry
Linnear, en el barítono) - fue impresionante. Estoy seguro de que en vivo,
estos tipos te habrían dejado boquiabierto. The Upsetters grabaron al menos
otras cuatro canciones para Vee-Jay ** que no fueron lanzadas,incluyendo la
genial "A Girl In Every City" de Diamond, que presenté aquí en 2004
del LP relacionado con Charly Upsetters, The New Orleans Connection.
Está en reproducción en la transmisión web de HOTG . Pero
para 1960, Diamond había dejado el grupo y regresado a casa. En Nueva Orleans,
se asoció con Minit Records para dos sencillos, "It Won't Be Me" b/w
"Please Don't Leave" (#617) en 1960 y "Let Me Know" b/w
"I Need Money" (#635) en 1961, trabajando con el prometedor productor
de éxitos, Allen Toussaint . "It Won't Be Me" (W. Smith) Lee Diamond,
de Home of the Blues , Minit LP 0001.
Esta canción proviene de mi copia muy usada (bueno... más
bien desgastada) del LP recopilatorio de Minit titulado imprecisamente Home Of
the Blues , lanzado justo después de que Imperial comprara el sello de Nueva
Orleans, y que incluye otras canciones de Jessie Hill, Aaron Neville y Ernie
K-Doe. De su primer sencillo para Minit, "It Won't Be Me" de Diamond
es bastante estándar para el R&B de Nueva Orleans de la época, lo cual no
es malo en absoluto; pero simplemente no tiene un gancho fuerte como los éxitos
de la época que produjo Toussaint, "Mother-In-Law", "I Like It
Like That", "Ooh-Poo-Pah-Doo", por nombrar solo algunos. Aun
así, la alegre melodía con ritmo sincopado tiene un excelente piano
(probablemente Toussaint), metales potentes y una batería con ritmo sincopado,
seguramente cortesía de John Boudreaux , que sin duda podría incitar al baile.
La voz de Diamond aquí me recuerda a Eddie Bo , quien grababa muchos discos
para Ric en Nueva Orleans en ese entonces. En la otra cara, la balada relajada
"Please Don't Leave", también escrita por Diamond, el cantante se
adentró en el territorio de Little Willie John. Así que sospecho que las
similitudes vocales fueron un intento fallido de obtener ganancias comerciales
mediante la asociación. Me interesaría escuchar las otras dos caras de Diamond
para Minit, pero aún no las he encontrado ni en una recopilación ni en el
sencillo original de 45 rpm.
Poco después de los lanzamientos de Minit, Diamond tuvo la
oportunidad de grabar otro sencillo gracias a su colaboración con John
Marascalco, un hombre de Misisipi que se había mudado a Los Ángeles de joven y
que en 1956 entró en Specialty Records con algunas canciones que había escrito
y que se convirtieron en éxitos para Little Richard. Marascalco, que conocía a
Diamond y a los Upsetters de aquella época, se había dedicado desde entonces al
negocio de los sellos discográficos.
"Good Old Summertime" (Adaptación de Marascalco)
Lee Diamond con los Challengers, Lola 100, 196?
Los orígenes de este sencillo de 45 rpm no están claros.
Para empezar, las caras, una versión renovada de "Good Old
Summertime" (adaptada como una canción bailable y animada) y "Nothing
But A Playboy" en la cara B, aparecieron en dos sellos diferentes, Bourbon
Street #100 y Lola #100. Marascalco era dueño de Lola Records * , que parece
haber estado radicada en California, y también era copropietario de Infinity y
varios otros sellos pequeños; pero no tengo ninguna información sobre Bourbon
Street aparte de una breve discografía en R&B Indies, que muestra solo
otros dos lanzamientos además del de Diamond. Marascalco probablemente también
tuvo alguna conexión con ese sencillo; pero uno se pregunta por qué publicó el
mismo sencillo en diferentes sellos. Para confundir aún más las cosas, la
discografía de R&B Indies para Lola muestra tres sencillos diferentes en su
catálogo designados como #100, y algunos de sus otros números de edición
también se repiten. La fecha de este sencillo en la discografía es 1966; Pero,
según una tabla que R&B Indies proporciona en otro lugar, el número delta
utilizado por Monarch Pressing que está estampado en la cera muerta del disco
indica que es de julio de 1962. Como solía ocurrir en aquella época, las
etiquetas no tienen fecha.
Aunque creo que el sencillo se grabó en Nueva Orleans, es
solo una corazonada basada en varias cosas: el hecho de que Diamond estuviera
en la ciudad por esas fechas, el patrón de batería bastante complejo que a
veces suena como si pudiera ser de Hungry Williams, y el riff de trompeta en la
cara A que me recuerda a la forma de tocar de Melvin Lastie . Entonces, ¿los
Challengers acreditados aquí con Diamond eran un grupo real o apócrifo? Es
difícil decirlo; pero estoy bastante seguro de que no eran la banda con ese
nombre que grababa versiones instrumentales de éxitos a mediados de la década
de 1960. Supongo que este "grupo" era un nombre inventado para
algunos músicos de Nueva Orleans, tal vez para recordar la asociación de
Diamond con los Upsetters (?). ¿Alguna otra sugerencia?
Este disco es otro ejemplo de Diamond haciendo material
derivado, en este caso de Marascalco. La versión actualizada de "Good Old
Summertime" suena como si pudiera ser una cara B perdida de Freddie
Cannon, el rockero bostoniano que en ese momento tenía éxitos pop bastante
similares. Y "Nothing But A Playboy" parece un regreso a la época de
Little Richard. No está mal, pero ciertamente no es genial ni siquiera muy original.
Si bien la voz sobresaturada y grabada al rojo de Diamond era valiosa, este
sencillo fue un fracaso destinado al olvido comercial; y ahora, casi medio
siglo después, a veces se puede encontrar en las secciones de discos virtuales
de eBay.
En 1965, Diamond componía canciones con George Davis,
guitarrista de sesión, compositor y arreglista que recientemente había fundado
una productora, Par-Lo Enterprises, con otro músico de sesión, Alvin 'Red'
Tyler, y Warren Parker. Diamond le mostró a Davis una canción inacabada que
tenía, titulada "Tell It Like It Is", a la que aún le faltaba letra.
Davis pensó que era lo suficientemente prometedora como para incluirla junto
con otras canciones que habían compuesto juntos en un proyecto de grabación con
el cantante Aaron Neville . Como relata Jeff Hannusch en su libro The Soul of
New Orleans , Diamond fue encarcelado poco después y no pudo escribir la letra.
Así que Davis escribió algunas para terminar "Tell It Like It Is" ,
que Neville grabó poco después. Una interpretación clásica, la canción
sorprendentemente no encontró comprador cuando Par-Lo la ofreció a sellos
discográficos de Nueva Orleans y Nueva York. Esta indiferencia obligó a la
sociedad a lanzarla en su propio sello, Par-Lo, creado apresuradamente, junto
con otra canción de Davis-Diamond en la cara B, "Why Worry". Su fe en
"Tell It Like It Is" y en Neville pronto dio sus frutos, ya que el
disco empezó a sonar en la radio y a venderse en Nueva Orleans. Luego, se
extendió por todo el país, llegando a las listas de éxitos y alcanzando el
número 2 antes de terminar su carrera, con ventas de más de dos millones de
copias. Pero ese éxito repentino y extremo resultó ser la ruina de la sociedad,
su sello discográfico y el distribuidor local, Dover Records, propiedad de Cosimo
Matassa. Sin experiencia en el aspecto comercial de la venta de discos, Par-Lo
y Dover enviaron toneladas de sencillos a crédito para satisfacer la demanda,
pero no pudieron cobrar a sus clientes con la suficiente rapidez para cubrir
sus gastos, y quebraron. Como resultado, Aaron Neville nunca recibió las
regalías que le correspondían por las ventas. Probablemente, los únicos que
ganaron algo con el acuerdo fueron los compositores, Davis y Diamond, y su
editorial, quienes habrían recibido regalías por la difusión radiofónica, y es
posible que aún las reciban (sé que Davis sigue con nosotros y en plena forma).
Pero, independientemente de si recibió o no una amplia recompensa por sus
esfuerzos, su contribución a "Tell It Like It Is" fue sin duda el
mayor logro de Lee Diamond en la industria musical. Hannusch nunca explicó por
qué Diamond fue a la cárcel ni por cuánto tiempo. Sin embargo, sé que escribió
varias otras canciones a mediados de la década de 1960, dos de las cuales,
"I Caught You In A Lie" y "Yak Yak Yak", fueron grabadas
por Robert Parker en un par de sencillos para Nola Records después de su gran
éxito inicial de 1966, "Barefootin'". Como bien señaló Travis en la
sección de comentarios, el excelente sitio de Sir Shambling muestra a Diamond
como autor del primer sencillo de Marilyn Barbarin, "One Little
Word", en el sello Nola. También hay evidencia de que más tarde Diamond
hizo al menos un disco más, volviendo a colaborar con George Davis para
"Nobody But You" b/w "You Were Made For Me", acreditado
como George & Lee en el sello local International City alrededor de 1971
(¿alguien tiene una copia?).
Aunque le pierdo la pista después de eso, he descubierto a
través de un contacto que Lee Diamond falleció en 1981. Lo que sabemos de él,
solo a través de su asociación y conexión con algunos nombres y eventos
importantes en la historia de la música de Nueva Orleans, hace que la historia
de fondo de los discos y listados de sesiones que llevan su nombre sea
interesante. Debido a que se mantuvo activo durante los buenos y los malos
momentos de su negocio, dejó un pequeño y bonito legado que bien vale la pena recordar.
[Nota: Casi olvido agradecer a Andi Grabsch, quien el año
pasado me envió un comentario detallado en mi primera publicación de Lee
Diamond de 2004 (enlace arriba), sobre el sencillo y el sello Lola. No sabía
nada sobre ellos y comencé a investigar más a fondo gracias a su información.
Desde entonces, ha realizado una extensa investigación sobre Lola y otros
sellos relacionados con Marascalco, que se puede consultar en su sitio web .
Está en alemán, lo cual no supone un problema para algunos de ustedes; pero,
incluso si, como yo, no pueden leerlo todo, la discografía y los escaneos de
los sellos son informativos por sí solos.
Te agradezco el aviso, Andi. Gracias a ti, he descubierto un
poco más sobre Diamond y Lola Records. Quizás, ambas aprendamos aún más si hay
alguien más por ahí que tenga algunas piezas más del rompecabezas.
Pete Hoppula tiene una extensa discografía en línea de
Upsetters que definitivamente deberías consultar, ya que incluye recopilaciones
en CD de algunas de sus primeras grabaciones.
https://homeofthegroove.blogspot.com/2008/04/tracking-lee-diamond.html
‘’Hattie malatti’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo del screamer norteamericano procedente de Nueva Orleans Lee Diamond.
Incluido en la cara a de su single debut junto al tema Mama
Loochie.
Registrado en 1958 este salió a la calle de manos del sello
Vee Jay Records ese mismo año.
Wilbert Lee Smith Sr. que así es como realmente se llamaba
fue durante más de una década músico multiinstrumental de acompañamiento,
compositor y vocalista.
Poca es la información que hay acerca de este screamer.
Al principio de su carrera, trabajó con varios artistas
populares de R&B, incluyendo uno de los nombres más importantes del Rock and
roll de los 50.
A mediados de los 60, antes de desaparecer de la escena,
Diamond coescribió una de las canciones clásicas del Soul de Nueva Orleans.
Wilbert Smith fue batería en una sesión de Roy Brown en
Cincinnati en 1951.
