EL INTERVALO DEL DIABLO PROGRAMA Nº 60 (ESPSCIAL ROCK NEOZELANDES PARTE III)
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SETLIST:
PIECES OF MOLLY ''Down a hole''
UNSANITARY NAPKIN ''All billionaires are bastards''
REPTILES AT DAWN ''Death machine’’
NOTHING AT ALL! ''Busted''
3 D'S ''Hey seuss''
BORED GAMES ''Bridesmaid''
INSTIGATORS ''Hope she´s alright''
SUBURBAN REPTILES ''Saturday night stay at home''
THE ANDROIDS ''Getting jumpy''
BLAM BLAM BLAM ''There is no depression in New Zealand''
MARCHING GILS ''First in line'
SPELLING MISTAKES ''Feel so good''
SWINGERS ''One good reason''
THE STEROIDS ''Out of control''
TOY LOVE ''Sheep''
SCAVENGERS ''Routine''
NO TAG ''Legalised dogs''
No Tag batió récords de consumo en bares mientras su público
partía cabezas. Fue una combinación volátil, cuyas consecuencias ensombrecieron
al duro cuarteto punk de Auckland en la escena de los halls del oeste de
Auckland y en los locales del centro de la ciudad.
La banda recibió una doble dosis de aprobación cuando su
abrasador EP de tres canciones para Propeller Records incluyó el cántico
"Oi Oi Oi" adoptado por los punks callejeros británicos, algunos de
los cuales eran abiertamente racistas, lo que resultó en una campaña
sensacionalista por supuestas (y completamente falsas) inclinaciones nazis.
Lo bueno es que el EP "No Tag" fue un éxito
sorpresa para el guitarrista Andrew Boak, el cantante Paul Van Wetering, el
baterista Carl Van Wetering y el bajista Mark Sullivan, alcanzando el puesto
número 15 en la lista de sencillos de Nueva Zelanda en septiembre de 1982, un
claro indicio del resurgimiento del punk rock neozelandés a mediados de los 80.
El tema clave, "Mistaken Identity", con su bajo potente, formó parte
de la banda sonora de la película urbana neozelandesa para adolescentes Queen
City Rocker (1986) y también se puede encontrar en el recopilatorio Propeller
Bigger Than Both Of Us de 1988.
Tras una aparición en el festival Sweetwaters en enero de
1983, No Tag realizó una gira por Nueva Zelanda en marzo, impulsando su álbum
"Can We Get Away With It?" a las listas de éxitos en abril de 1983.
El álbum había sido grabado en vivo y en crudo por Terry King y Doug Hood en la
acertadamente llamada Reverb Room de Auckland en octubre de 1982. La banda se
disolvió a mediados de 1983, pero se reagruparon para telonear a The Dead
Kennedys en Mainstreet en agosto de 1983.
Con miembros clave regresando de Londres, No Tag se
reagruparon brevemente en 1986, pero pronto se disolvieron cuando la violencia
del público que los había acosado resurgía. Regresaron a Londres y se
disolvieron a finales de los 80.
Andrew Boak trabajó posteriormente como DJ de radio FM de
Auckland (en la 89FM) y luego emprendió una nueva carrera como manager de sello
discográfico en San Francisco para el sello indie de música house Imperial Dub
Recordings y su propio sello, Green.
La banda se ha reformado varias veces desde entonces,
destacando en los conciertos de reunión de Andrew Boak, Punk It Up, en
Auckland.
Arrancamos con nuestro programa número 60, octavo especial en El Intervalo del diablo en esta ocasión dedicado a dar un breve repaso a la escena neo zelandesa.
No tan abundante ni variada como la australiana pero sin
embargo lo suficientemente interesante como para detenernos en ella y dedicarla
unos programas.
Desde finales de los 70’s en Nueva Zelanda han ido surgiendo
bandas de sonidos Punk y Rock’n’roll de una buena calidad.
Buena prueba de ello puedes encontrar en recopilaciones como
AK 79,Hate your neighbours y otras tantas en las que se incluyen temas de
bandas pioneras que fueron el embrión de la escena Punk en su país.
Para este tercer especial contamos con una interesante selección
musical en la que se muestra una variedad de estilos intentando abarcar desde
el Powerpop de tintes nuevaoleros a oscuros y semidesconocidos singles de la
época esplendor del Punk desarrollado entre finales de los 70’s y principios de
los 80’s.
Aquí encontraréis una pequeña muestra de un país con un
enorme potencial oculto,visto desde varios enfoques.
Comenzamos el programa de esta noche para lo que os situamos
en Auckland,desde allí nos llega nuestra primera banda de la noche,esta lleva
por nombre No Tag.
Formados a principios de los 80’s sus primeras grabaciones
quedaron relejadas en un primer E.P. publicado en 1982.
Con él recibieron una doble dosis de aprobación cuando su
abrasador EP para Propeller Records incluyó el cántico "Oi Oi Oi",
adoptado por los punks callejeros británicos, algunos de los cuales eran
abiertamente racistas, lo que resultó en una campaña sensacionalista por
supuestas (y completamente falsas) inclinaciones nazis.
Además de este cuentan con un álbum de estudio.
En cuanto a su sonido estos despachan un Street Punk con
claras inclinaciones hacia las melodías de las bandas británicas de Oi.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su E.P.
debut al que bautizaron OiOiOi.
Registrado en 1982 este salió a la calle de manos del sello Propeller
Records ese mismo año.
Cerrando dicho trabajo encontrarás este tema titulado
‘’Legalised dogs’’ vamos con él!.
https://www.discogs.com/es/master/922195-No-Tag-OiOiOi
Los pioneros del punk de Auckland, The Scavengers, abrieron
un camino controvertido en la escena musical neozelandesa a finales de los 70,
provocando la indignación de la prensa sensacionalista con apariciones en
estado de ebriedad en Moody Richards, el Festival de Artes Universitarias de
Wellington, el programa infantil Nice One Stu y el programa de éxitos Ready To
Roll.
Como The 1B Darlings, exploraron el glam rock, el R&B de
pub y el rock callejero neoyorquino. Rebautizados como The Scavengers, Mike
Lesbian (Mike Simons), Johnny Volume (Ken Cooke), Mal Licious (Marlon Hart) y
Des Truction (Simon Monroe) dieron un paso más y sentaron las bases del punk
rock neozelandés junto con otros punks de la primera ola, Suburban Reptiles.
Hart se marchó justo antes de la memorable aparición del
innovador grupo punk en Ready to Roll el 1 de octubre de 1977. Su sustituto fue
Ronnie Recent [Brendan Perry] al bajo.
A finales de febrero de 1978, The Scavengers se convirtieron
en el primer grupo residente del club punk Zwines de Auckland, situado en un
callejón victoriano cerca de Durham Lane West. Dos temas originales de la
banda, «Routine» y «Supported By The State», se habían grabado el mes anterior
para un sencillo inédito antes de que el vocalista Michael Simons también se
marchara. Ronnie Recent asumió la voz principal.
El nuevo trío actuaba con frecuencia en The Globe Tavern y
Windsor Castle. Fue así como grabaron lo mejor de los temas originales de The
Scavengers, incluyendo «Money In The Bank» en 1ZM. En junio de 1978, sus
canciones que los lanzaron a la fama, «True Love» y «Mysterex», se grabaron en
los estudios Mascot de Auckland.
Cuando lo mejor del punk rock se dirigió a Wellington para
el New Wave Special en junio de 1978, The Scavengers se unieron a un equipo de
documentales de televisión del programa de actualidad Eye Witness.
A continuación, la única gira nacional de The Scavengers y
un concierto en la Isla Sur. Con Australia a la vuelta de la esquina, Andy Shaw
grabó un clip en directo de la regrabación de «Mysterex», producida por Dave
Russell de Ray Columbus & The Invaders.
La siguiente parada fue Sídney a principios de noviembre de
1978. Una estancia corta, al parecer, antes de trasladarse a Melbourne como
Marching Girls.
«True Love» y «Mysterex» fueron temas centrales de la
histórica recopilación de punk de AK79, que se suministró a una tienda (Record
Warehouse) a finales de diciembre de 1979 y se lanzó a nivel nacional a finales
de enero de 1980.
Tras este sonó ‘’Routine tema que el grupo procedente de Auckland Scavengers dejaron grabado para un primer homónimo álbum que nunca vió la luz.
Registrado en 1978 este salió a la calle bajo el brazo de
los sellos Action! Y Zerox Records en Nueva Zelanda en 2003,siendo prensado de
manos de Corduroy Records para el mercado australiano.
Esta fue una de las primeras bandas Punk en su pais, formada
en 1977. Cambiaron su nombre a The Marching Girls cuando se mudaron a
Australia.
Un año más tarde en 1978 entraron al estudio para dejar
registrado material suficiente para completar un álbum que quedaría inédito en
su día a causa de la falta de interés hacia él por parte de los pequeños sellos
discográficos.
Todas esas grabaciones hoy día las puedes encontrar
repartidas en un homónimo álbum publicado nada menos que 25 años más tarde y en
2 singles que verían la luz entre 2002 y 2004.
Pioneros del Punk de Auckland,abrieron un camino
controvertido en la escena musical neozelandesa a finales de los 70, provocando
la indignación de la prensa sensacionalista con apariciones en estado de
ebriedad en Moody Richards, el Festival de Artes Universitarias de Wellington y
el programa de éxitos Ready To Roll.
Como The 1B Darlings, exploraron el glam rock, el R&B de
pub y el rock callejero neoyorquino. Rebautizados como The Scavengers, Mike
Lesbian (Mike Simons), Johnny Volume (Ken Cooke), Mal Licious (Marlon Hart) y
Des Truction (Simon Monroe) dieron un paso más y sentaron las bases del punk
rock neozelandés junto con otros punks de la primera ola, Suburban Reptiles.
https://www.discogs.com/es/master/428358-The-Scavengers-The-Scavengers
Toy Love fue uno de los grupos más importantes que surgieron
inmediatamente después del punk neozelandés de finales de los 70. También es
uno de los más mitificados.
La banda de Dunedin y Christchurch, nacida de The Enemy y
The Basketcases, tenía canciones pegadizas y provocativas que arrasaban.
También fueron una de las bandas más trabajadoras de la época, girando por
Nueva Zelanda en múltiples ocasiones y revolucionando la vibrante escena
musical de Auckland.
Todos sus discos alcanzaron las listas de éxitos: tres
sencillos de éxito y un álbum. Cuando el grupo se dirigió a Sídney, se
esperaban grandes cosas, antes de su siguiente paso a Inglaterra. A pesar de un
éxito limitado al otro lado de la zanja, Toy Love regresó a casa para una gira
nacional triunfal con un álbum que llegó al número 4 en las listas. Para
sorpresa y conmoción de los medios y el público, se separaron discretamente en
septiembre de 1980.
Es una soleada tarde de domingo a finales de enero de 1980
en el Sweetwaters Music Festival de tres días cerca de Ngaruawahia, y un grupo
de post-punk en ascenso con base en Auckland, Toy Love, está lanzando con
entusiasmo su último tema, "Frogs", una maraña furiosa de punk
psicodélico ya grabado y lanzado en el respetado sello indie estadounidense
Bomp Records.
El amplio y profundo escenario apenas parece contener la
furia epiléptica del cantante Chris Knox mientras merodea con botas negras y
chaqueta de traje negra con mangas toscamente cortadas, la gorra echada hacia
atrás, aunque pronto se la quita, el vello del pecho al descubierto y una
brillante mancha amarilla en las perneras de sus vaqueros. Detrás de él, como
siempre, están el guitarrista "humilde" Alec Bathgate (como lo
llamará Knox en la canción), el baterista Mike Dooley, el bajista Paul Kean,
con su top rosa y sandalias negras, y la mirada de águila de Jane Walker, apuñalando
un teclado Ekosonic.
Al terminar la canción, Knox destroza una sandía en el
escenario, cuya piel verde se agrieta, dejando al descubierto la carne roja —un
eco de su reciente pasado autolesionante, inspirado en Iggy Pop, en The Enemy—
mientras una multitud aplaudiendo y vitoreando, con al menos una docena de
filas de fondo, exige un bis. Uno de ellos, Todd Hunter de Dragon, la
exportación musical neozelandesa más exitosa de mediados de los 70 a Australia,
quiere producir el grupo. Hunter tendrá su oportunidad.
Unos días después, en los estudios Mandrill de Auckland, Toy
Love grabó con Glyn Tucker Jr. La inspirada producción y los arreglos del ex
astro del pop de los 60, convertido en productor, ya habían jugado un papel
importante en el éxito del sencillo de new wave pop «Rebel»/«Squeeze», que
alcanzó el número 29 en las listas de éxitos (en septiembre de 1979). Los
igualmente adictivos «Don’t Ask Me» y «Sheep», otra joya de doble cara,
ascendieron rápidamente al número 10 en las listas de éxitos en abril de 1980.
Ambos sencillos se combinaron en un EP para su lanzamiento en Australia a
través de Deluxe Records, un nuevo sello australiano dirigido por Michael
Browning, ex mánager de AC/DC y residente en Sídney.
Siguiendo un consejo de Tim Murdoch, de WEA Records,
Browning, quien había visto a Toy Love en pleno auge en Auckland a principios
de mes, rápidamente los contrató y planeó mudarse a su base en Sídney, donde
podrían crear una base de fans y grabar un álbum. Toy Love considera la
Inglaterra post-punk como su destino lógico, por lo que incluye una cláusula en
el contrato que lo anulará si el grupo no está allí para julio de 1981. Una
situación que a Browning no le preocupa. Así fue como dio a conocer a AC/DC en
Australia y Gran Bretaña.
Toy Love nunca llegó a Inglaterra, y su impacto en Australia
será fragmentado, a pesar de aparecer en importantes programas de televisión;
una residencia en el Civic Tavern del centro de la ciudad; trabajo regular
incluyendo una temporada exitosa en Melbourne; un EP que combina sus dos
sencillos, que obtiene buena difusión radial en la influyente estación de radio
2JJ; cobertura mediática en todas las principales revistas de música; y un
álbum homónimo grabado en un estudio de lujo de Sydney con Todd Hunter en junio
de 1980.
A pesar de lo que Knox diría más tarde, Toy Love empezaba a
hacerse un buen número de seguidores en directo en Sídney, agotando las
entradas de su último concierto en el club nocturno Chequers antes de regresar
a Nueva Zelanda en agosto de 1980 para una exitosa gira de promoción de su
álbum homónimo, repleto de canciones, que alcanzó el número 4 en las listas de
éxitos pop. Una gira en la que el grupo naufragaría y se separaría
discretamente.
Paul Kean se convertiría en un miembro clave de The Bats y
organizador de conciertos; Jane Walker recorrería la escena post-punk
neozelandesa en Wellington para luego regresar a Inglaterra, donde nació, como
diseñadora gráfica y, más tarde, diseñadora de internet; Mike Dooley
participaría ocasionalmente en grupos; Alec Bathgate, responsable de algunos de
los mejores carteles de Toy Love, se convertiría en diseñador gráfico en
Christchurch y, con el tiempo, en solista; y Chris Knox ayudaría a impulsar y
hacer crecer Flying Nun Records, que publicaría una parte sustancial de su
música, tanto con Alec Bathgate en Tall Dwarfs como en solitario. También se
establecerá como un respetado artista, cineasta y comentarista y, para bien o
para mal, un poderoso polemista cultural.
En los años siguientes, el mito de Toy Love se enriquecerá y
rara vez será cuestionado por la banda, los compositores musicales y los fans.
Es Knox, en particular, quien tergiversará la historia a su gusto, reinventando
a un grupo con un amplio atractivo popular como marginales artísticos en
desacuerdo con la escena punk y la industria discográfica que los había
aceptado casi por completo, convirtiendo la historia de Toy Love en una noble
derrota al estilo de Galípoli y un precursor inmediato de lo que estaba por
venir.
Todo esto aún está en el futuro, ya que Toy Love deja
Sweetwaters para una última gira por Auckland y las salas del país. Apenas ha
pasado un año desde que emergieron de los restos de los punks de Dunedin,
conflictivos y ricos en canciones, The Enemy (Knox, Dooley y Bathgate con el
bajista Mick Dawson) y los pre-punks de Christchurch, The Basketcases (Kean y
Walker). Pero ya han irrumpido en la floreciente escena en vivo de Auckland en
salas punk amigables, Zwines, Squeeze, Island of Real, State Theatre, The
Windsor Castle, Liberty Stage y Globe Tavern, en cartelera con los mejores
grupos de punk y new wave de la ciudad, incluyendo a The Scavengers, Proud
Scum, The Terrorways y The Primmers. Toy Love pronto se unirá a ellos en la
compilación de punk y new wave que definió una era, AK79, en el nuevo sello
indie de Auckland, Ripper Records, contribuyendo con dos excelentes y
frenéticas canciones pop: una versión temprana de "Squeeze" y
"Toy Love Song".
Toy Love también colaborará con grupos de R&B de pub de
Auckland, como Johnny and The Hookers, y con artistas de las emergentes escenas
post-punk de Wellington, Christchurch y su ciudad natal, Dunedin, en giras que
contribuirán a consolidar la viabilidad de un circuito nacional más amplio de
pubs y clubes que incluya centros más pequeños, como New Plymouth, Napier y
Hamilton, y a su aceptación por parte de grupos de ascendencia punk. Nunca
están tan solos como los describe Knox. Pero esa es la naturaleza del hombre y
su séquito, y de la época.
Toy Love se vio envuelto en Nueva Zelanda por un vibrante y
creciente movimiento cultural inspirado en el punk rock y sus consecuencias, lo
cual se refleja cada vez más en la diversidad musical que se encuentra en las
tiendas de discos y las listas de éxitos, así como en las actuaciones en vivo
que se realizan localmente. En lugar de estar en desacuerdo con ello, estaban
muy de acuerdo, aunque eso claramente no es rentable. Cuanto más desprecio se
dirigía al público en sus presentaciones y publicaciones, y en las letras
mordaces y brillantemente observadas de Knox y el sonido confrontativo del
grupo, más fans conseguía Toy Love. Lo sabían por la experiencia de The Enemy y
la escena punk británica que los inspiró.
La aceptación popular y crítica llegó rápidamente al primer
grupo punk de Dunedin. Fueron acogidos por las comunidades punk de Dunedin,
Christchurch y Auckland. Su set fue filmado por Radio With Pictures en
septiembre de 1978 en un teatro de Dunedin, parte del cual, "Iggy Told
Me", se emitiría con cierta frecuencia en televisión. La multitud que se
reunió en Mollet Street, el local punk de Christchurch, quedó maravillada con
ellos.
Su traslado a Auckland fue motivado no solo por una ambición
frustrada y un talento innegable, sino también por la insistencia de Derek
King, quien organizó los primeros conciertos que los consolidarían en la
ciudad. King también insinuó la posibilidad de incluirlos en un recopilatorio
de punk, algo que nunca se materializó.
Una vez allí, vivieron en una casa propiedad de Jamie
Jetson, de Idle Idol. Tampoco fueron despreciados por los rockeros callejeros
que los precedieron. Graham Brazier y Harry Lyon, de Hello Sailor, asistieron a
un concierto temprano de Enemy en Dunedin y comentaron favorablemente. A Todd
Hunter, de Dragon, ya lo conocemos.
La industria musical consolidada también tiene opiniones
favorables sobre Toy Love. WEA Records publica el primer sencillo de Toy Love
con el famoso sello Elektra y distribuye los discos posteriores. John McCready,
el experimentado director de CBS Records en Nueva Zelanda, se esforzó mucho
para contratar al grupo, al tiempo que elogiaba a AK79 (distribuido por CBS) en
Rip It Up por su melodía y composición.
Los mejores de Dunedin regresaban con frecuencia a la
ciudad, donde se formaron en 1977 como The Enemy y perfeccionaron su deseo y
estética. Una ciudad a la que Chris Knox, el creativo hijo único y adoptivo de
un corredor de bolsa de Invercargill, llegó en 1970 para una breve estancia en
la universidad, seguida de una serie de trabajos ocasionales y una degustación
cáustica de los discos y la música en vivo que la ciudad permite. Fue allí
donde reunió a un grupo de compañeros de viaje y perfeccionó su visión del
mundo estricta e inflexible, definida tanto por lo que no le gusta como por lo
que le atrae. Aun así, pasan siete años antes de que encuentre un vehículo
adecuado para su creencia, tras un encuentro fortuito con dos fans y músicos
adolescentes: el guitarrista Alec Bathgate, de la zona rural de Tapanui, y el
baterista Mike Dooley, el motor musical (junto con su amigo Knox, Mick Dawson)
detrás de su poder interpretativo inicial y sus letras.
Toy Love atacó y entretuvo al público de Dunedin en cuatro
visitas a lo largo de su corta trayectoria, casi siempre en el antiguo lugar de
reunión de Knox, la Captain Cook Tavern, cerca de la Universidad de Otago. En
octubre de 1979, el periodista y dueño de una tienda de discos, Roy Colbert,
acorraló a Knox para un artículo épico en Rip It Up, "Toy Love Week In
Dunedin", que elogiaba la actuación y el nuevo material del grupo, y
provocaba el premonitorio comentario (¿o es una profecía autocumplida?) del
cantante de Toy Love: que Australia compromete y acalla a las bandas
neozelandesas.
Regresaron en noviembre al Concert Chamber junto a sus
compañeros de Christchurch, The Androidss, y los emergentes punks de Dunedin,
The Same (con Martin Phillipps), Bored Games (con Shayne Carter) y The Terls,
lo que demuestra el papel de apoyo de Toy Love en el surgimiento de la
comunidad post-punk de Dunedin. La única banda que falta es The Clean, que está
repartida entre Auckland y su ciudad natal, y aún no se ha reagrupado.