Alrededor de 1954 encontramos a Smith tocando el saxo tenor
en la banda itinerante de Shirley & Lee,un dúo de cantantes adolescentes que
estaba teniendo mucho éxito.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer
single registrado en 1958.
Además de este cuenta con 4 singles más.
https://www.discogs.com/es/master/1559141-Lee-Diamond-Hattie-Malatti-Mama-Loochie
Puede que el término "Soul Survivor" esté
sobreutilizado, pero le sienta bien a Willie West, otro talentoso cantante y
compositor de la zona de Nueva Orleans que, a pesar de una larga y activa
carrera musical, nunca ha recibido el reconocimiento que merecía. El
protagonista de mi publicación anterior, el gran Eldridge Holmes, grabó discos
excepcionales con Allen Toussaint, pero nunca logró consolidar su carrera en la
industria musical. Por el contrario, West, contemporáneo y compañero de sello
de Holmes en Deesu a mediados de la década de 1960, cuenta actualmente con
medio siglo de trayectoria musical y, a sus 66 años, está más activo que nunca.
Nunca ha permitido que las decepciones profesionales, los problemas de salud o
el relativo anonimato para el público general mermen su capacidad y su afán por
entretener, y aún conserva la fe en que puede llegar a un público más amplio.
Aunque había leído el perfil de Jeff Hannusch sobre West en The Soul of New
Orleans , escuché sus primeros sencillos en las compilaciones de CD Tuff
City/Night Train (Best of Rustone) y Ace (Frisco Records Story) , y tenía
copias de algunos de sus trabajos con Toussaint, no fue hasta que escuché su
moderno y funky "Said To Myself" en el ahora descatalogado CD
Crescent City Funk de grapevine en 2002 que realmente me picó el gusanillo de
prestarle más atención. Eso me inspiró a buscar una copia del difícil de
encontrar sencillo de Warner Bros. producido por Allen Toussaint con "Said
To Myself" en la cara B. Me llevó un tiempo, pero conseguí el disco y
comencé a investigar más. Recordé que Larry Grogan había hecho una publicación
en Funky 16 Corners sobre la grabación de Josie de West de
"Fairchild" de Toussaint; Al releerlo, vi en los comentarios que el
propio West le había dejado a Larry una nota de agradecimiento con su dirección
de correo electrónico. Así que decidí intentar contactar con la fuente original
para obtener más información sobre él y las sesiones de grabación del sencillo
de Warner Bros. Después de intercambiar algunos correos, accedió amablemente a
hablar conmigo por teléfono hace unos meses desde su actual residencia en Saint
Cloud, Minnesota, donde él y su esposa se mudaron tras el huracán Katrina.
Terminamos hablando largo y tendido sobre muchos aspectos de su dilatada carrera
musical, y aun así no pudimos abarcarlo todo. Por lo tanto, la información que
he recopilado, que no proviene directamente de Willie West, se complementa con
lo que he aprendido de los escritos de Hannusch y las útiles notas de Michael
Hurtt para The Best of Rustone , entre otras fuentes.
West ha trabajado con algunos de los nombres más importantes
de la música popular de Nueva Orleans; y una visión general de su carrera
revela mucho sobre los entresijos, los altibajos, los éxitos y los fracasos del
negocio del entretenimiento y la grabación allí. Este es un artículo largo,
porque he recopilado mucha información. Tómelo poco a poco: estará disponible
indefinidamente y el audio estará activo durante un buen tiempo. Espero que lo
encuentre gratificante. También se incluye una discografía en vinilo de West al
final de este artículo. LA
Nacido y criado a poco más de una hora en coche al sur y al
oeste de Nueva Orleans, en la comunidad rural de Raceland, Luisiana, Millard
Leon (también conocido como Willie) West llegó a la adolescencia a mediados de
la década de 1950, cuando la cercana gran ciudad estaba teniendo su máximo
impacto en la música popular estadounidense; y había toneladas de discos
clásicos de R&B, blues y rock 'n' roll de los primeros tiempos en las ondas
de radio AM, las máquinas de discos y los tocadiscos domésticos. Dotado de una
voz agradable y versátil y con ganas de actuar, a los 15 años West era el
vocalista principal de los Sharks, una banda que formó con su primo guitarrista
y otros dos amigos del instituto. Tocaban éxitos de la época de artistas como
Elvis Presley, Eddie Bo, B.B. King y Elmore James en clubes tanto para blancos
como para negros de la zona. Cuando podía, West empezó a frecuentar el famoso
club Sugar Bowl del promotor Hosea Hill en Thibodaux, Luisiana, que solía
presentar a artistas de R&B y blues de renombre nacional. West era
demasiado joven para entrar, pero a veces los observaba desde las ventanas.
Allí tuvo la oportunidad de ver y/o conocer a artistas como Ray Charles, Sam
Cooke, Chuck Willis, Bobby Bland, Junior Parker y el popular showman de blues
Guitar Slim (Eddie Jones), cuyo lugar de actuación habitual era el Sugar Bowl.
El compañero y protegido de Slim, James 'Thunderbird' Davis, se hizo amigo de
West, le enseñó blues y le dio valiosos consejos sobre cómo actuar. Cuando Guitar
Slim falleció durante una gira en Nueva York en 1959, los Sharks incluso
acompañaron a Davis en algunos conciertos en clubes cuando regresó a Luisiana.
Por esa misma época, West fue reclutado por un nuevo sello,
Rustone, con sede en Houma, Luisiana, propiedad de otra promotora, Dorothy Lee,
junto con sus socios Tony Conino y Lee Delcambre. Grabando como Little Willie
West, su debut, que también fue el primer lanzamiento de Rustone, fue grabado
en el concurrido estudio de Cosimo Matassa en Nueva Orleans y respaldado por
los Sharks. Cuando no logró captar la atención, la Sra. Lee optó por la balada
soul de West, "Did You Have Fun", y promocionó el disco apostando una
botella de whisky escocés a dos disc jockeys de WXOK en Baton Rouge a que no lograrían
convertirla en un éxito. Aceptando el reto, pusieron "Did You Have
Fun" tantas veces durante los meses siguientes que se convirtió en el
número uno de la emisora. Como resultado, las emisoras de Nueva Orleans la
añadieron a su programación; y la canción también comenzó a hacerse popular
allí. Eso atrajo a Chess Records, que estaba activa en la ciudad en ese
momento, representada por el director artístico y productor Paul Gayten; y
reeditaron "Did You Have Fun" a nivel nacional en su sello Checker.
Pero, parece que la compañía no continuó con la estrategia promocional de
Dorothy Lee; y la canción nunca trascendió más allá de la región.
Alrededor de 1961, West grabó un sencillo más para Rustone,
que no tuvo éxito, porque el sello no había logrado que sus discos se
reprodujeran en la radio; y para 1962, Rustone había cerrado. Así que West se
mudó a Nueva Orleans para buscar trabajo, y pronto consiguió trabajos cantando
con grupos populares como Edgar Blanchard and the Gondoliers, Oliver and the
Rockettes y Deacon John and the Ivories. En el camino, conoció al trompetista
Warren 'Porgy' Jones, quien trabajaba en el departamento de A&R de un nuevo
sello local, Frisco Records, que, al igual que Rustone, estaba dirigido por una
mujer, en este caso, Connie LaRocca, originaria de San Francisco. Jones se
convirtió en el mánager de West, consiguió que firmara con el sello y produjo
sus dos primeros lanzamientos con Frisco en 1963. Eran canciones pop mediocres
con arreglos bastante flojos que la potente voz de West no pudo salvar y que
Frisco no logró vender. Así que se contrató a Wardell Quezergue para producir
el siguiente sencillo, "Don't Be Ashamed To Cry" con "Am I The
Fool" en la cara B, en el que el cantante aparecía como Lil Willie West
(nombre que usaba en el escenario), con ambas canciones escritas por Al Reed.
"Don't Be Ashamed To Cry" (Al Reed) Lil Willie West, Frisco 111, 1964.
A pesar de cierta distorsión de audio en los surcos de este
45 bautizado como Katrina, la calidad de la voz de West brilla, gracias al
arreglo de Quezergue, bien ejecutado y conmovedor. Este es el mejor de los
primeros temas del cantante y debería haber sido su boleto a cosas más grandes;
pero, incluso con canciones y producción de mayor clase, el sencillo no tuvo
mejor suerte comercial que sus otros lanzamientos de Fricso y fue el último de
West para el sello. El cantante Danny White era el foco principal de Frisco; y
West siente con razón que White a menudo recibía el mejor material, arreglos y
promoción. No es que ayudara mucho. Aunque era un cantante local popular, la
carrera discográfica de White se negó a florecer; y LaRocca, sin fuertes ventas
y enfrentando crecientes problemas de distribución, cesó la operación de Frisco
en 1966.
Mientras tanto, su falta de un disco de éxito no impidió que
West trabajara regularmente como artista en la ciudad. No era un simple
cantante de pie y cantando, trabajaba en todo el escenario; Con sus ágiles
movimientos de baile y una voz versátil y expresiva, tenía fama de entusiasmar
al público. Mientras estaba con Frisco, conoció por casualidad a Allen
Toussaint en el estudio de Cosimo y descubrió que Toussaint conocía su trabajo.
Poco después de la desaparición de Frisco, Toussaint convenció a su socio,
Marshall Sehorn, para que fichara al cantante para el recién formado sello
Deesu, parte de su productora Tou-Sea. Incorporado al catálogo en 1966, West
continuaría trabajando en varios proyectos producidos por Toussaint durante la
mayor parte de la década siguiente. En mi opinión, el sencillo debut de Willie
West en Deesu, "Hello Mama" b/w "Greatest Love", no fue la
mejor manera de presentarse. Lo que le dieron para trabajar fueron dos temas
que ya habían sido grabados por Toussaint y el principal productor de éxitos de
Sehorn, Lee Dorsey. Las dos composiciones de Toussaint habían aparecido en el
LP de Dorsey de 1965, " Ride Your Pony - Get Out My Life, Woman", del
sello Amy. Como no habían aparecido antes en sencillos, supongo que los
productores pensaron que las canciones eran aptas para ser reutilizadas; así
que grabaron la voz de West sobre las pistas instrumentales ya usadas. El
resultado no fue malo; pero el material no era lo mejor de Toussaint; y, al
haber sido escritas para el registro limitado de Dorsey, las melodías no le
ofrecieron a West mucho con lo que trabajar. "Hello Mama" (A,
Toussaint) Willie West, Deesu 306, 1966.
He incluido "Hello Mama" como ejemplo. Lamento que
mi copia, casi impecable, tenga un defecto de prensado que hace que el sonido
sea algo borroso. Pero, es lo suficientemente bueno como para escuchar lo que
estaba pasando. Musicalmente, lo mejor de la cara para mí es el trabajo de
piano de Toussaint, inspirado en Professor Longhair, en la introducción y a lo
largo de gran parte de la canción. Por lo demás, es una canción común y
corriente (para Toussaint) que no hizo que casi nadie se fijara en Willie West.