A pesar de las dudas que aún tenían, Toy Love, con su fiel
equipo, Doug Hood, Chris Moody e Ian Dalziel, el artista de WEA Records,
Terence Hogan, quien impulsó el ascenso y la contratación del grupo, y sus
socios, estaban en Sídney el 9 de marzo de 1980. Tenían una residencia en el
Civic Tavern, un barrio céntrico, y un agente de reservas los colocaba en
locales de la ciudad.
No les quedaba nada por demostrar en Nueva Zelanda. «Rebel»
y «Squeeze» se convirtieron en vídeos para Ready To Roll, al igual que «Don’t
Ask Me». Fueron grabados en directo para Radio With Pictures en el Rock Theatre
de Wellington a principios de febrero de 1980 y fueron elegidos el segundo
mejor grupo de Nueva Zelanda en la encuesta de lectores de RIU. Fueron
teloneros de dos de los primeros turistas británicos, The Members y Squeeze.
Sydney, en marcado contraste, los vencerá con poco público (al principio), y,
lo que es más irritante para Knox, un genuino desinterés, que le roba su poder
desdeñoso.
La cobertura mediática en Australia será irregular, aunque
el grupo despierta interés en las principales publicaciones musicales
australianas, y un equipo neozelandés realiza un breve documental con un clip
en directo del punk-pop epiléptico "Sheep". El dinero escasea, y es
una época agotadora y, en última instancia, desilusionante.
Incluso cuando el tan esperado álbum, repleto de clásicos,
tanto antiguos como actuales, finalmente se graba, Toy Love no está contento. A
pesar de sonar bien al reproducirlo en el estudio, al prensarlo, el sonido es
turbio, aunque la voz positiva del grupo, Paul Kean, señalará posteriormente
los fallos en el disco maestro de corte para prensar discos de vinilo como
culpables tras escuchar la edición comercial en casete, de calidad superior,
reproducida con un método diferente. Esto se confirma en 2005, cuando el álbum
es remezclado por Dale Cotton para Flying Nun Records y reeditado como parte
del maravilloso doble CD Cuts.
Los miembros del grupo indican posteriormente su buena
acogida en Melbourne como un indicio de lo que podría haber sido si el grupo
hubiera estado radicado allí. ¿Y en Inglaterra? A mediados de los 80, Knox
declara al fanzine Garage que, de todos modos, habría sido demasiado tarde para
que tuvieran un impacto allí.
El álbum se lanzó en la segunda semana de agosto de 1980. De
vuelta en Nueva Zelanda ese mismo mes, los fans, ajenos a la agitación,
impulsaron el álbum al número 4 de las listas. Su mejor comentarista
contemporáneo, Roy Colbert, quien sabiamente los etiquetaría como "The
Stooges con melodías Beatles", le da a la colección de "poder
post-punk, pop puro, melodrama macabro, bop extraño y frenético, belleza sublime
y gélida, truenos de tres acordes, psicodelia caótica" una calificación
positiva en RIU, calificando las canciones más lentas y dramáticas como mejor
logradas, al tiempo que destaca una buena interpretación del clásico punk de
tres acordes "Pull Down The Shades", y material nuevo y emocionante,
incluyendo "Bedroom". Su tercer sencillo, «Bride of Frankenstein»,
alcanza el número 22 en las listas de éxitos, con las dos únicas canciones que
Chris Knox afirmará que le gustan en la otra cara: «Good Old Joe» y «Amputee
Song». La cara del éxito es una celebración de la cirugía, la ilusión y el
miedo a la cama de hospital. Como la mayoría de «Toy Love», tiene suficiente
variedad, cambio de ritmo, giros de humor y patetismo como para promover el
redescubrimiento con múltiples interpretaciones. Existen dos vídeos de la
canción, uno de ellos una brillante caricatura de Joe Wylie. Cuando «Amputee
Song» se grabó para un programa de actualidad de Dunedin en un cementerio
local, surgió la polémica, para deleite del grupo.
Mientras tanto, los fans de Toy Love acuden en masa para ver
la gira nacional del grupo. De regreso al norte del país, la banda se detiene
fatalmente en New Plymouth, donde, bajo la luz del sol, el agotamiento y la
frustración creativa los alcanzan y el grupo enfrenta su momento más oscuro. Ya
habían tenido dificultades durante la grabación del álbum, y ahora, como relata
John Dix en Stranded in Paradise, el baterista Dooley quiere tocar la guitarra.
Ante el cambio, Knox decide dejarlo.
La culpa de la ruptura recae sobre Mike Dooley, y pasarán
años antes de que tenga la oportunidad de expresarse. En declaraciones a la
revista Dunedin, Spec, en la década de 1990, el baterista de Toy Love afirma
que Australia lo agotó y que no hubo tiempo para desarrollar nuevas canciones que
impulsaran el futuro. También sentía que para entonces Knox actuaba para sí
mismo. Dooley, uno de los percusionistas más distintivos de la época, apenas
había cumplido 20 años cuando el grupo se separó.
Con el encargo de su amigo Joe Wylie de producir un
videoclip animado para "La novia de Frankenstein", el grupo, siempre
fiel a sus colegas, decide mantener la separación en secreto. Sus últimos
conciertos en Auckland son un éxito, que los fans podrán revivir en 2012 a
través de Live At The Gluepot, un doble LP publicado en el Record Store Day,
que alcanza el número 11 en las listas de éxitos de Nueva Zelanda. En él, el
grupo es infalible, su sonido es más punk y más stoogier que en cualquiera de
los discos originales, y los teclados de Jane Walker se destacan en la mezcla.
Nadie fuera del grupo y sus amigos cercanos sabe que el
final ha llegado, aunque si escuchas con atención una nueva canción en vivo
titulada provisionalmente "Fame", que aparece a principios de 1982 en
Goats Milk Soap como "The Second To Last Song Toy Love Wrote (With Ad-lib
Lyrics)", todo está ahí, en la letra: un grupo, entre la espada y la
pared, con el fin en la cara y el gran sueño de Inglaterra muerto a sus pies,
desafiando un sistema que solo habían abrazado a medias, sangrando un blues
lento y corrosivo, acorralados y listos para salir corriendo. El estertor
final.
Y ahí termina todo durante muchos años.
En noviembre de 2012, tres años después de que Chris Knox
sufriera un derrame cerebral casi debilitante, Toy Love recibió el Premio
Legacy del New Zealand Herald en los Premios Vodafone de la Música de Nueva
Zelanda, y un álbum doble en vinilo en vivo, Live At The Gluepot, y una
reedición en vinilo extraída de su compilación de 2005, Cuts, escalaron las
listas de éxitos de Nueva Zelanda.
Jane Walker, la innovadora teclista de la banda y una de sus
varias diseñadoras gráficas, falleció de cáncer el 11 de octubre de 2018 a los
61 años.
A este le precedió ‘’Sheep’’ tema que el grupo neozelandés Toy love incluyeron cerrando su único homónimo E.P.
Registrado en 1980 este vio la luz a través del sello Deluxe
Records ese mismo año.
Tras la separación de una de las primeras bandas punk de
Nueva Zelanda, The Enemy , en enero de 1979, los miembros restantes, Chris
Knox, Alex Bathgate y Mike Dooley, formaron una nueva banda llamada "Toy
Love".
Formada por Chris Knox (voz), Alex Bathgate (guitarra), Mike
Dooley (batería), Jane Walker (teclados) y Paul Kean (bajo).
Sus primeras grabaciones quedaron recogidas en un primer
single registrado en 1979.
Además de este cuentan con:3 Singles más,un E.P.,un álbum de
estudio y otro más registrado en vivo.
Posteriormente a la grabación de su único álbum al parecer,
los miembros de la banda quedaron horrorizados por la mezcla de las canciones,
que atenuaba el sonido deliberadamente crudo de la banda.
Tras mudarse a Australia en 1980, regresaron a Nueva Zelanda
ese mismo año y se separaron.
https://www.discogs.com/es/master/1016151-Toy-Love-Toy-Love
Formada en abril de 1979, The Steroids tocaba un estilo
post-punk bastante convencional, complementando su repertorio con versiones
selectas de artistas como Wire, Gang Of Four y los primeros Cure. Compuesta por
Andrew Dray (ex-52 y antiguo miembro de The Amps – bajo/voz), Alan Jimson
(guitarra/voz) y Robbie Holmes (también ex-Amps – batería), la banda fue una
figura destacada en la escena punk inicial de Wellington.
Jansson empezó a tocar la guitarra con la banda de punk/new
wave de Wellington, The Steroids, a finales de los 70. Originalmente se
formaron con cinco miembros, pero, según él, "lo convirtieron en un trío,
porque era más fácil de gestionar y mover". La banda grabó tres sencillos
de forma independiente (uno con Bunk Records y los otros dos con su propio
sello, distribuido por CBS), lo que le dio a Jansson su primera experiencia en
el estudio.
El debut en directo de The Steroids fue impresionantemente
sonado: abrieron para la banda estadounidense Cheap Trick. Citizen Band, la
banda telonera local prevista, no había llegado desde Auckland porque su camión
se averió. Rick Nielsen, guitarrista y líder de Cheap Trick, felicitó a Jansson
por su actuación, y Jansson tomó nota de su actitud. Me di cuenta de que este
hombre no solo es un artista, sino también un hombre de negocios increíble.
Primero se encargó del aspecto comercial. Cheap Trick no surgió de la nada.
Todo estaba planeado de antemano, y eso me hizo darme cuenta de que tuvimos
mucha suerte, y estos chicos llevaban años en activo.
Pusieron a los dos chicos guapos al frente, organizaron todo
el aspecto comercial, y nunca me di cuenta de todo lo que implicaba hasta que
vi eso. Ese fue nuestro primer concierto, nuestra entrada al mundo real. Me di
cuenta de que nunca iba a suceder en Nueva Zelanda, así que mejor
disfrutémoslo.
Hicieron una gira extensa y lograron conseguir un buen
número de seguidores fuera de los principales centros. Jansson recuerda:
«Teníamos algunos lugares populares, como Whakatane, donde The Steroids solía
llenarse. Y en Ohope Beach, Palmerston y Nelson, en un montón de sitios,
teníamos muchísimos seguidores en esos pequeños rincones. Podíamos ir a todos
esos pequeños centros y conseguir un público realmente bueno».
Pero la gira con The Steroids le resultaba agotadora,
tocando las mismas canciones una y otra vez. "Me frustraba mucho tener que
decirle al baterista: 'Esto es lo que queremos, ¿puedes hacer esto?'. Y ellos
respondían: 'Sí, puedo hacer eso', y te frustrabas muchísimo, y a la mayoría de
los bateristas les gusta terminarlo y salir con sus amigas o lo que sea que
estén haciendo".
Y fue entonces cuando descubrió las cajas de ritmos.
Un día, uno de sus amigos lo llamó al Ayuntamiento de
Wellington: "Mejor ven a ver esto", para ver a la banda británica Ultravox
hacer la prueba de sonido. "Lo que realmente me sorprendió fue que su
baterista pasó unos quince minutos probando su batería y una hora y cuarto
probando su caja de ritmos. Fue entonces cuando pensé: 'Esto es definitivamente
el futuro'".