Los versos hablados y efectistas durante los breakdowns no funcionaron del todo
en la versión de Dorsey; y West tampoco pudo hacer que sonaran menos flojos;
pero, aun así, trabajar con el productor/arreglista/compositor más popular de
la ciudad era prometedor. "Did You Have Fun" (W. West/D. Lee/L. Delcambre)
Willie West, Deesu 314, 1966 Toussaint le dio a West la oportunidad de brillar
en su siguiente sencillo, que incluía una nueva versión de su éxito anterior de
Rustone, "Did You Have Fun". El nuevo arreglo del productor creó un
entorno perfecto para la emotiva voz de West. Como todos saben, soy
principalmente un buscador de ritmos; pero la impecable interpretación soul
profunda de West, junto con el elegante apoyo musical y los sutiles toques que
Toussaint aportó a esta canción, son tan geniales que tenía que incluirla. Esta
versión de la canción definitivamente puede considerarse uno de los puntos
culminantes de la carrera discográfica de West y debería haberle reportado un
éxito más importante. Pero, de nuevo, solo obtuvo atención local, porque la
industria musical se interpuso. Deesu fue distribuido por Dover Records, del
dueño del estudio Cosimo Matassa, que prensó y envió los discos a lo largo de
la cadena de distribución. En ese momento, la operación estaba sobreendeudada y
bajo investigación del IRS, lo que dificultaba su capacidad para lanzar discos.
Poco después, la situación se complicó aún más cuando el IRS confiscó el equipo
de grabación y prensado, el inventario y las cintas maestras de Matassa por
impuestos impagos. Se declaró en bancarrota; y los numerosos sellos pequeños,
incluido Deesu, que dependían de Dover para la promoción y venta de sus
productos, también cerraron sus puertas, muchos de los cuales nunca se
recuperaron. Fue, sin duda, un revés monumental para la escena musical
independiente de la ciudad y para los artistas emergentes cuyo talento
representaba, incluidos los de Deesu —West, Eldridge Holmes, Warren Lee y
Maurice Williams, entre otros—, cuyos discos cayeron en el olvido.
Toussaint y Sehorn tuvieron más suerte que la mayoría en el
desastre de Dover, porque su principal fuente de ingresos, Lee Dorsey, estaba
en Amy, un sello nacional alejado de los problemas locales de Nueva Orleans.
Así, contaron con los recursos para reagruparse y continuar, renombrando su
compañía productora como Sansu alrededor de 1968. Los socios contrataron a Art
Neville y los Neville Sounds, que pronto se llamarían The Meters, como su banda
residente, crearon el sello Sansu, restablecieron Deesu y firmaron nuevos
acuerdos con sellos más grandes para acceder a los mercados nacionales. Por
alguna razón, quizás por la gran cantidad de cosas que tenían entre manos, a
Sansu le costó un tiempo reincorporar a Willie West a la lista de músicos de
grabación. Mientras tanto, él actuaba con uno de los grupos más populares de
Nueva Orleans en ese momento, la banda de Funk-rock psicodélico de Deacon John,
Electric Soul Train.
Para 1969, los Meters ya tenían éxitos por derecho propio,
con Toussaint y Sehorn colocando sus sencillos y álbumes con Josie Records, una
discográfica de distribución nacional. Cuando Toussaint comenzó a trabajar ese
año en dos de sus propias canciones, "Fairchild" y "I Sleep With
The Blues" para el siguiente proyecto de sencillo de West, los Meters
habrían estado en las sesiones. West no está del todo seguro, porque las pistas
se grabaron antes de que él fuera contratado para grabar sus voces; pero está
seguro de que Leo Nocentelli estaba tocando la guitarra. Durante ese período,
Toussaint estaba en una etapa de afición por la guitarra acústica. El instrumento
apareció en algunas de sus propias grabaciones, en varias de las últimas pistas
de Deesu de Eldridge Holmes (que definitivamente contaron con el acompañamiento
de los Meters), en las caras de West y en las sesiones de Yes We Can de Lee
Dorsey . Reproducción errónea de Rhino "Fairchild" (Allen Toussaint)
"I Sleep with the Blues" (Allen Toussaint) Willie West, Josie 1019,
1970 Nunca al haber conseguido la rara versión original de este disco [¡esto ha
cambiado, ver actualización más abajo!], que normalmente solo se ve en formato
promocional/DJ, mi copia se suponía que era una reproducción que se hizo para
la caja de sencillos de edición limitada de Rhino What It Is!. La mezcla en la
reedición es también la que se escucha en su set de CD y en al menos una o dos
compilaciones de CD más. Desafortunadamente, como he aprendido con la ayuda de
otros coleccionistas, todas las reediciones están mal. Lo descubrí por primera
vez cuando escuché el audio de una copia original de DJ que Larry Grogan había
encontrado y publicado en su excelente sitio Funky 16 Corners. Era una mezcla
decididamente diferente, más cruda y directa con una sección de metales
completa tocando en algunos arreglos muy activos. La versión reeditada no tiene
instrumentos de viento y presenta una mezcla mucho más sutil, como explicaré
más adelante.
Durante mucho tiempo, pensé que la copia para DJ podría ser
una aberración de algún tipo. Varios comentaristas habituales y yo buscamos una
copia estándar durante mucho tiempo para compararla, pero no encontramos nada.
Finalmente, nada menos que el extraordinario coleccionista/DJ, Mr. Fine Wine,
de WFMU y más allá, se puso en contacto conmigo el otro día [2013] para
informarme de que había escuchado ambas; y las copias estándar y para DJ son
musicalmente idénticas entre sí. Puedes escuchar el audio de una copia
promocional de "Fairchild" publicada por otro DJ de WFMU, Brett
Koshkin, en su blog . Y, por cierto, puedes ver en la foto de esa publicación
[y en mi actualización de 2015] que Rhino también se equivocó con el diseño de
la etiqueta.
El año pasado encontré una copia estándar casi nueva en una
subasta y, afortunadamente, la gané con una puja que no pensé que fuera ni de
lejos lo que vale. Para fotos, descripción adicional y audio, consulte mi
publicación actual .]
Por lo tanto, puedo concluir que los reeditores han estado
perpetuando un error durante años. No sé en qué punto de la cadena de eventos
obtuvieron la mezcla incompleta que han estado utilizando. Alguien que no
estaba familiarizado con el original tal vez simplemente escogió la versión
equivocada en la cinta. O tal vez la toma maestra original se perdió con los
años, y lo que usaron fue todo lo que encontraron, probablemente porque quienes
trabajaban en los proyectos de reedición parecen no haber sabido que lo que
tenían no era la mezcla original de 45. .
El arreglo de Toussaint en mi "Fairchild" de una
copia de un universo alternativo suena austero, apagado e inacabado en
comparación con el original. Para las pistas básicas usó al menos un par de
partes de guitarra acústica (los solos probablemente sobregrabados), bajo,
batería y solo un toque de órgano en lo que era esencialmente una canción de un
solo acorde construida con varios riffs repetitivos, otra estrategia frecuente
de Toussaint en ese momento. En esta mezcla, nada resultó exagerado, lo que le
otorgó a la canción una sensación directa e íntima que realzó la emotiva voz de
West. En contraste, los instrumentos de viento añadidos a la mezcla original
del sencillo a veces compiten con la voz de Willie; pero la versión final de la
canción es una declaración mucho más contundente. [Willie me comentó después
que cantó en la canción antes de que se añadieran los instrumentos de viento.
No escuchó el resultado final hasta que le envié una copia.]
Ni de lejos tan melódica como "Did You Have Fun",
esta canción requería que el cantante la interpretara con más convicción y el
atractivo inmediato de su voz; y no defraudó. Tengo la impresión de que todos
los miembros de The Meters probablemente estaban presentes en las grabaciones,
pero simplemente interpretaban las partes asignadas. Recordemos que Toussaint
solía tener arreglos muy estrictos para ciertas canciones y esperaba que se
siguieran al pie de la letra. Así que, es probable que Zig Modeliste esté
tocando la batería aquí, pero no con su característico estilo libre y
fragmentado. Siendo un baterista intrínsecamente creativo, seguramente se
sentía incómodo con las restricciones de mantenerlo simple y tocar solo los
ritmos prescritos, y finalmente dejó de participar en la mayoría de las
sesiones que no eran de The Meters para Toussaint. Pero en esta, escuchamos a
la banda tocar el arreglo tal como se les dio, puro y simple, dejando el camino
libre para lo mejor de West.
La cara B, "I Sleep With The Blues", en realidad
no era un blues, sino más bien una balada pop convencional de ritmo medio,
agradable, pero no demasiado sustancial. Basada en un simple cambio de dos
acordes, tenía la misma instrumentación que "Fairchild", con el
órgano tocando acordes bajo las guitarras acústicas. West hizo un buen trabajo
con la sencilla melodía que le dieron. La única característica distintiva de
esta canción de Toussaint, rara vez escuchada, era el ritmo constante del
tom-tom de Zig, que suena claramente a música nativa americana. No estoy seguro
de qué pretendía el productor. También cabe destacar que, dado que la cara A
reeditada difería sustancialmente del sencillo de 45 rpm, parece no haber
diferencia entre la versión original y la de Rhino de esta canción. ¡Quién lo
diría!
Toussaint y Sehorn colocaron el disco con Josie; y salió
probablemente a principios de 1970. Estoy seguro de que esperaban aprovechar el
éxito de The Meters en el sello; pero, una vez más, West no lo consiguió.
"Fairchild" no recibió ningún impulso, ya que el sello también estaba
en una espiral descendente de dificultades internas y dejaría de existir en
aproximadamente un año, cuando se vendió su empresa matriz. Simplemente no pudo
encontrar una compañía solvente.
Después de que su único sencillo de Josie cayera casi en el
olvido, la carrera discográfica en solitario de West entró en pausa durante
varios años más, probablemente debido a todo lo que estaba sucediendo con Sansu.
Toussaint y Sehorn estaban concentrados en conseguir un contrato para Lee
Dorsey con Polydor, lo que dio como resultado el clásico Yes We Can.
LP, y grabando otros proyectos respaldados por The Meters en
Ernie K-Doe y Earl King. En ese momento, Toussaint también comenzó a producir
álbumes para artistas externos como Lou Johnson y Mylon LeFevre. Por supuesto,
los socios seguían muy involucrados en la carrera de The Meters también. Tras
la muerte de Josie, ofrecieron a la banda y al propio Toussaint a Warner Bros.,
que firmó con ambos, lo que permitió a Toussaint comenzar la producción de LPs
para él y The Meters que aparecerían en 1972. Con Sansu Enterprises
convirtiéndose en una poderosa compañía de producción, los socios decidieron
construir su propio estudio de grabación en Nueva Orleans; y, para 1973,
Sea-Saint Studio estaba abierto y en pleno funcionamiento con proyectos propios
y más producciones de LPs para artistas nacionales.
"Tema de Black Samson" (Allen Toussaint)
(Agradecimiento especial a Gordon Fisher por descubrir
esto).
Por esa época, Warner Bros. se puso en contacto con
Toussaint para que compusiera la banda sonora de una de las películas de
blaxploitation de bajo presupuesto dirigidas al público afroamericano urbano de
la época, Black Samson ("El amigo de cada hermano. El enemigo de cada
madre"). Reclutó al menos a algunos de los Meters para grabar los ritmos
funky y a Willie West para aportar las voces conmovedoras. No estoy del todo
convencido de que cuando la película se estrenó en 1974, el nombre de Toussaint
aparecía en los créditos, pero no se mencionaba a la banda ni al cantante. West
me contó que él y los miembros de los Meters se sintieron ofendidos por esto y
contactaron con el periódico local para anunciar que habían compuesto la banda
sonora. Sin embargo, no hacía falta que se molestaran, ya que la película fue
un fracaso y desapareció en un abrir y cerrar de ojos. Tan rápido, que no creo
que la banda sonora se haya publicado nunca en LP, o, más apropiadamente, en
cinta de 8 pistas. Mi fuente de este audio, Gordon, me dice que, de todos
modos, solo hay un par de canciones completas en la película. Todavía no la he
visto; aunque el tráiler en YouTube probablemente tenga todos los puntos
fuertes (¡¿Un león en un bar?! Además de muchos choques de coches, malas
actuaciones y una lluvia de muebles y electrodomésticos), pero solo una pizca
de la música.