Jansson consiguió una caja de ritmos CR78 y luego consiguió
la primera caja de ritmos Roland TR-808 que llegó a Nueva Zelanda.
"Solíamos tocar con ella durante horas, y al alimentar la pista de clic de
la caja de ritmos, podíamos crear un ensanchador de pulsos que Marcus Wilson
construyó para nosotros. Así, podíamos ensanchar el pulso de la pista de clic y
alimentarlo a otros sintetizadores con entradas CV [voltaje de control]. A
partir de ahí, conseguíamos un sonido 'digga digga digga', ¡y era
divertidísimo! Lo que realmente me asombró fue que simplemente subías al
escenario, le dabas al play y hacías sonar la batería a tiempo, conseguías ese
'digga digga digga', y antes de que hicieras nada, ¡la gente ya estaba
bailando! Me pareció genial. Y luego le añadiste un toque de color".
De las cenizas de The Steroids, Jansson formó The Body
Electric con Andy Drey y Garry Smith como vocalistas. El sencillo debut de la
banda, "Pulsing" (1982), grabado en la Broadcasting House de RNZ,
estuvo en las listas de éxitos de Nueva Zelanda durante ocho meses y fue uno de
los primeros discos producidos localmente en convertirse en un éxito en los
clubes aquí.
Nos habría encantado que [‘Pulsing’] hubiera sido disco de
oro. El sencillo se siguió vendiendo, pero nunca recibimos regalías porque
llegamos a un acuerdo con Jim Moss [de Jayrem Records] según el cual cualquier
dinero —no sé cómo funcionó—, lo que pasó fue que fuimos la Banda del Mes de
ZM, y por eso recibimos grabación gratuita; grabamos tres canciones gratis, y
ese fue el EP de ‘Pulsing’.
Jim dijo: «Lo publicaré a ver qué tal va», y resultó ser el
sencillo más vendido que ha tenido en Jayrem. Dijo que las regalías que ganemos
con esto las destinaremos a un álbum.
Durante unos tres o cuatro meses, estuvo en los puestos más
bajos de las listas, y luego [los DJ de Auckland] Simon Grigg, Peter Urlich y
Mark Phillips lo captaron en A Certain Bar, y empezaron a arrasar, y subió
directo al número 8, lo cual fue una verdadera sorpresa. Demostró el poder que
tenían esos chicos en la escena de Auckland por aquel entonces. Porque todo el
mundo debía de ir allí, porque yo nunca había estado allí en mi vida.
Fuimos a tocar a A Certain Bar [después de que lo
vendieran], y el lugar estaba horrible y destartalado. Y Barry Jenkin se
acercó, recién despedido de Hauraki, y desactivó la banda mientras tocábamos.
Recuerdo que el técnico de sonido se le echó encima y casi
fue una pelea a puñetazos, porque podría haber dañado el sistema de sonido o
algo así. Y Barry Jenkin se dio la vuelta y dijo: "¡Son bandas como
ustedes las que me costaron el trabajo!".
Después de que Drey se fuera, Wendy Calder, de The Spines,
se unió al bajo. "Wendy era genial... Se especializó en violín, así que
entendía todo el aspecto musical que Garry y yo no entendíamos. Fue muy fácil
hacer un álbum con ella, pero trabajamos mucho en ese álbum, y la crítica
simplemente lo destrozó. Aun así, se vendió bastante bien; en aquel entonces,
se vendieron unas 5000 unidades, lo cual estuvo bastante bien".
El álbum debut de la banda, Presentation And Reality, se
lanzó en 1983. «Cuando salió ese álbum —y puedes publicarlo— sonaba a mierda.
Parecía que lo hubieran metido en una lata o algo así. De hecho, todavía
conservo casetes que suenan mejor, grabados en nuestra sala de ensayo, con un
ghetto blaster. Sigo odiando a esos tipos [de Marmalade Studios] por eso, y me
da igual lo que digan».
The Body Electric se mudó a Auckland porque les habían
ofrecido tiempo de estudio gratis en Harlequin Studio, pero en ese momento
Jansson se estaba recuperando de un grave accidente de coche. Fue entonces
cuando pensé: "Ya no quiero hacer esto, ni de lejos quiero salir de gira.
Odiaba salir de gira con los Steroids y ahora estoy haciendo todo de nuevo con
Body Electric". Eran Mike Corless y Benny Levin quienes nos daban los
conciertos, Dios los bendiga, y eran buenos conciertos, pero simplemente no era
lo que quería hacer. Disfruto del ambiente del estudio, porque lo haces para
que todos puedan escucharlo para siempre.
Las primeras influencias de Jansson fueron los Stooges y
MC5: el punk antes de que existiera. También escuchaba mucho a Tangerine Dream,
Edgar Froese, la banda sonora de Kamikaze 1989. "Nunca llegué a verlo,
nunca lo encontré por ningún lado; [Rainer Werner] Fassbinder lo produjo y
protagonizó. Me encantan los temas, 'Snake Bath', 'Vitamin C', y solía pensar:
'¡Caramba, qué preciosidad!', era todo ese tema de teclados monofónicos.
"Lo único que realmente se me ocurre [como influencia
en Body Electric] —nos gustaba Kraftwerk por aquel entonces, a todo el mundo le
gustaba—, pero los primeros temas de Human League, como 'Empire State Human' y
'Being Boiled', eran ese tipo de temas. Me gustó especialmente su canción,
"Circus of Death", que estaba en un recopilatorio [del sello Fast
Product], y tenía a The Mekons, Gang of Four, Human League y algunos otros, y
todos esos temas se grabaron en cuatro pistas.
"Fueron muy influyentes, pensé: 'Qué bien'. Y
"Being Boiled" estaba ahí. Descubrí que Human League tenía un
generador de ritmo y que a menudo captaban pulsos extraños, así que siempre se
descomponían. Así que podían tener este 'din din din din' y cada ocho o
dieciséis veces podían hacer 'din din din din click din din din din click',
añadirle una señal de ruido blanco, y eso era genial.
Y lo que pasó fue que, por desgracia, todo aquello se acabó.
Y eso fue lo que acabó con Body Electric: que de repente llegaron todos los
teclistas y apareció algo horrible. Nunca lo olvidaré: Roland nos invitó a un
evento y fuimos, y fue lo más repugnante que jamás hayas visto. Se llamaba
MIDI. Y yo lo llamo 'Muchos idiotas lo desean'. Y lo que hizo fue permitir que
los teclistas se convirtieran en superestrellas de la electrónica; fue
horrible. En cierto modo, lo arruinó todo para mí. Eso siempre pasa, es como el
drum'n'bass, era genial hasta que todos los músicos de jazz se subieron a él y
lo arruinaron por completo.
Con Garry Smith de Body Electric, Jansson montó Module 8
Studio. Pidió mucho dinero prestado, se compró un Fairlight y montó el estudio
en una gran casa de diez habitaciones detrás del antiguo local de Real Groovy
en el 438 de Queen Street. Descubrió el Fairlight a través de Harlequin
Studios, cuando el dueño, Doug Rogers, compró uno para tres álbumes que estaba
grabando para su sello Ze Disc, con The Exponents, Hello Sailor y Roy Phillips
(anteriormente de The Peddlers).
“Shona Laing me contactó e hice ‘Drive Baby Drive’ —unos cuatro temas con ella— y luego Stephen McCurdy me contactó y terminé haciendo cuatro grandes proyectos con él. Después, Dave McArtney me llamó e hice Queen City Rocker con él. Para entonces, la máquina ya se había amortizado. Pero tenía que estar allí para proporcionársela a la gente, y ellos simplemente me daban información MIDI sobre lo que querían y yo les proporcionaba los sonidos”. También en Module 8, Jansson escribió y produjo el primer disco de house de Nueva Zelanda, ‘Jam This Record’, en 1987, con la colaboración de James Pinker, Dave Bulog y Simon Grigg.
‘’Out of control’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo de la banda neozelandesa procedente de Wellington The Steroids.
Incluido cerrando al cara a de su primer single al que
titularon Mr Average.
Registrado en 1980 este salió a la calle de manos del sello White
Light Records ese mismo año.
Fundados a principios de 1980 formado por Alan Jansson (voz,
guitarra), Andy Drey (bajo) y Robbie Holmes (batería).
Sus primeras
grabaciones quedaron recogidas en un primer single ese mismo año.
Además de este cuentan con 2 singles más.
Poca es la información que hay acerca de este grupo que
destilaban un AfterPunk de oscuras melodías en una incipiente escena en plena
ebullición.
https://www.discogs.com/es/master/1680388-The-Steroids-Mr-Average
En 1981, todo se alineó y todo marchaba bien en el universo
de Phil Judd, mientras él y los demás miembros de su banda, The Swingers (Bones
Hillman y Buster Stiggs), veían cómo su último sencillo ascendía en las listas
de éxitos.
Con su intro con riffs de tictac absolutamente únicos y su
perfecta amalgama de sarcasmo mordaz, ritmos potentes y pop puro, «Counting The
Beat» se disparó al número 1 a ambos lados del Tasman, copando el Top 10
australiano durante 13 semanas y acumulando unas ventas extraordinarias de más
de 100.000 copias. Algo inaudito.
Lamentablemente, el grupo de Judd, The Swingers, no logró
encontrar una secuela ganadora para aquel éxito rotundo, y rápidamente serían
descartados como éxitos de un solo éxito, junto con otras novedades momentáneas
de la nueva ola como The Motels («Total Control») y The Knack («My Sharona»).
Más de 30 años después, todavía parece injusto que el grupo flaqueara tan
rápidamente y que posteriormente tuviera un final tan indigno e ignominioso.
Hay demasiados "qué hubiera pasado si..." que considerar.
Al menos el público local sabía la verdad: lejos de ser un
grupo monotemático, The Swingers se habían forjado desde su formación a
principios de 1979 una formidable reputación como un grupo en vivo sólido que
se negaba a tocar nada que no fuera su propio, convincente y original material.
Pero de alguna manera, y rápidamente, justo cuando el trío debería haber estado
en su apogeo, todo se desmoronó; y nadie pareció darse cuenta.
Pero retrocedamos aún más en el tiempo (preséntese a las
desorientadoras fluctuaciones de la señal ondulante en un viejo y genial
televisor en blanco y negro para indicar un «viaje en el tiempo»).
Probablemente no haya existido una figura más enigmática del
pop neozelandés que Phil Judd, nacido en Hastings, en Hawke's Bay, pero cuya
trayectoria musical comienza en Auckland en 1971, cuando estudiaba artes
visuales en Elam. Fue allí donde conoció a Tim Finn y Noel Crombie, y esa
asociación, con el paso del tiempo, dio origen a Split Enz.
Tras abandonar a Enz en Londres en 1977, reincorporarse y
volver a abandonarlos en 1978, Judd había anunciado su desencanto con la escena
musical y su intención de explorar una carrera en la pintura cuando se vio
atraído por el tumulto de la floreciente escena punk de Auckland, expresando su
amor por la banda de Chris Knox, The Enemy, y produciendo, para luego unirse
brevemente, a los Suburban Reptiles. De hecho, se le puede ver cortando
furtivamente su guitarra en el video de su canción "Saturday Night Stay At
Home", un punto culminante de los sencillos punk de Nueva Zelanda.
Entonces, sucedió lo aparentemente imposible: en marzo de
1979, Phil Judd formó The Swingers a partir de las cenizas de los Suburban
Reptiles, reclutando a su antiguo compañero de la escuela de Hastings, Buster
Stiggs (alias Mark Hough) y Bones Hillman (alias Wayne Stevens), para formar el
trío pop perfecto.
Aunque el movimiento punk había comenzado a revitalizar la
escena local, los bajos de tan solo unos años atrás aún impactaban en la
industria y el público en general. El público, en general, sentía que las
bandas locales eran inferiores a las extranjeras, y se suponía que debían
demostrar su sumisión interpretando obedientemente versiones de éxitos
internacionales. Los Swingers, posiblemente inspirados por Split Enz, se
negaron a tocar nada que no fuera su propio material. La recepción a material
inédito fue desigual: solo ocho personas acudieron a verlos en Timaru un sábado
por la noche, y una docena aproximadamente en Wellington. Realmente se puede
sentir la impresión de presenciar una banda local completamente original a partir
de una historia en el Otago Daily Times del 12 de diciembre de 1979, escrita
sobre la segunda gira del grupo: "No hay versiones de The Swingers: o
aprendes a disfrutar de su estilo de música o te vas".
El debut en vivo del grupo, tras cinco meses de intensos
ensayos, fue como teloneros de Split Enz, donde fueron rotundamente ignorados
por el público, tratados como escoria por los roadies y con pésimas mezclas de
sonido. El resultado, sin embargo, fue una residencia de dos meses en Liberty
Stage, un pequeño local de la calle Symonds, que les permitió crear una
audiencia y dar conciertos regulares en los alrededores de la ciudad, además de
un par de giras nacionales.
Su repertorio estaba repleto de canciones post-punk
contundentes que, de alguna manera, evitaban los clichés. Concisas y precisas,
y basadas en la interacción rítmica de solo tres músicos y la cáustica e
incomparable firma vocal de Judd, las canciones estaban llenas de estribillos
para cantar a coro, pero también los ridiculizaban. Con The Swingers, nada era
lo que parecía, y como en las canciones pop más ingeniosas de generaciones
anteriores, siempre había un toque de autosátira y autoconciencia que los
diferenciaba de la fanfarronería estúpida de los new wave del pub-rock.
Desgraciadamente, desde el principio se vislumbraron el lado
menos alegre de Phil Judd y rasgos de carácter temperamental que a menudo
arruinaban un buen trabajo. El exbajista de Split Enz, Mike Chunn, ha señalado
que Judd no era dado a conversaciones triviales y se sentía incómodo en
situaciones sociales. "No era un personaje sociable. Le costaba ser
sociable. Yo era el Sr. Agorofobia y él el Sr. Antisocial".
El historiador musical neozelandés John Dix escribió que, en
las presentaciones en vivo de The Swingers, Judd no tenía ninguna conexión con
el público y les daba la espalda entre canciones, dejando que Buster se
encargara de bromear desde la batería. Si bien The Swingers eran considerados
una propuesta sólida en vivo y eran particularmente populares en Christchurch,
no era por el espectáculo ni por su presencia en el escenario, sino por la gran
calidad de las canciones y la energía de sus actuaciones.
Al principio, el trío grabó varias maquetas en Mascot Studio
con su selección de 20 canciones originales; pruebas que nunca vieron la luz
oficialmente. Meses después, volvieron al estudio con Mike Chunn como productor
para grabar «One Good Reason», publicada por el sello independiente Ripper (con
distribución a través de CBS). Alcanzó un respetable número 19 en las listas
locales en abril de 1980, un modesto logro que no refleja el estatus legendario
que esta canción aún conserva entre los aficionados a la música pop neozelandesa.
A partir de ese momento, el tiempo se estancaría para The
Swingers, quienes habían comenzado a recibir las insinuaciones del director de
la australiana Mushroom Records, Michael Gudinski. Poco después, en julio de
1980, se marcharon a Melbourne, donde, en un partido inesperado, actuaron como
teloneros de la aburrida banda australiana de rock Sports, y comenzaron a
trabajar con el productor e ingeniero inglés David Tickle, quien había
revitalizado con éxito la carrera de Split Enz el año anterior. El resultado
fue una regrabación de «One Good Reason» y la canción que los definiría y se
convertiría en su lastre: «Counting The Beat». No podían saberlo, pero antes
incluso de que se lanzara ese éxito masivo, ya habían sembrado la semilla de su
destrucción. Grabada en julio de 1980, la mezcla final de la canción estuvo
lista en noviembre, pero no recibió luz verde hasta enero de 1981. El resto es
historia.
Pero mientras tanto, Judd y Hillman habían luchado por
sobrevivir en un destartalado piso de Fitzroy Street, mientras que Stiggs vivía
con relativo lujo con Neil Finn y Noel Crombie, lo que resultó en el
distanciamiento del batería y su rápida expulsión. Mientras Stiggs consiguió
trabajo en la exitosa banda australiana The Models el día que dejó The Swingers,
Ian Gilroy, quien había reemplazado a Bruno Lawrence en The Crocodiles, se unió
a The Swingers justo a tiempo para las sesiones de su álbum debut. Todas las
demás canciones inéditas que el público neozelandés había aprendido a amar
fueron descartadas y se creó material nuevo para el álbum. Pero si bien
"Counting The Beat" fue un fenómeno por sí solo, los intentos de
seguir con éxitos fracasaron.
En la sección de comentarios en línea de la entrevista de
Simon Sweetman con Phil Judd en 2009, Buster Stiggs demostró que la enemistad
sigue viva y latente. “Juddzy y yo nos conocíamos desde la escuela secundaria y
éramos un gran equipo”, escribió. La magia que produjimos en nuestros dos años
de composición fue prácticamente desechada por Juddzy, quien decidió componer
una nueva tanda de canciones para el álbum The Swingers. Lo único que lamento
de The Swingers es que todas esas grandes canciones iniciales nunca se grabaron
correctamente y no aparecieron en el álbum: «All Over Town», «The Jinx», «Over
The Teacups», «Baby», «Shoana», «Work Here», «Louisa». Estas fueron las
canciones que consolidaron a The Swingers como la banda más popular de Nueva
Zelanda. Se probaron con éxito en el público de los pubs y luego se descartaron
para el álbum. En efecto, esos dos años de esfuerzo y dedicación para crear ese
repertorio original no sirvieron de nada. Un álbum con esas canciones habría
tenido más impacto que las que Juddzy compuso a toda prisa para The Swingers.
Sonaban como si la pista rítmica fuera una caja de ritmos; no había energía ni
vibra de banda. Una pena, una pena.
Tras el espectacular éxito de "Counting The Beat"
(lanzado el 19 de enero de 1981), el grupo actuó por toda Australia, pero todo
el mundo solo quería escuchar el éxito. Para cuando "It Ain't What You
Dance, It's The Way You Dance It" se estrenó en junio, la magia había
desaparecido, con pésimas ventas en Australia y un éxito moderado en Nueva
Zelanda. Un tercer sencillo, "One Track Mind", no tuvo mucho mejor
rendimiento. El álbum Practical Jokers recibió críticas mixtas y tuvo ventas
moderadas, y cuando el grupo realizó una gira por Nueva Zelanda más tarde ese
mismo año, se mostraron cansados del viaje y hoscos, a pesar de un equipo de
sonido y una puesta en escena excepcionalmente buenos. Los vi en el teatro St
James de Wellington, donde no lograron conectar con el público, parecían haber
alcanzado un estallido de rock australiano, y el público se dirigía
constantemente hacia las salidas durante toda la actuación. A finales de ese
año, Andrew Snoid/McLennan (Whizz Kids, Pop Mechanix, Coconut Rough) fue
reclutado como vocalista y teclista, una decisión extraña que cambió por
completo el sonido del grupo e inevitablemente llevó a Judd a despedir a toda
la banda, poniendo fin a la saga de The Swingers en mayo de 1982.
La triste historia de The Swingers termina ahí, aunque
«Counting The Beat» resurgió como banda sonora de un anuncio de televisión en
los 90, y en 2001, la canción ocuparía el cuarto lugar en la lista de las
«Mejores Canciones Neozelandesas de la Historia».
Mientras tanto, la fascinante odisea de Judd continúa, con
muchos fans aclamando su figura como nuestro genio musical perdido (o el
mismísimo Syd Barrett neozelandés). Al igual que el éxito internacional que los
neozelandeses esperaban de Hello Sailor y Straitjacket Fits, el fracaso de The
Swingers a la hora de conquistar el mundo sigue siendo uno de nuestros sucesos
más desconcertantes.
¿El legado cultural de The Swingers? Sin duda, fueron la
banda pop neozelandesa más inteligente y singular de la época. Y bajo los
ganchos, los ritmos tensos y el extraño y vulnerable gemido de la voz de Judd,
había suficiente psicosis pop pura como para construir una tesis. Tras una
larga lucha contra la mala salud, Buster Stiggs falleció el 7 de enero de 2018,
y Bones Hillman falleció en su casa de Milwaukee el 7 de noviembre de 2020.
Phil Judd, en su página de Facebook, escribió: «Mi antiguo compañero de banda,
Bones Hillman (Swingers/Midnight Oil), falleció hoy. Era una gran persona y un
bajista increíblemente intuitivo. Los ensayos y conciertos de los Swingers eran
lo mejor de mi vida musical. Improvisar era el paraíso... cada vez que
improvisaba, ambos conectaban al instante... ¡era una locura! Comparado con
Split Enz, donde todo había sido lento y laborioso, Bones y Buster nunca
carecían de energía y entusiasmo desbordante».
Continuamos con el siguiente bloque del programa de esta noche para lo que nos situamos en Auckland desde allí nos llega nuestro siguiente grupo de la noche,esta lleva por nombre The Swingers.
La banda de Phil Judd, nacida tras su separación de Enz,
surgió de las cenizas del grupo Suburban Reptiles, en abril de 1979, después de
que Judd produjera su último sencillo
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un primer
single registrado en 1980.
Además de este cuentan con:2 Álbumes de estudio y 7 singles.
Su sencillo de enero de 1981, "Counting The Beat",
fue un éxito rotundo en Australasia y aún se escucha en radio y televisión en
toda Nueva Zelanda y Australia.
En cuanto a su sonido estos irradian un Punk con mucho toque
nueva ola y buenas dosis de melodías Pop.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su primer
single al que dio título.
Registrado en 1980 este salió a la calle bajo el brazo del
sello Ripper Records ese mismo año.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’One good
reason’’.
https://www.discogs.com/es/release/917808-The-Swingers-One-Good-Reason
Warwick Fowler era estudiante de primer año en la
Universidad de Auckland y un guitarrista adicto a la distorsión. Ya conocía
bien a The Stooges, MC5 y New York Dolls cuando a principios de 1978 vio un
anuncio del futuro John Atrocity (Jenkins), que buscaba formar un grupo punk.