A mediados de la década de 1970, West recibió luz verde para
otra grabación con Toussaint y comenzó una colaboración de composición con un
músico de sesión frecuente de Sea-Saint, el guitarrista Teddy Royal
West escribió las
letras y Royal compuso la música. Sin embargo, en lugar de figurar como
coautores, acordaron obtener el crédito completo en un par de canciones cada
uno, varias de las cuales se utilizaron en el siguiente proyecto de West para
Sansu. Toussaint produjo y arregló las sesiones, utilizando nuevamente a los
Meters, excepto a Zig, quien fue reemplazado por Herman Ernest, otro de los
habituales del estudio Sea-Saint. De las sesiones surgió un único sencillo,
"It's Been So Long" con "Said To Myself" en la cara B, que
se lanzó en un sello discográfico prometedoramente estable, Warner Bros., en
1975. West recuerda que otra de sus canciones, "Chasing Rainbows",
escrita con Royal, también se grabó y se programó para su lanzamiento; pero no
he encontrado ninguna evidencia de que WB la haya publicado alguna vez. Unos
años más tarde, sin embargo, Johnny Adams grabaría una versión efectiva de la
canción (Teddy Royal obtuvo el crédito de composición), que apareció en su LP
de Ariola de 1978, After All The Good Is Gone , y también en 45. En ese álbum
se incluyó la propia e impresionante versión de Adams de "It's Been So
Long", con un gran arreglo orquestal de Wardell Quezergue. "It's Been
So Long" (Millard Leon West) Willie West, Warner Bros. 8087, 1975 Warner
Bros. lanzó por primera vez una copia de DJ de doble cara de "It's Been So
Long" de West. Pero, en mi opinión, la copia comercial más difícil de
encontrar es la que hay que tener debido a "Said To Myself" en la
cara B. Esta cara superior era un tema soul-pop de ritmo rápido con un claro
toque de rock sureño, gracias a los cambios de acordes de Royal y los riffs
extendidos de Nocentelli. Los compositores y productores parecen haber apuntado
al mercado crossover masivo con este tema. Pero, una vez más, las cosas no
salieron como esperábamos, a pesar de otra sólida actuación de West. Para
entonces, Toussaint se había convertido en un compositor y productor muy
exitoso y solicitado, que prácticamente había abandonado el formato de
sencillos de 45 rpm para centrarse en los álbumes. Obviamente, seguía creyendo
en el talento de West, y aceptó este proyecto para darle al cantante otra
oportunidad; pero, por alguna razón, Warner Bros. no cumplió su parte del
trato. Aunque un representante del sello le dijo a West que el sencillo se
había enviado a emisoras de radio de todo el país, el cantante investigó y no
encontró ningún DJ que lo conociera. Todavía se percibe un dejo de amargura
cuando relata la historia. Fue, sin duda, un final desafortunado. "Said to
Myself" (Millard Leon West).
Ojalá algunos DJs hubieran podido hacerse con el disco y
darle la vuelta, porque "Said To Myself" muestra innegablemente las
credenciales soul esenciales de Willie West: la capacidad de expresar
significado dentro de las letras y evocar la emoción en el corazón de la
canción con una voz que recompensa las repetidas escuchas. El arreglo económico
y despejado de Toussaint, que se balancea con contrapuntos polirrítmicos,
realza a West a la perfección, permitiendo al cantante recorrer la dinámica de
la canción con facilidad y gracia. Aunque relegado a una humilde cara B, esta
es una interpretación para recordar: su último acto artístico en vinilo en un
mundo discográfico despiadado y sin alma.
Con escasas perspectivas de grabación, West continuó
tocando, uniéndose a otra banda local,los Renegades, en 1976, que tenía a los
hermanos Aaron y Charles Neville como miembros. También trabajó en solitario en
programas dobles y triples en clubes como el Prout's Alhambra, donde era
contratado con otros cantantes populares, como Johnny Adams o Aaron Neville, o
ambos. Su intensa presencia escénica, junto con su selección de material,
siempre conquistaba al público. Entonces, de repente, un día, se unió a los
Meters. La etapa de Willie West con los Meters no es muy conocida, ya que los
hechos no aparecen en las historias "oficiales" de la banda que he
consultado, incluida la autobiografía colectiva de los Neville Brothers; pero
George Porter, Jr. ha reconocido públicamente que West fue miembro de la banda.
Tras la polémica salida de Art y Cyril Neville justo cuando salió el álbum New
Directions en 1977, los Meters se reagruparon e intentaron continuar. West fue
reclutado de inmediato y comenzó a cantar con ellos tanto de gira como en casa.
Según me contó:Zig y Leo me pidieron que me uniera a los Meters cuando Art y
Cyril ya habían dejado el grupo... justo antes de que los Meters actuaran en
Saturday Night Live[un popular programa de televisión estadounidense en NBC].De
hecho, dejaron a la banda en pausa justo antes del programa, y Leo, Zig y
George tuvieron que buscar a toda prisa un teclista.David Batiste, el teclista
de los Batiste Brothers, actuó en SNL con ellos. Me uní justo después de la
grabación de SNL. Usaron a David por un corto tiempo. Art regresó por un corto
tiempo. Luego tuvieron[otra]pelea, y Art se fue definitivamente. Los Meters
entonces usaron a Fred Riley[?]; y después de Fred estuvo Craig Wroten. Después
de Craig, contrataron a David Torkanowskiy y salieron de gira con Dr. John. Me
mantuvieron con sueldo por un tiempo, pero dejaron de pagarme. Así que, cuando
regresaron de la gira con Dr. John, yo ya me había ido...
Obviamente, la banda
tuvo dificultades para mantener cubierto el puesto de teclista; y, aunque
tocaron en algunos conciertos en la Costa Este y continuaron actuando
localmente en clubes como Tipitina's, Jed's, Rosie's y Kingfish en Baton Rouge,
la banda se desmoronó casi definitivamente al cabo de un año, después de la
gira de Dr. John. Cuando estaba con el grupo, West no solo se encargaba
hábilmente de las voces en algunas de las canciones originales de la banda,
sino que también les ayudaba a conectar con públicos desconocidos. Tocamos en
Nueva York en un festival al aire libre. Era la primera vez que iba con ellos.
Estaban tocando su canción, "Cissy Strut", y al público no le
gustaba. La primera banda los había animado; pero [los Meters] ... llevaban
unos 20 minutos tocando y la gente solo los miraba. Le dije a Leo: "No
puedes seguir tocando tu música, tío. ¿No te das cuenta de que no les
gusta?". Le dije que empezara con "It's Your Thing" de los Isley
Brothers, y empecé a cantar. Luego pasamos a James Brown... La gente se volvió
loca. Luego metimos "Hey Pockey Way" y "Fire On the Bayou"
y la banda se dio cuenta de lo que tenían que hacer... Tocamos un concierto en
Boston abriendo para Elvin Bishop. Se suponía que serían tres noches. Y cuando
salimos la primera noche... teníamos a todos esos chicos bailando y gritando; y
para cuando Elvin Bishop tuvo que salir después de nosotros, estaban perdidos.
¿Sabes? Cancelaron sus dos noches siguientes. Les pusimos tanto fuego. Yo
corría por el escenario como Mick Jagger.
Por ahí... "No More Okey Doke" (A. Neville-C.
Neville-G. Porter, Jr.-J. Modeliste-L. Nocentelli) The Meters, con Willie West,
en vivo en el Showboat Lounge, 25 de julio de 1977 Bueno, no tenemos video;
pero para alguna evidencia de audio directa, aquí está el Sr. West con los
Meters post-Neville, incluyendo un tecladista no identificado y un MC loco, en
el Showboat Lounge en Metairie, LA, el verano de 1977. El concierto fue
transmitido por WNOE en Nueva Orleans en ese momento, y es uno de varios que
los Meters hicieron desde el Showboat que andan circulando. El pasado
diciembre, presenté una selección de un concierto anterior de ese año, cuando
Art y Cyril todavía estaban a bordo. Pero, este es el único set que he
encontrado de West con los Meters, o, como Zigaboo ya los llamaba, los Funky
Meters.
Aunque el audio dista mucho de ser ideal, esta canción y un
puñado de otras de esa noche muestran que la banda todavía estaba en plena
forma y con mucho ritmo, incluso con George, un auténtico MONSTRUO del bajo,
intentando entrar en el estribillo un par de compases antes al final; después
de todo, era una canción nueva en aquel entonces. A pesar de ser una
incorporación reciente, Willie demuestra que podía cantar a pleno pulmón y
mantenerse a la altura de los grandes. Mi esposa vio una formación similar de
los Meters con West en 1977 en el club Cahoots de Baton Rouge y puede dar fe
del estilo extravagante del cantante. Iba vestido con su atuendo de vaquero
soul: sombrero, cinturón grande y botas, todo en negro y plata, y realmente se
ganó al público, como ella recuerda (por alguna razón, no tomó notas). Por
supuesto, ella y probablemente el resto del público estaban confundidos sobre
quién era ese salvaje Willie West, ya que no aparecía en ninguno de los
álbumes; y el funcionamiento interno y las disfunciones de la banda no eran de
dominio público en ese momento. Aun así, nada de eso importaba en el ambiente
festivo y animado que generaban. Qué lástima, qué triste, que no pudiera haber
durado más, ya que, como relata Willie, también hubo grabaciones de estudio:
grabé ocho o nueve canciones con George, Leo y Zig. Art puede que haya tocado
en algunas; no estoy seguro... Eran todas canciones nuevas, pero nunca se
publicaron... No sé qué pasó con el álbum que hice con ellos. Se separaron poco
después; y nunca se lanzó. Les he preguntado a Zig y a Leo si tienen copias, y
nadie admite saber nada de su paradero. Decepcionante. ¡
Por decir lo menos! Por supuesto, cuando los Meters
aceptaron el dinero para reformarse (NO reformarse), en 2005 y 2006, se
limitaron a los cuatro originales en conflicto. Ni siquiera se mencionó a Cyril
o Willie. Se entiende por qué no querían que esas sesiones con West salieran a
la luz. Los pagos se mantuvieron estrictamente entre los cuatro. Si hubieran
podido mantenerse juntos más tiempo, tal vez habrían traído de vuelta a los
otros vocalistas e incluso resucitado el material inédito; quién sabe.
Sobre "No More Okey Doke". Resulta doblemente
irónico escuchar a West cantando esta canción que apareció en New Directions y
que fue coescrita por toda la banda en ese momento, incluyendo a Cyril, quien
grabó la voz. Si escuchas la letra, trata sobre traición, ruptura y cambio. Sin
duda, no fue casualidad que fuera el primer tema del álbum de una banda sumida
en una profunda crisis la mayor parte del tiempo. El siguiente tema tenía a Art
cantando "I'm Gone". Anunciando nuevas direcciones, sin duda. Pero la
canción ha cobrado nueva vida y significado después del huracán Katrina y las
inundaciones federales en Nueva Orleans. Ivan Neville y Dumpstaphunk comenzaron
a incluirla en sus sets intensamente funky, convirtiéndola en un himno para una
ciudad desafiante que realmente nunca volverá a ser la misma.