Fowler, quien adoptó el apodo punk de Warwick Hitler, había
visto un concierto caótico de los Suburban Reptiles en el Teatro Maidment de la
Universidad de Auckland y no le impresionó. Pero en el antro punk Zwines, en el
centro de la ciudad, vio y escuchó un sonido punk rock mucho más a su gusto en
The Scavengers y The Stimulators.
Hitler: «John se había asociado con Jonathan Jamrag, quien
tocaba el bajo en Rooter. No hacían el tipo de cosas que Jamrag quería hacer. A
él le gustaba el hardcore punk, y Rooter hacía música de los 60, así que lo
dejó». Cantar, no tocar el bajo. Eso lo retomó otro habitual de Zwines,
Alistair Rabbit (Duguid), otro estudiante de primer año de universidad, que
había visto el furor sensacionalista que armaron The Scavengers y asistía a
bailes punk.
Los recién bautizados Atrocities debutaron en mayo de 1978
en Zwines. Hitler: «Tuvimos que pagar para entrar, pero nos dieron 50 dólares,
lo cual estaba bastante bien para la época. Tocamos «Anti-Social», «War Criminals»
y una canción de Jamrag que Rooter no quería tocar, llamada «A Bomb On Tonga».
Jamrag tenía una presencia impresionante: alto, delgado, de
aspecto bastante amenazante y con una mirada psicópata. Tenía una fuerte
presencia punk en el escenario, como Johnny Rotten. Era el verdadero eje
central de la banda y había sido el más punk de Rooter».
Zwines, el club punk de mala muerte de Queen City, se
encontraba en una antigua discoteca de los años 60 y 70 en Durham Lane East, y
fue la incubadora perfecta para la escena punk. Acercó a los punks de Auckland
lo más posible a la calle.
Hitler: “Había muchas chicas fugitivas, heroinómanos, un
grupo heterogéneo, no solo niños ricos. Había algunos psicópatas de verdad,
mucha gente bastante violenta, mucha indumentaria nazi. Me amenazaron con una
escopeta a la salida de Zwines.
“Tuve problemas con The Headhunters, una banda callejera
étnica de Auckland. Estaba en el callejón de Zwines sacando cosas de mi coche,
cuando un tipo con un abrigo largo sacó una escopeta, me apuntó y me dijo: ‘Más
te vale rezar, porque esta noche vas a morir’. Le dije: ‘Me importa un bledo’,
porque en aquella época no me importaba. Simplemente se rió y se fue.”
Hubo otro concierto con Get Smart en el Masonic Hall de
Newton, donde no invitamos a The Terrorways (como se llamaban ahora Rooter) a
tocar. John No-One (vocalista de Terrorways) y su hermano Wayne vinieron,
destrozaron el lugar y causaron muchos daños. Había puertas derribadas y
muebles destrozados.
Con el creciente desacuerdo entre el agresivo Hitler y los
izquierdistas Atrocity, Jamrag se fue a Australia y el grupo se disolvió.
El abrasivo Hitler, uno de los mejores guitarristas de los
escenarios punk de Auckland, regresó pronto con The Aliens, un grupo más
extravagante que incluía a Al Rabbit (bajo), Keith Bacon (compañero de piso de
Hitler) a la guitarra, Tommy Vomit a la batería (reemplazado por Jamie Jetson
(Julie Curlette) de The Idle Idols) y Craig Clash, DJ de Zwines y gay
extrovertido, alias Brutus D Grading (Craig Emery), al frente.
Hitler: “Craig Emery llevaba un collar de perro con
tachuelas y una cadena al hombro. Parecía un punk impresionante. Hacíamos
canciones originales, además de versiones, incluyendo canciones de David Bowie
como ‘Diamond Dogs’ y ‘Suffragette City’. The Aliens tocaron en la “Radio
Hauraki Rock Battle” en el Trillo’s Ballroom a finales de enero de 1979, donde
destrocé mi guitarra, y Julie tenía el pelo verde y llevaba una bolsa de basura
negra y una cadena alrededor de la muñeca”.
Los Aliens nunca llegaron a tocar, sobreviviendo apenas tres
meses, de noviembre de 1978 a febrero de 1979, tocando principalmente en
Zwines. Con Jamrag de vuelta en Auckland, dos grupos surgieron de la confusión
en marzo y abril de 1979: Spelling Mistakes de Hitler y Bacon, y Proud Scum con
Al Rabbit, Jamrag, John Atrocity y el nuevo batería Bruce Diode (Hoffman),
hermano menor de Pete Mesmer de The Terrorways.
Con la intención de darle una última oportunidad al punk,
Hitler vio a los hermanos Hanson, Nick y Julian, en el Windsor Castle, un pub
de Auckland, una noche de marzo de 1979. Los Hanson, cantantes y bateristas,
eran justo lo que necesitaba, y estaban disponibles. Su grupo, Get Smart,
habituales de Zwines, se había disuelto. Con Bacon al bajo, se convirtieron en
The Spelling Mistakes.
Tras dos meses, Keith Bacon abandonó el barco para formar
The Secret Agents, dejando atrás su emblemática canción punk «Ergophobia». Su
sustituto fue Nigel Russell, compañero de Nick Hanson en Selwyn College y
hermano mayor de Harry Ratbag (de Herco Pilots).
«Nigel era irregular, tartamudo y venía de Remuera», dice
Warwick Hitler. También era un excelente bajista y un buen cantante. The
Spelling Mistakes tocaron donde pudieron. Sus primeros conciertos fueron en el
corazón punk de la ciudad, en Zwines, a mediados de mayo. Dos noches con Proud
Scum y luego en el HQ Rock Cafe de Upper Queen Street para una residencia de
una semana.
Julian Hanson: “Había un montón de sitios pequeños donde tocar:
el Castillo de Windsor, el Castillo de Edimburgo, Squeeze, Mainstreet, Island
of Real, Gluepot… muchísimos. El Hotel Occidental en Vulcan Lane era diminuto.
Cuando la gente iba al baño, el bajista tenía que levantar el mástil de su
guitarra para dejarlos pasar. Tocábamos abajo, al fondo del pequeño bar, en un
escenario diminuto con una estantería encima para los altavoces”.
The Spelling Mistakes no eran ajenos a los conflictos y la
controversia. Ver a Warwick Hitler enfurecido en un antro punk de mala muerte
en Auckland podía poner pálido a cualquiera, sobre todo si había provocado su
ira. Los propios miembros de su banda no eran inmunes.
“La gente siempre criticaba mi aspecto”, dice Hitler, “pero
en cuanto empecé a llevar uniforme nazi, la gente se calló la boca. Desde el
punk, todo el mundo lo hacía. Mucho punk se centraba en escandalizar a la
gente, y mucha gente creía que lo superficial pasaba por la cabeza. Era una
broma, pero mucha gente no lo entendía”.
También le gustaban las letras mordaces y temáticas, así que
cuando un avión de Air New Zealand se estrelló contra el Monte Erebus en el
continente antártico el 28 de noviembre de 1979, matando a todos a bordo, una
canción que culpaba a Air New Zealand no estaba lejos. Se unió a melodías tan
mordaces como «Germany» (que elogiaba al estado nazi) y «Moscow» (que apoyaba
el boicot occidental a los Juegos Olímpicos de Moscú) en el extenso repertorio
de The Spelling Mistakes.
Si el objetivo de Hitler era indignar, con «Erebus» recibió
una dosis doble. En un espectáculo único en un elegante internado de niñas, el
grupo no sabía que estaban tocando para las hijas del piloto del avión [que
inicialmente se pensó que era la causa del accidente] y el director de Air New
Zealand.
Hitler: “Los abogados de Air New Zealand me llamaron y me
exigieron una copia de la letra. Dijeron públicamente que fue un error del
piloto, pero la canción culpó a Air New Zealand”. Resultó ser cierto. Hitler
nunca envió la letra y el asunto se diluyó.
Con la acumulación de originales, The Spelling Mistakes
concertaron su primera sesión de grabación en Mascot Studios con el ingeniero
Steve Crane para el 2 de diciembre de 1979. Grabaron cuatro canciones: Fowler
contribuyó con «Stingy», con un toque punk de Detroit, y «Hate Me, Hate Me».
Julian Hanson contribuyó con el lamento geek «No Contact» y «I Want You»,
interpretada por Nigel Russell.
Era una colección sólida, pero no estaba destinada a
publicarse en ese momento, aunque «No Contact» tuvo cierta difusión en radio
como demo, lo que resultó en un mayor número de público en vivo. Esto también
llamó la atención del manager Larry Young, de Sunset Promotions, quien reservó
el Windsor Castle, que por aquel entonces era un local activo para bandas
nuevas en Parnell. Young empezó a contratarlos para Mainstreet, el nuevo club
para menores Squeeze en Fanshawe Street, el Liberty Stage y The Gluepot.
En marzo de 1980, The Spelling Mistakes entraron en Mandrill
Studios con el DJ Bryan Staff de 1ZM para grabar un tema para un sencillo
compartido con The Whizz Kids en su sello Ripper Records. El resultado,
"Reena's Piss Flaps", fue una oda contundente a la anatomía femenina
de la irónica pluma de Warwick Hitler.
"Todas las chicas de las botas solían levantar la mano
y preguntar: '¿Puedo ser Reena esta noche?'", recuerda Nick Hanson.
"Eran bastante jóvenes e inocentes, la verdad. Le partían la cabeza a la
gente, pero eran bastante tontas y jóvenes. Reena era Rena Owen, ahora una
actriz famosa, un personaje alocado en la escena, una chica de las botas
escandalosa en aquel entonces. Rena dijo que sí a su nombre en la grabación. Se
convirtió en nuestra canción estrella enseguida. A todo el mundo le
encantó".
"Me sorprendió que no se convirtiera en un himno
lésbico", dice Hitler. "Pensé que sería buena idea grabarla. Algo así
nunca se tocaría". A pesar de lo controvertida que fue la letra de la
canción en los cómics, fue la música —country de mala calidad de Nashville— la
que causó mayor impacto.
Cuando finalmente se lanzó «Reena» en agosto de 1980, la New
Zealand Broadcasting Corporation (NZBC) la prohibió y la emisora de radio
Radio Pacific la emitió como un tema de libertades civiles.
A principios de abril, The Spelling Mistakes participaron en
el «Rock Quest 80», organizado por Larry Young y celebrado durante el fin de
semana de Pascua en el Castillo de Windsor. Ganaron el primer premio. Se
trataba de un sencillo financiado y publicado por Propeller Records, un nuevo
sello indie de Auckland dirigido por Simon Grigg, exmánager de Suburban
Reptiles.
Durante dos días de mayo, The Spelling Mistakes grabaron su
obra maestra del pop punk, «Feels So Good», con otra versión de «Hate Me, Hate
Me» y la sórdida «I Hate The Spelling Mistakes» en los estudios Mascot de
Auckland. El productor fue Fane Flaws, quien había tocado en el grupo de pop
new wave The Crocodiles y en el grupo de teatro-rock hippie fumado BLERTA.
A mediados de mayo, The Spelling Mistakes salieron de gira
por primera vez, tocando ante un público acogedor y lleno total en el
prestigioso local de Christchurch, el DB Gladstone. Después, se dirigieron al
norte, a Wellington, para grabar el vídeo de «Feels So Good» y tocar tres
noches en el café Last Resort, teloneros de Shoes This High.
La capital neozelandesa, por aquel entonces en plena fase
post-punk, no les convenció. Dave Maclennan, de In Touch, los encontró
«bastante comunes», destacando «el atractivo líder Nick y el batería Julian,
con aires de John Maher». «Hay algunas joyas», admitió. «En particular, el tema
inicial, «Dumb Blonde», es una maravilla. Debería grabarse cuanto antes, al
igual que «No Contact», con aires de Buzzcock». La reacción del público fue más
entusiasta. Después, regresaron a Auckland para tocar en el New Station Hotel,
Mainstreet y Squeeze.
En junio, «Feels So Good» debutó en el puesto número 29
durante cinco semanas en la lista nacional de éxitos pop. El programa de vídeos
musicales Radio With Pictures de TVNZ, que se emitió los domingos por la noche,
emitió la canción la semana siguiente. A pesar de su éxito, e incluso con un
álbum repleto de buenas canciones, la industria discográfica despertó poco
interés. Las discográficas neozelandesas no solían arriesgar dinero en álbumes
de bandas nuevas. La oportunidad de aparecer en el catálogo de éxitos Platinum
Plus se estancó en el último minuto.
El cuarteto de malcriados tocó durante junio y julio en
Gluepot, Windsor Castle, Squeeze, XS Cafe, Kicks, New Station Hotel y
Mainstreet con Wreckless Eric. En agosto, «Another Girl», una balada pop de Julian
Hanson, fue anunciada (pero no lanzada) como el próximo sencillo del grupo, con
«Stingy» y «No Contact» en la otra cara.
A principios de septiembre, The Spelling Mistakes actuaron
brevemente con el grupo de pop-reggae de la vieja escuela Coup D’Etat en
Windsor Castle. Julian Hanson: «Nos echaron del cartel porque generábamos
energía negativa, ¡hombre! Éramos bastante desagradables en aquella época y
decíamos lo que nos daba la gana. Creo que nos echaron de allí por decir
palabrotas y animar al público».
El dueño le dijo sin rodeos a Larry Young que les
prohibieron la entrada. Ya les habían prohibido la entrada al New Station
Hotel. Con los locales de Auckland cerrándose y la amenaza de los zapateros sin
dar señales de disminuir, The Spelling Mistakes decidieron dar el golpe. Se
despidieron del XS Cafe, el local para menores de Airedale Street, durante dos
noches (el 31 de octubre y el 1 de noviembre de 1980) ante un lleno total,
rompiendo así su propio récord de asistencia. Cerraron con «Reena», como siempre.
Puede que faltara la mezcla de forzudos de menos de dos
metros, drogadictos, prostitutas, psicópatas, estudiantes y jóvenes fugitivos
que poblaban la escena punk de Auckland a finales de los 70 (o que estuvieran
un poco más viejos y sabios). Pero la legendaria energía y humor sobre el
escenario de The Spelling Mistakes sobrevivieron intactos. Esto pronto se hizo
evidente en el concierto de reunión de los bromistas del punk-pop en marzo de
1998 en Luna, un local en un segundo piso de Symonds Street, una zona del
centro de Auckland que no era ajena al punk de los 70.
El líder Nick Hanson, con una camiseta con la palabra
"Anti Social" garabateada, no dejó lugar a dudas de que sería un
concierto enérgico y emocionante. Pronto estaba hablando con el público,
acampando, probando un poco de teatro confrontativo al estilo Iggy, moviendo un
micrófono hacia las primeras filas para cantar juntos su exitoso sencillo de
1980, "Feels So Good", y su contraparte, "I Hate The Spelling
Mistakes".
Al lado de Hanson, Warwick Hitler (Fowler), con una pequeña
sonrisa brillando bajo su casco negro mate del ejército alemán, casi no se
perdía una nota mientras Nigel Russell y Julian Hanson marcaban un ritmo
incesante, que duró dos sets de 40 minutos. Entre el público sudoroso y
entusiasmado, Rena Owen, la famosa cantante de los Mistakes, "Reena's Piss
Flaps", circulaba, moviendo el cuerpo al ritmo de su himno de facto en el
escenario. Al fondo, se había reunido una mini reunión de skinheads, solo que
ahora las botas parecían nuevas, los vaqueros estaban planchados y las parejas
estaban presentes.
Bajo el local, Barry Jenkin, nuestro John Peel, se
acurrucaba en la puerta, tocando una pieza mientras las piezas punk de época
resonaban en los edificios circundantes. Las luces sobre su cabeza brillaban
como coches de policía desde las ventanas del segundo piso. The Spelling
Mistakes estaban dentro, acampando en «Personality Crisis» de los New York
Dolls.
Habría cuatro conciertos más de reunión, incluyendo una
noche abarrotada en The Globe, un antiguo lugar de reunión del punk revisitado,
que generó opiniones encontradas tanto de los fans como de la banda. Eso debería
haber sido suficiente advertencia. Pero fue el concierto «Raw Power» Punk, con
poca asistencia, en noviembre en el Powerstation de Auckland, con las mejores
bandas de las otras tribus punk de Nueva Zelanda —Sticky Filth, Balance y
Gobsmakt—, el que casi resultó ser un concierto de más para The Spelling
Mistakes.
Durante su presentación, un skinhead golpeó al cantante Nick
Hanson y lo tiró al suelo. El grupo se marchó. Un eco inquietante de su
desaparición original, relacionada con el bootboy, se sentía en el aire. Solo
tocaron dos veces más: en el club Squid de Auckland, en el centro, para la
fiesta de lanzamiento del recopilatorio navideño de Action Records, "Xmas
in the Summertime" (una presentación corta, contundente y directa), y en
el festival al aire libre de Sweetwaters, que fue revivido, en enero de 1999.
Aún quedaba el problema de qué hacer con "esas
canciones". Eran demasiado buenas para dejarlas pasar. We Still Hate The
Spelling Mistakes, el primer CD de regalo de la reunión con temas en vivo y de
estudio de la época dorada del grupo, lo subrayó.
"All I Know How To Be" por sí solo justificaba una
reedición, pero en realidad esta era una banda a la que no le faltaban
canciones de calidad. ‘Ergophobia’, ‘X-Teenager’, el misántropo ‘Anti-Social’,
su perdido gruñidor al estilo de 1977 ‘Latest Photograph’, ‘What’s Wrong With
Me?’ y ‘Nothing To Say’, todos ellos merecían un tratamiento de estudio.
Lo consiguieron en noviembre de 1998 en Frisbee Studios en
Auckland, con la ingeniería de Bob Frisbee. Hicieron una buena limpieza, esas
viejas joyas de Spelling Mistakes. Hay un pop descarado y la potencia del punk
rock por todo el gran álbum perdido. "X-Teenager" es un himno punk
neozelandés de los años 70 en ausencia. El implacablemente optimista "All
I Know How To Be" combina el power pop de Buzzcocks con las estructuras
más grandiosas de los primeros Magazine y una voz inigualable de Nick Hanson.
"Latest Photograph" es pop puro. "Helium Head", escrita por
Julian Hanson tras la desaparición de The Spelling Mistakes, es psicodelia
espacial de los Beatles con teclados de Nigel Russell, armonías psicodélicas y
un riff suelto de Chuck Berry.
Es un indicio intrigante de hacia dónde podrían haber ido
The Spelling Mistakes. «Ergophobia», «Anti-Social», «Nothing To Say» y «What’s
Wrong With Me?» rebosan de la electricidad y el humor originales del punk.
Warwick Hitler, consiguiendo ese sonido de anfetamina de Detroit mezclada con
la guitarra de Chuck Berry. Prueba fehaciente del fuego vivo del grupo. Todo
recopilado en el doble CD de Fast Food Records de 2003, Epileptic Apocalypse
(1979-1999). La edad no lo había cansado, ni el pasado lo había condenado.
Julian Hanson falleció el 11 de febrero de 2021 tras una
breve enfermedad. En los años transcurridos desde la etapa inicial de The
Spelling Mistakes, Julian había sido una constante en la escena musical de
Auckland, tocando y componiendo para bandas como Rank and File, Terror of
Tinytown, The Doris Days y Lozenge. Sin embargo, siempre será recordado por el
puñado de canciones que compuso (y a veces cantó) con The Spelling Mistakes,
que parecían fusionar sin esfuerzo el punk con el pop contagioso.
Tras este sonó ‘’Feel so good’’ tema que el grupo procedente de Auckland Spelling mistakes incluyeron en su single debut al que dio título.
Registrado en 1980 este salió a la calle de manos del sello Propeller
Records ese mismo año.
Warwick Fowler era estudiante de primer año en la
Universidad de Auckland y un guitarrista adicto a la distorsión.
Ya conocía bien a The Stooges, MC5 y New York Dolls cuando,
a principios de 1978, vio un anuncio del futuro John Atrocity (Jenkins), quien
buscaba formar un grupo punk.
Así fue como surgieron Spelling mistakes una muy buena banda
de Punk con un instinto demoledor para las melodías y un olfato incalculable
para adquirir influencias de otras bandas.
Sus primeras grabaciones quedaron recogidas en este primer
single registrado en 1980.
Además de este cuentan con un single más compartido con
Whizz Kids,aunque dejaron registradas grabaciones de temas suficientes como
para completar un álbum que nunca vio la luz ante la falta de interés de ningún
sello por llevarlo a cabo.
Sin embargo nada menos que 34 años más tarde en 2014 todas
esas grabaciones fueron prensadas en vinilo en una labor arqueológica
rescatando del olvido esta joya del Punk más orientado hacia el Pop
neozelandés.
https://www.discogs.com/es/master/445624-Spelling-Mistakes-Feel-So-Good
Marching Girls fueron el último resurgimiento de la banda de
Auckland The IB Darlings, formada en 1975. Inspirados por los Sex Pistols, el
guitarrista Johnny Volume (Ken Cooke) y el baterista Des Truction (Simon
Monroe) se convirtieron en los famosos punksters neozelandeses The Scavengers.
Tras tocar en Ready To Roll en 1977, el británico Ronnie Recent (Brendan Perry)
se unió como vocalista. Las Scavengers grabaron dos sencillos punk icónicos
antes de mudarse a Australia, donde cambiaron su nombre a The Marching Girls.
En 1980 lanzaron su sencillo minimalista y destacado "First in Line".
Perry se marchó poco después para formar Dead Can Dance en 1981, mientras que
Volume y Truction siguieron publicando música hasta finales de los 80.