Tras ser despedido de facto por los Meters, West volvió a
cantar por la ciudad. Se unió a los Uptown Rulers, una gran agrupación de
cantantes y músicos de funk liderada por su amigo Bobby Love (también conocido
como Robert McLaughlin), con quien había tocado en las bandas de Deacon John,
los Ivories y el Electric Soul Train. Aaron y Charles Neville también formaron
parte de los Uptown Rulers durante un tiempo, pero pronto se marcharon para unirse
a Art y Cyril y formar la Neville Brothers Band. La banda UR se disolvió al
cabo de un par de años y, a partir de ahí, West se trasladó a la bulliciosa
Bourbon Street, donde el trabajo abundaba, aunque no era muy inspirador, y fue
un habitual allí durante casi 20 años.
Hace unos doce años, dejó el Mall of Debauchery, pero siguió
actuando en otros lugares dentro y fuera de la ciudad. Volvió a colaborar con
Bobby Love, quien produjo y tocó en el primer CD de West, From West With Love ,
en 1999. Le siguió en 2000 When Love Ain't There , producido por Carl Marshall.
Su CD más reciente, When You Tie The Knot , salió en 2002. Todos presentan la
emotiva interpretación de West de diversos temas de R&B y blues, incluyendo
sus propias composiciones originales.
Mientras que muchos de sus contemporáneos han fallecido o se
han visto obligados a dejar los escenarios por enfermedad, West se considera
afortunado de seguir actuando. Agradece a su esposa por animarlo a mantenerse
sano y hacerse chequeos médicos regulares; tuvo la fortuna de que una prueba de
detección rutinaria detectara las primeras etapas del cáncer de próstata, lo
que permitió tratarlo y curarlo, haciendo que su condición de superviviente sea
aún más apropiada.
Tras el huracán Katrina, los West decidieron probar suerte
en otro lugar; y, desde que se mudaron a Saint Cloud, cerca de Minneapolis,
hace un par de años, la carrera de Willie se ha revitalizado. Formó una banda,
les enseñó su estilo de soul y blues, y empezó a trabajar en el Dakota Jazz Club
y otros locales de la zona, donde encontró más respeto y conciertos mejor
pagados que los que ofrecía Nueva Orleans. Recientemente, tiene varios
proyectos de CD en marcha. Mantiene una agenda muy activa , como se puede ver
en su página de MySpace . [ Actualización 2011: Willie ha grabado dos sencillos
de 45 rpm publicados en el mercado europeo por Timmion Records (ver discografía
y fotos de las portadas a continuación), y actuó en el Ponderosa Stomp de Nueva
Orleans en 2010. Su primer concierto en Nueva York tendrá lugar en Brooklyn el
26 de febrero de 2011. ]
Considerando su trayectoria y su ascenso en la industria
musical, West se ve a sí mismo, con razón, como un artista auténtico,
profundamente arraigado en el soul y el blues, géneros que aprendió de los
grandes maestros. Y, a pesar de todo lo que ha vivido a lo largo de los años,
tanto los éxitos como los fracasos, sigue adelante, cantando a la altura de las
circunstancias y conectando con su público, sin haber perdido jamás la pasión,
la determinación ni el potencial para labrarse un nombre aún mayor en la
música. Se lo ha ganado con creces; y si alguien merece un mayor éxito, ese es
Willie West.
Al preguntarle si tenía unas palabras finales para mis
lectores, me regaló una de sus frases favoritas de películas: "¡Díganles
que vengo, y que traigo el infierno conmigo!".
https://homeofthegroove.blogspot.com/search?q=willie+white
Continuamos con el siguiente bloque del programa de esta noche para lo que ponemos rumbo al sureste de los Estados Unidos.
Nos situamos en Louisana,concretamente desde Nueva Orleans
nos llega nuestro siguiente screamer de la noche,este lleva por nombre Willie
West.
Millard Leon West,que así es como realmente se llama es un
cantante y músico de Soul/R&B nacido en 1941 y criado en las afueras de
Nueva Orleans.
Dotado de una voz agradable y adaptable,a los 15 años West
era el vocalista principal de los Sharks, una banda que formó con su primo
guitarrista y otros dos amigos del instituto.
West empezó a frecuentar el famoso club Sugar Bowl que
presentaba regularmente artistas de R&B y Blues de renombre nacional.
Allí pudo ver y conocer a artistas como Ray Charles, Sam
Cooke, Bobby Bland, Junior Parker y el popular showman de Blues Guitar Slim.
El socio de Slim, James "Thunderbird" Davis, se
hizo amigo de West, le enseñó blues y le dio valiosos consejos de interpretación
de vez en cuando.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer
single registrado en 1960.
Además de este cuenta con:5 Álbumes de estudio y nada menos
que 21 singles varios de ellos con The
Hi Society Bros y The Soul investigators.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su tercer
single.
Registrado en 1963 este fue publicado de manos del sello
Frisco Records, Inc ese mismo año.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’You told me’’.
https://www.discogs.com/es/release/4566726-Willie-West-You-Told-Me-I-Need-Your-Love-Baby
Otis Riley fue un cantante estadounidense pionero del rock
and roll y el rhythm and blues (R&B) que grabó sencillos poco comunes y muy
cotizados entre coleccionistas a mediados de la década de 1950 y principios de
la de 1960. Dado que la información sobre su vida personal y su banda de
acompañamiento es extremadamente escasa, es conocido principalmente entre los
coleccionistas de discos gracias a sus lanzamientos originales en formato de 45
rpm.
Kappa Records:Su lanzamiento inicial más destacado fue el
sencillo que incluía «Sure Look Good to Me» y «Rock and Roll Riley», publicado
originalmente hacia 1956. Sphinx Records / Wheatco Music: También grabó el
sencillo «The Zebra» / «Goodbye Love». Otros temas: Es conocido por la canción
«Little Miss Bibbitty Bobbity Boom».
Sus temas menos conocidos adquirieron un estatus de culto en
décadas posteriores entre los aficionados al Rockabilly y al Garage rock.
En 1999, el sello especializado en material de archivo
Norton Records publicó una reedición en vinilo de 45 rpm de sus grabaciones
para Kappa Records, dando a conocer su música a una nueva generación de
coleccionistas. Sus canciones también aparecen en recopilaciones de R&B
poco comunes, junto a artistas de estilo similar.
Tras este sonó ‘’Rock and roll Riley’’ título que el screamer estadounidense Otis Riley incluyó en la cara a de su segundo single al que dio título.
Se desconoce la fecha de su publicación,presumiblemente
registrado a principios de los 60’s este vio la luz a través del sello Kappa
Records siendo rescatado por Norton Records quienes lo re-prensaron en 1999.
Poca es la información que hay acerca de este screamer que
facturó un potente y vibrante Rock and roll heredero del estilo vocal del más
salvaje Little Richard durante la
primera mitad de los años 60’s.
Tan solo cuenta con 3 singles registrados.
https://www.discogs.com/es/release/3640551-Otis-Riley-Rock-And-Roll-Riley
Personal:Vernon Williams (Voz principal),Bobby Jones (Primer
Tenor),Robert Gibson (Segundo tenor),Damond Rockland (Barítono),Norman Worthy
(Bajo)
Los Royal Holidays se disolvieron a principios de la década
de 1960. Sin embargo, Vernon Williams (vocalista principal y compositor de la
mayoría de las canciones de los Royal Holidays) solía formar parte de los
Rayber Voices, quienes acompañaban a numerosos solistas de la incipiente
compañía Motown de Berry Gordy a finales de los 50 y principios de los 60. En
1961, Vernon se unió a los Satintones . Vernon estaba en racha, y tras su paso
por los Satintones a principios de los 60, pasó a cantar y grabar con otro
grupo, esta vez llamado The Pyramids.
The Pyramids grabaron "Crying" y "I Am the
Playboy", que se lanzó por primera vez en 1962 bajo el sello Sonbert,
propiedad de Sonny Sanders y Robert Bateman. El nombre del sello se derivó de
la combinación de partes de los nombres de pila de los dos
propietarios/productores, Sonny y Robert. La canción se reeditó en el sello
Cub, más conocido, también en 1962. Estos temas se grabaron en los estudios
Continental, en la calle 12 de Detroit. Tras este lanzamiento, The Pyramids
grabaron un sencillo para VeeJay, "Shakin' Fit", coescrito por
Vernon, con "What Is Love" en la cara B.
Esta grabación también se publicó en 1962. El grupo Pyramids de Vernon Williams no está afiliado a ningún otro grupo Pyramids que grabara en esa época. Pyramids se disolvió a principios de 1963 cuando Vernon fue reclutado para el servicio militar.
Seguido de este sonó ‘’Shakin’ fit’’ tema que la banda norteamericana procedente de Detroit, Michigan,The Pyramids incluyeron en su segundo y último single al que dio título.
Registrado en 1963 este fue publicado de manos del sello Vee
Jay Records ese mismo año.
Estos fueron un grupo vocal de R&B en activo
durante la década de los 60’s.
Conformados por:Vernon Williams su cantante solista, Bobby
Jones,primer tenor,Robert Gibson,segundo tenor,Damond Rockland,barítono y
Norman Worthy ,bajo.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un primer
single registrado en 1962.
Además de este cuentan con un single más.
En cuanto a su sonido,estos desarrollan su Doo wop hacia
terrenos Rhythm’n’blues que hacen destacar sus potentes cualidades vocales.
https://www.discogs.com/es/master/1147317-The-Pyramids-Shakin-Fit-What-Is-Love
Phil Flowers (28 de enero de 1934 - 22 de enero de 2001) fue
un cantante y compositor del área de Washington que actuó en Estados Unidos y
en el extranjero desde la década de 1950. En ocasiones se le describía como
"El Elvis negro" y "Skip Manning".
Phil Flowers fue principalmente un cantante de soul, pero
grabó en una amplia variedad de estilos: rock 'n' roll, gospel, R&B, blues,
baladas y pop de los sesenta. Los fanáticos del rock and roll lo recordarán
sobre todo por su enérgico tema "No Kissin' At the Hop" de 1958.
Aunque nunca tuvo un éxito nacional, Flowers logró mantener una carrera musical
durante cuatro décadas.
Nacido como Philip James Flowers en una pequeña granja del
condado de Longwood, Carolina del Norte, Flowers aprendió a tocar la guitarra
de su padre, Phil senior. A los catorce años, Phil decidió que tocar la
guitarra era mucho más fácil que recoger algodón, así que se unió a un grupo
itinerante que tocaba en su pueblo. Phil tocó con varios grupos hasta que
recibió una carta del Tío Sam y se alistó en la Fuerza Aérea de los Estados
Unidos. Durante su servicio, fue la estrella del exitoso espectáculo de la
Fuerza Aérea "Tops in Blue" y tocó en campamentos por todo el país.
Tras su regreso a la vida civil, Phil comenzó a cantar
profesionalmente en el área de Washington D.C. Grabó su primer disco para el
sello Hollywood en 1956, "Honey Chile" (que no es la canción de Fats
Domino). La otra cara del disco fue interpretada por otro artista. Le siguieron
dos lanzamientos más con Hollywood antes de que Phil firmara con Mercury en
1958. Solo se publicó un sencillo, bajo la filial Wing, "No Kissin' At the
Hop"/"Walking At Night" (Wing 2100).
Ambos temas fueron escritos por el propio Phil, en
colaboración con Cindy Davis, seudónimo de Kay Adelman, cuyo esposo, Ben
Adelman, dirigió el sello Empire entre 1959 y 1962. Phil lanzó dos canciones
con Empire en 1960: «Sadie From Haiti» y «Ham 'n' Eggs». Esta última fue
publicada bajo el seudónimo de «Skip Manning». Los Adelman formaron una empresa
editorial conjunta con Phil Flowers y Lillian Claiborne, llamada Lil-Phil-Ben.
El sencillo «Wing» no tuvo éxito y Mercury no publicó más
grabaciones de Phil. Le siguió un largo periodo cambiando de sello discográfico,
con lanzamientos en United Artists, Empire, Honey, Sway, Domino, Josie, Almanac
y Columbia. A principios de la década de 1960, Flowers grabó principalmente
twist y otros temas de baile, además de un álbum de gospel en 1963. Tras el
declive de la música dance en la época de los Beatles, se pasó a la música
soul.
En la década de 1960, Flowers tuvo una gran banda, cuyo
núcleo estaba formado por Melvin Lee (guitarra), Willie Melvin (bajo), Harold
Blair (saxofón) y TNT Tribble (batería). Tribble aparece en los créditos de
varias grabaciones de Phil y también grabó por su cuenta.
Las cosas finalmente empezaron a irle bien a Flowers a
finales de 1967. Su segundo sencillo con Dot, "Cry On My Shoulder",
se vendió bien en la Costa Este y Phil fue invitado a cantar en el programa de
televisión nacional Dick Clark Show. Un álbum para Dot ("Our Man In
Washington") tuvo una buena acogida.
En 1968, Flowers actuó en la Casa Blanca, durante la
administración de Johnson. Ese mismo año, a petición del alcalde de Washington,
D.C., Flowers y su grupo de acompañamiento (The Flower Shop) fueron enviados a
cantar a barrios donde se habían producido disturbios tras el asesinato del
reverendo Martin Luther King, Jr.
Desde 1969 hasta 1973, Flowers grabó para A&M, Bell y
Epic.
Sus versiones de “Like A Rolling Stone” y “Every Day I Have
To Cry” (A&M, 1970) también se publicaron en el Reino Unido, siendo sus
primeros lanzamientos allí. Se presentó en Las Vegas y era un habitual en
hoteles y clubes de Washington, a menudo actuando con sus hermanos e hijos como
coristas. Gran parte de su repertorio consistía en canciones de su propia
autoría (Phil era un compositor prolífico) e imitaba a una amplia gama de otros
cantantes, incluidos Ray Charles, Sam Cooke, Elvis Presley, Chuck Berry, Nat
King Cole, Dean Martin y Frank Sinatra. A finales de la década de 1970 fue el
vocalista principal del grupo de rock Jebediah, con quienes grabó un álbum de
composiciones de Jagger-Richards para Epic en 1978.
Durante los últimos años de su vida, Phil actuó
principalmente en cruceros, así como en Bermudas, Arabia Saudita, Puerto Rico y
algunos países europeos.
Phil Flowers falleció de cáncer en 2001, seis días antes de cumplir 67 años. Se desplomó en su casa en Gaithersburg, Maryland, y fue trasladado al Hospital Adventista Shady Grove en Rockville, donde murió al día siguiente.
‘’No kissin’ at the hop’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo del screamer estadounidense procedente de Longwood,Carolina del norte Phil Flowers.
Incluido en la cara a de su tercer single.
Registrado en 1972 este vio la luz a través del sello Wing
Records ese mismo año.
Phillip John Flowers fue un cantante y compositor del área
de Washington que actuó en Estados Unidos y en el extranjero desde la década de
1950.
A veces se le describía como "El Elvis Negro" y
"Skip Manning".
Grabó sencillos para el sello Hollywood a finales de los
50’s, bajo el nombre de Phil Flowers And The Batmen.
Phil grabó varios álbumes en los sesenta.
Algunos de sus sencillos incluyen "Discontented" y
"Where Did I Go Wrong?". (ambas populares en la escena Northern
Soul).
Formó parte del grupo Jebadiah y colaboró con Link Wray y
Barry Darvell.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un primer
single compartido con Joe Lyons And His Arrows registrado en 1956.
Además de este cuenta con:6 Álbumes de estudio,uno más de
covers y nada menos que 30 singles,algunos de ellos compartidos.
https://www.discogs.com/es/master/1522261-Phil-Flowers-No-Kissin-At-The-Hop-Walking-At-Night
Jalacy J. " Screamin' Jay " Hawkins(18 de julio de
1929 - 12 de febrero de 2000) fue un cantautor, músico, actor, productor de
cine y boxeador estadounidense. Famoso principalmente por su potente y
estridente interpretación vocal y sus actuaciones sumamente teatrales de
canciones como " I Put a Spell on You ", a veces utilizaba accesorios
macabros en el escenario, lo que lo convirtió en uno de los primeros pioneros
del shock rock .Recibió una nominación al Independent Spirit Award al Mejor
Actor de Reparto Masculino por su actuación en la película independiente de
1989 Mystery Train.
Hawkins nació y se crió en Cleveland , Ohio.Tenía tres
hermanas mayores, pero su madre decidió ponerlo en un hogar de acogida. Creció
en la pensión que su madre adoptiva poseía. Hawkins estudió piano clásico de
niño y aprendió a tocar la guitarra en sus veintes.En una entrevista de 1993,
Hawkins relata haberle dicho a su profesor de música:
...vete antes de que te haga la vida imposible [...] porque
con el tipo de música que quiero tocar. Las cosas que quiero hacer con la
música y no quiero hacerlo de la manera convencional que todo el mundo conoce.
Quiero crear mis propias ideas. Tengo toda la información que necesito de ti
para hacer lo que quiero, ahora, si te quedas, te haré la vida imposible.
Su objetivo inicial era convertirse en cantante de ópera
(Hawkins citó a Paul Robeson como su ídolo musical en entrevistas),pero cuando
sus ambiciones iniciales fracasaron, comenzó su carrera como cantante y
pianista de blues convencional . Otras influencias incluyeron a Mario Lanza ,
Enrico Caruso , Lionel Hampton , Dizzy Gillespie , Charles Brown , Amos Milburn
, Wynonie Harris , Nellie Lutcher , Roy Brown , Jimmy Witherspoon , Eddie
"Cleanhead" Vinson , Roy Milton , Elmore James , Lightnin' Hopkins y
H-Bomb Ferguson .
Tres meses después del fin de la Segunda Guerra Mundial ,
abandonó la Escuela Secundaria Técnica del Este y se unió al Ejército de los
Estados Unidos con un certificado de nacimiento falsificado (a los 16 años).Estuvo
destinado en Fort Bliss . Durante este tiempo, entretenía a las tropas como
parte de su servicio.Hawkins fue un ávido boxeador durante sus años en el
circuito de boxeo del Ejército de los Estados Unidos. Más tarde afirmó haber
ganado varios títulos de boxeo; sin embargo, no hay registro de sus victorias.También
contó a amigos y periodistas varias historias exageradas sobre su asistencia a
la Universidad de Yale y al Conservatorio de la Universidad de Cincinnati .
Además, afirmó haber luchado en la Segunda Guerra Mundial y en la Guerra de
Corea y haber matado a combatientes enemigos.
En 1951, Screamin' Jay Hawkins comenzó su carrera como vocalista
y tecladista del guitarrista de Filadelfia Tiny Grimes , y posteriormente
participó en algunas de las grabaciones de Grimes. Cuando Hawkins inició su
carrera en solitario, su primer sencillo, “Why Did You Waste My Time”, fue
interpretado con el acompañamiento de la banda de Grimes. En 1956, Hawkins firmó
con OKeh Records .Cuando Hawkins se convirtió en solista, solía presentarse con
un vestuario elegante que incluía pieles de leopardo , cuero rojo y sombreros
extravagantes.
La grabación más exitosa de Hawkins, " I Put a Spell on
You " (1956), fue seleccionada como una de las 500 canciones que dieron
forma al rock and roll por el Salón de la Fama del Rock and Roll . Según la
Guía de Blues de AllMusic , "Hawkins originalmente concibió la melodía como
una balada refinada".Toda la banda estaba intoxicada durante una sesión de
grabación donde "Hawkins gritó, gruñó y gorgoteó a lo largo de la melodía
con total abandono ebrio".La interpretación resultante no fue una balada,
sino una "canción cruda y gutural" que se convirtió en su mayor éxito
comercial y, según se informa, superó el millón de copias en ventas, aunque no
logró entrar en las listas de éxitos pop o R&B de Billboard .
Aunque Hawkins se desmayó y no pudo recordar la sesión,volvió
a aprender la canción a partir de la versión grabada.Mientras tanto, el sello
discográfico lanzó una segunda versión del sencillo, eliminando la mayoría de
los gruñidos que habían adornado la interpretación original; esto fue en
respuesta a las quejas sobre la sexualidad explícita de la grabación.No
obstante, fue prohibida en la radio en algunas zonas. Además, la grabación
atrajo la ira de grupos como la NAACP, "que temía que su acto repercutiera
negativamente en los afroamericanos".Hawkins más tarde atribuyó al
escándalo un aumento en las ventas debido a la naturaleza supuestamente tabú de
sus actuaciones.
Poco después del lanzamiento de "I Put a Spell on You",
el locutor de radio Alan Freed le ofreció a Hawkins 300 dólares para que
saliera de un ataúd en el escenario.Hawkins inicialmente se negó, según se
cuenta, diciendo: "¡Ningún negro entra vivo en un ataúd, no esperan
salir!".Sin embargo, más tarde cedió y pronto creó un extravagante
personaje escénico en el que las actuaciones comenzaban con el ataúd e incluían
"trajes de oro y piel de leopardo y notables accesorios de vudú, como su
calavera humeante en un palo, llamada Henry, y serpientes de goma".Estos
accesorios sugerían vudú , pero también se presentaban con matices cómicos que
invitaban a la comparación con "un Vincent Price negro ".A pesar del
éxito comercial del truco, Hawkins resentía el factor sorpresa que lo hizo
famoso. Lo consideraba explotador y creía que socavaba su sinceridad como
vocalista y baladista. En una entrevista de 1973, se lamentó del apodo de
"Screamin'" que le había puesto su discográfica, Okeh Records,
diciendo: "Si dependiera de mí, no sería Screamin' Jay Hawkins ... James Brown gritaba muchísimo, pero nunca
lo llamaron Screamin' James Brown ...
¿Por qué la gente no puede aceptarme como un cantante normal sin convertirme en
un monstruo?".
"I Put a Spell On You" se convirtió en un clásico,
versionado por una variedad de artistas como Creedence Clearwater Revival ,
Nina Simone , Alan Price , The Animals , Them con Van Morrison , Arthur Brown ,
Bryan Ferry , Buddy Guy , Carlos Santana , Tim Curry , Leon Russell , Joe
Cocker , Nick Cave , Marilyn Manson , Mica Paris , David Gilmour , Jeff Beck ,
Joss Stone , Diamanda Galas y Annie Lennox . La versión original de Hawkins
apareció durante el programa y en los créditos del episodio de Los Simpson de
2003 " I'm Spelling as Fast as I Can ".
Entre los lanzamientos posteriores de Hawkins se incluyen la
canción de humor escatológico "Constipation Blues" (que incluía una
introducción hablada de Hawkins en la que afirmaba haberla escrito porque nadie
había escrito antes una canción de blues sobre "dolor real"), "
Orange Colored Sky " y "Feast of the Mau Mau ". Sin embargo,
ninguno de sus lanzamientos alcanzó el éxito monumental de "I Put a Spell
on You". En París, en 1999, y en el festival Taste of Chicago, interpretó
"Constipation Blues" con un inodoro en el escenario.
Continuó de gira y grabando durante las décadas de 1960 y
1970, particularmente en Europa, donde era muy popular. Hawkins lanzó un
sencillo de baladas populares en 1969, "Too Many Teardrops" y la
canción de estilo hawaiano "Makaha Waves" en la cara B. En febrero de
1976, sufrió lesiones faciales cuando se quemó con uno de sus accesorios en
llamas mientras actuaba con su guitarrista Mike Armando en el Virginia Theater
en Alexandria, Virginia . Apareció en una actuación (como él mismo) en la película
biográfica de Alan Freed American Hot Wax en 1978. Posteriormente, el cineasta
Jim Jarmusch incluyó "I Put a Spell on You" en la banda sonora —y
profundamente en la trama— de su película Stranger Than Paradise (1983), y
luego eligió al propio Hawkins como un recepcionista nocturno de hotel en su
película Mystery Train . Hawkins también tuvo papeles como actor en Perdita
Durango de Álex de la Iglesia y en la adaptación de Bill Duke de A Rage in
Harlem de Chester Himes .
En 1983, Hawkins se mudó al área de Nueva York. En 1984 y
1985, colaboró con la banda de garage rock The Fuzztones , lo que dio como
resultado el álbum Screamin' Jay Hawkins and the Fuzztones Live , grabado en
Irving Plaza en diciembre de 1984. Aparecieron en la película Joey de 1986.
En 1990, Hawkins interpretó la canción "Sirens Burnin '
" , que apareció en la película de terror de 1990 Night Angel .
En julio de 1991, Hawkins lanzó su álbum Black Music for
White People . El disco incluye versiones de dos composiciones de Tom Waits : "
Heartattack and Vine " (que, más tarde ese año, se usó en un anuncio
europeo de Levi's sin el permiso de Waits, lo que resultó en una demanda), y
"Ice Cream Man" (una composición original de Waits y no una versión
del clásico de John Brim ).Hawkins también versionó la canción de Waits
"Whistlin' Past the Graveyard" en su álbum Somethin' Funny Goin' On .
En 1993, su versión de "Heartattack and Vine" se convirtió en su
único éxito en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 42 en la lista de
sencillos del Reino Unido .En 1993, Hawkins se mudó a Francia.
Cuando Dread Zeppelin grabó su álbum de música disco, It's
Not Unusual, en 1992, el productor Jah Paul Jo invitó a Hawkins a participar
como invitado. Interpretó las canciones " Jungle Boogie " y "
Disco Inferno ". También realizó giras con The Clash y Nick Cave durante
este período, y no solo se convirtió en una figura habitual de los festivales
de blues, sino que también apareció en numerosos festivales de cine, incluyendo
el estreno de Mystery Train en el Festival de Cine de Telluride .
Su sencillo de 1957, "Frenzy" (que se encuentra en
la compilación de principios de la década de 1980 del mismo nombre), se incluyó
en el CD recopilatorio Songs in the Key of X: Music from and Inspired by the
X-Files , en 1996.Esta canción apareció en el episodio " Humbug " de
la segunda temporada de la serie.También fue versionada por la banda Batmobile
.
En 2001, el director y escritor griego Nicholas
Triandafyllidis realizó el documental Screamin' Jay Hawkins: I Put a Spell on
Me sobre diversas etapas de su vida y carrera, incluyendo la filmación de su
última actuación en vivo, en Atenas el 11 de diciembre de 1999, dos meses antes
de su muerte, tras una actuación el día anterior en Salónica . En el
documental, artistas notables como Jim Jarmusch , Bo Diddley , Eric Burdon ,
Frank Ash, Arthur Brown y Michael Ochs hablaron sobre la juventud, la
personalidad y la carrera de Screamin' Jay Hawkins, y sobre su increíble
talento.
De 1962 a 1971, Hawkins vivió en Hawái. Regresó a Nueva York
después de comprar una casa en Hawái y establecer su propia compañía editorial,
sostenida por las regalías de las versiones de "I Put a Spell On
You".Hawkins se casó seis veces; su última esposa tenía 31 años cuando él
murió.Su compañero de canto, Shoutin' Pat Newborn, lo apuñaló por celos cuando
se casó con Virginia Sabellona.Tuvo tres hijos con su primera esposa y afirmó
tener entre 57 y 75 hijos en total.Después de su muerte, su amiga y biógrafa
Maral Nigolian creó un sitio web para rastrear a estos hijos,identificando a
33, al menos 12 de los cuales se conocieron en una reunión en 2001.
Hawkins falleció por fallo multiorgánico tras una cirugía de
urgencia para tratar un aneurisma el 12 de febrero de 2000 en Neuilly-sur-Seine
, Francia. Tenía 70 años y vivía cerca de París. Aunque Hawkins no tuvo un gran
éxito como artista discográfico, sus actuaciones altamente teatrales desde
"I Put a Spell on You" en adelante le aseguraron una carrera estable
como intérprete en vivo durante décadas, e influyeron en artistas posteriores.Fue
telonero de Fats Domino , Tiny Grimes y los Rolling Stones .Esta exposición a
su vez influyó en grupos de rock como Alice Cooper , Tom Waits , The Cramps ,
Screaming Lord Sutch , Black Sabbath , Creedence Clearwater Revival , Arthur
Brown , Led Zeppelin , Marilyn Manson , Rob Zombie y Glenn Danzig .Vox
describió a Hawkins como un " icono gótico ".
En la miniserie documental retrospectiva de 2020 Red Dwarf :
The First Three Million Years , Hawkins es identificado como una influencia
clave en el personaje de Cat de Danny John-Jules .
Vamos ya a por el último bloque del programa de esta noche para lo que nos situamos en la zona central noreste de los Estados Unidos.
Ponemos rumbo a Ohio,concretamente desde Cleveland nos llega
nuestro siguiente screamer de la noche,este lleva por nombre Screamin’ Jay
Hawkins.
Jalacy Hawkins que así es como realmente se llamaba fue un
popular cantante afroamericano que obtuvo un importante éxito durante la
explosión del Rock a mediados de los 50’s. Conocido por sus circenses actuaciones
y estética macabra,acabó fichando para Okeh Records para los que grabó uno de
los mayores éxitos de la época, I Put a Spell on You, en 1956.
Este aprendió a componer música y a tocar el piano siendo
niño en el conservatorio y a los 20 años aprendió a tocar la guitarra.
En 1951, Screamin' Jay Hawkins comenzó su carrera
interpretando voces y teclados para el guitarrista de Filadelfia Tiny Grimes,
apareciendo posteriormente en algunas de las grabaciones de este.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer
single junto a la banda de Grimes de acompañamiento registrado en 1953.
Además de este cuenta con:7 álbumes de estudio,2 más
recopilando grabaciones del periodo entre el 53 y el 76,otro junto a The
Fuzztones,3 álbumes registrados en vivo 5 E.P’s y nada menos que 38 singles.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su
trigésimo primer single al que dio título.
Registrado en 1974 este salió a la calle de manos de la
multinacional RCA Victor ese mismo año.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’Voodoo’’.
Junior & The Classics fueron una banda estadounidense
poco conocida de las décadas de 1960 que cultivaba estilos como el R&B, el
soul y el garage. Grabaron sencillos difíciles de encontrar para sellos
independientes como Magic Touch Records y Groove, logrando un estatus de culto
entre los coleccionistas de vinilos de Rare Soul y Northern soul.
Magic Touch era un sello discográfico con sede en Milwaukee,
Wisconsin, dirigido por un tipo llamado Lenny LaCour . Entre mediados de los 60
y los 80, Magic Touch lanzó una variedad de sonidos de grupos como Harvey
Scales and the Seven Sounds (los sencillos de Magic Touch que yo ya tenía) y
Marvelle and the Blue Match , además de algún que otro sencillo de garage.
Junior and the Classics consiguieron su primer (y único)
éxito con una versión entusiasta de "The Dog" de Rufus Thomas en el
sello Groove en 1964, que fue un éxito regional en Milwaukee.
Publicaron tres sencillos de 45 rpm con Magic Touch (dos de
ellos con la canción Wise Up), y el último, el funky 'Kill the Pain', fue
distribuido a nivel nacional por Atco.
La banda estaba liderada por el teclista Robert 'Junior'
Brantley, quien posteriormente tocó y grabó con los Fabulous Thunderbirds y
Roomful of Blues.
No he podido encontrar ninguna foto de la banda, pero
algunas referencias cruzadas (y su sonido) me sugieren que eran un grupo
integrado racialmente y estilísticamente.
'Wise Up' (de 1966) es un tema bailable con ritmo swing,
bajo y guitarra rítmica contundentes, complementados con palmas, batería,
órgano y una línea de saxofón realmente interesante.
La cara B, «Mix Up (a Go Go)», que empieza con un ritmo de
batería pegadizo, es uno de esos temas geniales donde se mencionan todos los
bailes de moda. Me encanta el estribillo y el piano.
Si te gusta su sonido y sientes la necesidad de guardar
algunos discos de Junior and the Classics en tu colección, ten en cuenta que se
encuentran en esa zona intermedia entre lo no demasiado caro y lo no demasiado
barato, con precios que oscilan entre los 25 y los 50 dólares (siendo el
codiciado 'Kill the Pain' el más caro).
Seguido de este sonó ‘’The Dog’’tema que el grupo norteamericano procedente de Milwaukee, Wisconsin Junior and The Classics incluyeron en la cara a de su primer single al que dio título.
Registrado en 1964 este vio la luz de manos del sello Groove
Records y de la multinacional RCA Victor ese mismo año.
Estos consiguieron su único éxito con una versión vibrante
de «The Dog» de Rufus Thomas, que se convirtió en un éxito regional en
Milwaukee.
Lanzaron tres sencillos con Magic Touch (dos de ellos con
«Wise Up»), y el último, el funky «Kill the Pain», fue distribuido a nivel
nacional por Atco.
La banda estaba liderada por el teclista Robert «Junior»
Brantley, quien posteriormente tocó y grabó con los Fabulous Thunderbirds y
Roomful of Blues.
En cuanto a su sonido,estos facturaron un Soul de herencia
Rhytm’n’blusera frenético y muy bailable.
https://www.discogs.com/es/release/4970872-Junior-And-The-Classics-The-Dog
The Olympics es un grupo estadounidense de doo-wop , formado
en 1957 por el vocalista Walter Ward (28 de agosto de 1940 - 11 de diciembre de
2006). El grupo también incluía a Eddie Lewis ( tenor , primo de Ward), Charles
Fizer (tenor), Walter Hammond ( barítono ) y Melvin King ( bajo ). Con la
excepción de Lewis, todos eran amigos desde la escuela secundaria en Los
Ángeles, California.
Su primer disco fue acreditado a Walter Ward and the Challengers
("I Can Tell" en Melatone Records). Después del cambio de nombre,
grabaron " Western Movies " (Demon Records) en el verano de 1958.Coescrita
por Fred Smith y Cliff Goldsmith ,"Western Movies" llegó al No. 8 en
la lista Billboard Hot 100. La canción reflejaba la preocupación de la nación
por las películas y programas de televisión de temática western . Contaba la
historia de un hombre que perdió a su chica por culpa de los westerns
televisivos, e incluía armonías doo-wop así como disparos de fondo y efectos de
sonido de rebotes .
En 1959, el grupo grabó "(Baby) Hully Gully"
(Arvee Records), que dio inicio a la moda del baile Hully Gully . "Big Boy
Pete", que el grupo lanzó en 1960,sirvió de inspiración para " The
Jolly Green Giant " de The Kingsmen . Durante los siguientes diez años,
The Olympics grabaron alegres canciones de R&B , a menudo sobre bailes
populares en ese momento.
En 1965, The Olympics fueron de los primeros en grabar
" Good Lovin' ", compuesta por Rudy Clark y Arthur Resnick. En 1966,
la versión de The Young Rascals alcanzó el número 1 en la lista Hot 100 de
Estados Unidos. Desde entonces, numerosos artistas destacados han grabado
versiones de la canción, entre ellos Mary Wells , The Ventures , The Who , The
Grateful Dead , Bobby McFerrin y The Bobs .
Fizer fue asesinado a tiros durante los disturbios de Watts
en 1965.Poco después, King dejó el grupo tras la muerte de su hermana en un
tiroteo accidental.Un grupo renovado continuó grabando hasta principios de la
década de 1970, pero no logró alcanzar el éxito en las listas de popularidad
después de mediados de la década de 1960. The Olympics continuaron actuando en
el circuito de música clásica en Estados Unidos y otros países.
En 1984, Rhino Records publicó un álbum titulado The
Official Record Album of The Olympics , que contenía grabaciones del grupo de
las décadas de 1950 y 1960. El Comité Organizador de los Juegos Olímpicos de
Los Ángeles demandó a Rhino, alegando que el disco de Rhino podría confundirse
con el álbum The Official Music of the XXIII Olympiad—Los Angeles 1984. Rhino
ganó la demanda.
La canción de Walter Ward, "Well (Baby Please Don't
Go)" (cara B de "Western Movies"), fue grabada por John Lennon
durante las sesiones de Imagine de 1971 en los estudios Ascot Sound, donde se
intentaron varias tomas de estudio en dos fechas distintas de febrero. Una de
estas tomas, grabada el 16 de febrero de 1971, se publicó oficialmente por
primera vez en la caja recopilatoria John Lennon Anthology de 1998 y
posteriormente se reeditó en la compilación de un solo disco Wonsaponatime .
Una nueva remezcla de la misma toma se incluyó en la caja recopilatoria Imagine
– The Ultimate Collection de 2018 , que también incluye un montaje de
"Evolution Documentary" con extractos de las cintas de las sesiones
de la canción. Las grabaciones de ambas fechas de sesión circulan en múltiples
grabaciones pirata. Otra actuación en directo, grabada en junio de 1971 con
Frank Zappa y The Mothers of Invention, se incluyó en el álbum de Lennon de
1972, Some Time in New York City , y posteriormente apareció en el álbum de
Zappa de 1992, Playground Psychotics .
Eddie Lewis, tenor y último miembro original de The Olympics, falleció el 31 de mayo de 2017. Los miembros actuales y restantes de The Olympics son Vel Omarr, Alphonso Boyd y Samuel E. Caesar.
A este le precedió ‘’I’ll do a little bit more’’ tema que la banda norteamericana procedente de Los Angeles,California The Olympics incluyeron en la cara b de su trigésimo tercer single que apareció junto al tema The Same old thing.
Registrado en 1967 este salió a la calle bajo el brazo del sello
Mirwood Records ese mismo año.
Estos fueron un grupo de Doo-wop, formado en 1957 por el
vocalista Walter Ward.
La banda también incluía a Eddie Lewis,tenor, primo de
Ward,Charles Fizer ,tenor,Walter Hammond,barítono y Melvin King bajo, a
excepción de Lewis,amigos desde la secundaria en Los Ángeles.
Su primer disco se publicó bajo el nombre de Walter Ward and
the Challengers.
Tras cambiar de nombre, grabaron "Western Movies"
en 1958.Coescrita por Fred Smith y Cliff Goldsmith,alcanzó el puesto número 8 en
la lista Billboard.
Estos cuentan con:7 Álbumes de estudio,5 E.P.’s y cerca de
60 singles.
https://www.discogs.com/es/master/509846-The-Olympics-The-Same-Old-Thing-Ill-Do-A-Little-Bit-More
Elbert Giles (17 de marzo de 1938 – 5 de febrero de 2019),conocido
profesionalmente como Eddy Giles (y a veces acreditado como Eddie Giles o Eddy
"G" Giles), fue un cantautor y músico estadounidense de R&B,
blues y góspel, quizás más conocido por su canción de 1966 "Losin'
Boy".Aunque nunca alcanzó el éxito masivo, realizó una contribución
significativa al *Southern soul*, género popularizado por artistas como Rufus
Thomas, Carla Thomas, Eddie Floyd, O. V. Wright, Otis Redding y Sir Charles
Jones.
Giles nació en Frierson, Luisiana,en 1938, y creció en una
granja bajo el cuidado de su abuela, Mary Wiggins.Durante su último año de
estudios, se mudó a Shreveport, Luisiana, para vivir con su madre, y se graduó
en la escuela secundaria Booker T. Washington en 1958.Giles fue un músico
autodidacta que aprendió a tocar la guitarra.En una entrevista de 2015 con *The
Shreveport Times*, mencionó que sus influencias musicales eran Elvis Presley y
Chuck Berry.
La canción "Losin' Boy", compuesta por Giles,se
publicó como sencillo en 1966, con "I Got The Blues" en la cara B. El
sencillo, lanzado por el sello Murco Records (con sede en Shreveport), no entró
en la lista *Billboard Hot 100*, pero alcanzó el puesto número 27 en la lista
*Bubbling Under Hot 100* al año siguiente.Tampoco llegó a figurar en la lista
de R&B de *Billboard* en Estados Unidos. A pesar de su discreto desempeño
en las listas, vendió 2000 copias en Shreveport, 10 000 en Dallas y 70 000 en
Chicago.Él y su banda, llamada Eddie Giles and the Jive Five,realizaron
extensas giras por el país y actuaron junto a Ike y Tina Turner. En Chicago, un
joven Jimi Hendrix fue el encargado de abrir sus conciertos.
Giles continuó componiendo canciones y lanzando nuevos
sencillos. Sus siguientes sencillos —«While I'm Away» (con «Eddy's Go-Go Train»
en la cara B), «Happy Man» (con «Music»), «Soul Feeling Part 1» (con «Soul
Feeling Part 2») y «Love With A Feeling» (con «Baby, Be Mine»)—, todos
compuestos por Giles y publicados a través del sello Murco, no lograron entrar
en las listas de éxitos.
Tras su carrera musical, se graduó en el United Theological
Seminary and Bible College de Monroe, Luisiana, en 1996. En 2002, obtuvo el
título de Doctor en Ministerio por el Inter-Baptist Theological Seminary. Fue
ordenado diácono y posteriormente ejerció como pastor en la iglesia Salem
Missionary Baptist Church durante más de 25 años.
Durante 40 años trabajó como locutor en la emisora de
radio KOKA de Shreveport, donde desempeñó las funciones de locutor de música
góspel, director de programación y director musical.
Giles falleció el 5 de febrero de 2019, a los 80 años de
edad.
‘’Eddy’s go-go train’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo del grupo estadounidense procedente de Shreveport, Louisiana Eddie ‘’G’’ Giles & The Jive 5.
Incluido en la cara b de su tercer single que apareció junto
al tema While I'm Away.
Registrado en 1967 este salió a la calle de manos del sello
Murco Records ese mismo año.
Elbert Wiggins Giles que así es como realmente se llamaba
nació el 17 de Marzo de 1938.
Este fue un cantante, compositor y guitarrista conocido por
su canción de 1966, "Losin' Boy"que a pesar de su bajo rendimiento en
las listas, vendió 2000 unidades en Shreveport, 10 000 en Dallas y 70 000 en
Chicago.
A pesar de no haber alcanzado nunca un éxito masivo,
contribuyó significativamente al Gospel y al Soul sureño, género popularizado
por artistas como Rufus Thomas, Carla Thomas, Eddie Floyd, O. V. Wright, Otis
Redding y Sir Charles Jones.
Este fue un músico autodidacta y aprendió a tocar la
guitarra que declaró que sus influencias musicales eran Elvis Presley y Chuck
Berry.
Él y su banda,The Jive Five,realizaron extensas giras por el
país y actuaron con Ike y Tina Turner. En Chicago, sus conciertos fueron
inaugurados por el joven Jimi Hendrix.
Isaac Hamilton, también conocido como Little Ike, fue el
vocalista principal de The Bubba Suggs Band, quien también lanzó su propio
sencillo de 45 rpm en el sello Champion Records bajo su propio nombre.
En las notas del álbum The Champion Records Story, el
archivista y músico local Fred James comenta: "Little Ike grabó solo un
sencillo de 45 rpm... ¡pero qué temazo!". Como vocalista principal de The
Bubba Suggs Band, Little Ike tuvo la oportunidad de conocer a muchos artistas
populares de la época en el circuito de locales para músicos afroamericanos, ya
que la banda los acompañaba. Tras este lanzamiento en Champion, Little Ike dejó
la banda y fue reemplazado por Clifford Curry , desapareciendo así del mapa,
según Fred James.
La banda residente de Champion Records era Jimmy Beck and
His Orchestra , que a menudo incluía a Johnny Jones y Earl Gaines, entre otros.
Atribuidos a Little Ike con Jimmy Beck & Orchestra, los créditos de composición se otorgan a Alan Bubis, quien era copropietario de Champion, y al propio Hamilton.
Además de recordar a Little Richard por su cumpleños cada 5
de Diciembre, démosle también las gracias por todos los temas que -inspirados
en su sonido y forma de cantar- se publicaron a raíz del boom de "Tutti
Frutti". Uno de los mejores y más SALVAJES fue este "She Can
Rock", de Little Ike, editado por el sello de Nashville Champion Records
en 1957. Poco se sabe acerca de Isaac "Little Ike" Hamilton: Champion
lo fichó cuando ocupaba el puesto de cantante solista en la Bubba Suggs Band,
grabó éste, su único single, y desapareció totalmente del mapa. Lógico...es
insuperable. Nos hemos tomado la libertad de sustituir la cara B del single
original -la balada "Am I Losing You"- por un tema rápido de R&B
a cargo del maestro Earl Hines. Nada menos que el oscuro "Now Do You
Hear", grabado en la mismas sesiones y editado también por Champion ese
mismo año.
Vamos a por el último tema del programa de esta noche para lo que nos quedamos en los Estados Unidos desde allí nos llega nuestro último screamer de la noche,este lleva por nombre Little Ike.
Isaac Hamilton, también conocido como Little Ike, fue el
cantante principal de The Bubba Suggs Band, quien también lanzó su propio disco
de 45 en el sello Champion Records bajo su propio nombre.
En las notas de The Champion Records Story, el archivista y
músico local Fred James comenta: «Little Ike grabó solo un disco de 45... ¡pero
fue un éxito rotundo!».
Como vocalista principal de The Bubba Suggs Band, Little Ike
habría estado expuesto a muchos artistas de éxito de la época en el circuito de
chitlin cuando la banda los acompañaba.
Tras este lanzamiento en Champion, Little Ike dejó la Bubba
Suggs Band para ser reemplazado por Clifford Curry y desapareció del mapa.
El tema que cierra nuestro programa de esta noche pertenece
a su single junto a Jimmy Beck & His Orchestra.
Registrado en 1959 este salió a la calle de manos del sello Champion
ese mismo año.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’She can Rock’’
con el que despedimos nuestro programa de esta noche esperando que os haya
gustado y os hayáis divertido escuchándolo tanto como yo haciéndolo.
Sin más me despido
hasta la siguiente descarga de Rock’n’roll desde aquí El Intervalo Del Diablo.
https://www.discogs.com/es/master/741398-Little-Ike-With-Jimmy-Beck-Orch-She-Can-Rock
Comentarios
Publicar un comentario