The Scavengers fue una de las primeras bandas punk
neozelandesas de finales de los setenta, conocidas localmente por sus canciones
"Mysterex" y "True Love". La banda se mudó a Melbourne a
finales de 1978, cambió su nombre a Marching Girls y rápidamente se convirtió
en parte de la escena punk/new wave de la ciudad. En aquel entonces, Terry
Rogers era el manager de la banda, quien también promocionó numerosas noches
punk en el Hotel Champion de Fitzroy.
Marching Girls publicó un sencillo a través de Au Go Go
Records en 1980 que incluía una versión regrabada de "True Love" de
The Scavengers en una cara y "First in Line" en la otra. También
aparecieron en la antología punk "AK79" de 1980 (que fue ampliada y
reeditada por Flying Nun Records a principios de los 90).
Marching Girls se mudó a Sídney a principios de los 80, pero
solo logró publicar un EP antes de que todo terminara. La banda se separó por
un tiempo, luego se reformó y continuó con interrupciones durante varios años,
incorporando (y perdiendo) a varios miembros. En 1983, el sello neozelandés RTC
lanzó un disco de 12" de cuatro pistas titulado "Marching
Girls". En 1985, la banda lanzó un sencillo de 7" titulado
"Plain Jane" a través de EMI y otro sencillo de 7" en 1987
titulado "Safe as Houses" a través de Polygram. También en 1987,
"True Love" apareció en la película de culto de 1986 "Dogs in
Space", dirigida por Richard Lowenstein.
Brendan Perry formó posteriormente Dead Can Dance con Lisa
Gerrard y Simon Monroe (también conocido como Des Hefner). Tocó brevemente para
The Birthday Party durante la última gira de la banda por Australia y Nueva
Zelanda. Monroe formó parte de varios grupos con sede en Melbourne, como The Slaughtermen
y The Fabulous Marquises, entre otros.
La formación de Marching Girls incluía a: Ronnie Recent (nombre real: Brendan Perry) (bajo/voz), Johnny Volume (nombre real: Johnny Cooke) (guitarra) y Des Truction (nombre real: Simon Monroe) (batería). Posteriormente, se incorporaron Debra Shulze (voz, teclados y percusión) y Paula Sheldrake (voz y bajo).
Seguido de este sonó ‘’First in line’’ tema que la banda procedente de Auckland The marching girls incluyeron en la cara b de su single debut al que bautizaron 1.
Registrado en 1980 este vio la luz de manos del sello
Propeller Records en Nueva Zelanda siendo prensado por parte de Au go go
Records para el mercado australiano.
Originalmente conocidas como The Scavengers, cambiaron su
nombre a Marching Girls cuando se mudaron a Melbourne en octubre de 1978.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en este primer
single registrado 2 años más tarde en 1980.
Además de este cuentan con:Un E.P. y 2 singles más.
En cuanto a su sonido,estos despachan un Punk repleto de
melodías cercanas al Powerpop de corte nueva ola en la onda de Spelling
mistakes.
https://www.discogs.com/es/master/175898-Marching-Girls-1
1981 fue el año en que la música indie irrumpió en Nueva
Zelanda. En una época de aventuras musicales y creativas, Blam Blam Blam
destacó entre sus colegas, llevando su rock artístico post-punk a las listas de
éxitos y capturando el espíritu de la época.
Blam Blam Blam grabó dos videos para su éxito de 1981,
"There is No Depression in New Zealand". Su video más conocido se
basa en la inquietud subyacente del clima político de la época, con palizas
simuladas y vigilancia telefónica en medio de escenas rurales y un pronóstico
meteorológico que pronostica calma, calma, calma.
En una reveladora escena, Mark Bell (guitarra) y Tim Mahon
(bajo) de Blam Blam Blam bailan con disfraces de Vegemite y Marmite, imitando
un sentido superficial y restringido de identidad nacional que solo permite la
diferencia a través de rasgos menores y apolíticos, como el gusto por la
levadura para untar.
El baterista y cantante Don McGlashan compuso la música y
describió «No Depression» como una canción sobre «cómo los neozelandeses
intentan construir mitos a su alrededor».
Esta es la versión de principios de los 80 que dominará la
mente popular. La de una época altamente política donde una reevaluación, ya
necesaria, de la identidad y el lugar de Nueva Zelanda anunció un período de
cambio social. Una ruptura marcada por las violentas protestas a nivel nacional
contra un equipo sudafricano de rugby racialmente excluyente que realizó una
gira por Nueva Zelanda a mediados de 1981.
Con el tiempo, «No Depression» se convertiría en una canción
sobre la gira de los Springboks y en un himno alternativo, a pesar de que la
letra de Richard Von Sturmer se escribió con mucha antelación al evento. Inside
Information, una compañía de espectáculos callejeros formada por McGlashan, Von
Sturmer, John Schmidt, Richard Lello (Otis Mace) y Charlotte Wrightson, ya
había utilizado la canción en una serie de conciertos en Auckland, en el XS
Café y el Rumba Bar, en noviembre de 1980, y en la Costa Oeste y Wellington en
diciembre.
Un segundo vídeo, menos visto, presenta un montaje de
fotografías grupales y de fans de la vibrante escena en vivo de Auckland de
1980 y 1981. Split Enz, Mi-Sex, The Clean, Toy Love, Pop Mechanix, Beat Rhythm
Fashion, The Screaming Meemees, The Crocodiles y The Swingers están presentes,
así como imágenes de punks, rebeldes del rockabilly y la entrada del Mainstreet
Cabaret, un local clave del centro de la ciudad.
Ahí yace otro 1981. Un año en el que el rock y el pop
neozelandeses, impulsados por el tumulto post-punk de finales de los 70 y
principios de los 80, dieron origen al mayor brote de creatividad rockera desde
la segunda mitad de los 60. Entre 1980 y 1982, las salas de conciertos del país
rebosaron de sonidos frescos y docenas de sencillos neozelandeses llegaron al
Top 50, muchos de ellos pertenecientes a la creciente nueva ola de artistas
post-punk.
Los sencillos locales, musicalmente desafiantes, ya estaban
en las listas de éxitos cuando se formó Blam Blam Blam. The Swingers, en
particular, serían muy influyentes. Tanto Blam Blam Blam como The Features
utilizan la vocalización sin palabras de Phil Judd y su guitarra con eco y
descentrada. No sorprende que el segundo vídeo comience y termine con imágenes
de Phil Judd.
Los innovadores lanzamientos locales estaban en buena
compañía. Gran Bretaña producía sonidos provocativos a un ritmo frenético,
llenando las tiendas de discos y las listas de éxitos neozelandeses con una
asombrosa variedad musical. Solo en 1980, las listas incluían el rock mod de
The Jam, el rap de Sugarhill Gang y el sonido excéntrico de XTC y The Cure,
junto con versiones modernas del reggae y el ska de The Specials, The Police,
UB40 y The Clash. PIL, Magazine, OMD, Gang of Four y Talking Heads tuvieron un
buen desempeño en las listas de álbumes.
El año siguiente vio música aún más aventurera y desafiante.
En agosto, el mes en que «No Depression» alcanzó su apogeo, Joy Division y The
Fall escalaron las listas de éxitos pop neozelandeses a cotas nunca antes
alcanzadas en su país natal, y The Screaming Meemees, compañeros de sello de Blam
Blam Blam, le dieron a la nueva ola neozelandesa su primer número 1 con «See Me
Go».
El establecimiento de un sólido circuito nacional de giras a
partir de 1980 y el auge del nuevo sello independiente Propeller Records, con
sede en Auckland, permitieron a Blam Blam Blam aprovechar al máximo la
agitación creativa.
Sin duda, eran tiempos políticos, pero eso es solo una parte
de la información y la motivación que los fans asumieron. Esto no excluye la
actividad habitual de las vidas jóvenes. Centrarse en uno sobre el otro
significó que la alegría y la autonomía individual de crecer en tiempos
emocionantes se desinflaron y casi se perdieron bajo un ceño político fruncido.
La historia de Blam Blam Blam comenzó en 1977 con The
Plague, un grupo de teatro punk de Auckland que plasmaba las ideas del poeta,
artista y cineasta Richard Von Sturmer (no confundir con la banda The Plague de
Rotorua de mediados de los 60). Los Plague de Auckland actuaron en el Festival
de Nambassa de 1979 y en la película homónima, junto a Richard Von Sturmer,
Sara Fort y Charlotte Wrightson (una pintura corporal brillante, alejada de la
naturaleza), al frente del núcleo musical de Ian Gilroy, Tim Mahon, Andrew
Snoid y Mark Bell.
Se dieron a conocer con The Plague, siendo cabezas de cartel
en Auckland, en los teatros Squeeze y State, y en el Hillcrest de Hamilton y el
Last Resort de Wellington. A pesar de toda esa exposición, la única canción
contemporánea disponible era «Panthers of Sound» en Festival Music, la banda
sonora del álbum doble de Nambassa.
The Plague grabó cuatro canciones originales: «Mystery No
Mystery», «Kiwi Keith», «Seven Day Plan» y «Voodoo TV», un puñado de agitprop,
áspero y testarudo, con un toque punk renovado, en los estudios Harlequin con
Doug Rogers en Auckland en 1979. No se publicarían hasta 2012.
Cuando Ian Gilroy, Tim Mahon, Andrew Snoid y Mark Bell resurgieron con Kit Snoid como The Whizz Kids en noviembre de 1979, la influencia de Von Sturmer aún era fuerte. El cuarteto de new wave realizó una gira por la Isla Sur y la parte baja de la Isla Norte en diciembre de 1979 y enero de 1980, bajo el lema "The Plague inc. presents".
Como uno de los primeros grupos de la nueva era en realizar
una gira nacional, The Whizz Kids contó con la flor y nata de los grupos
emergentes de post-punk neozelandeses como teloneros. En Christchurch, tuvieron
como teloneros a The Vauxhalls, Bill Direen's Vacuum y The Gordons. En
Wellington, fueron The Steroids y Shoes This High. Auckland presentó a The
Androidss y Sheerlux en abril. A finales de mayo, contaron con un nuevo
batería, Don McGlashan de From Scratch, cuando telonearon a The Swingers en
Mainstreet. Todo esto tras las exitosas actuaciones de teloneros de Split Enz
en febrero, poco después de la marcha de Kit Snoid.
El último concierto de los Whizz Kids en Auckland fue como
teloneros de The Ramones en el Logan Campbell Centre el 21 de julio de 1980,
antes de dirigirse al sur a finales de julio y agosto de 1980 al Billy D'Club
de Wellington para conciertos con LIFE y The Wallsockets.
Solo les quedó «Occupational Hazard», un sencillo póstumo de
septiembre de 1980 para Ripper Records, compartido con «Reena» de The Spelling
Mistakes. Ninguna de las dos canciones tuvo un impacto significativo. Las dos
canciones, «Noise Boys» y «Factory», que grabaron en los estudios EMI de
Wellington para televisión, permanecen inéditas.
Los tres Whizz Kids restantes —los únicos que asistían a los
ensayos, bromeaban— Don McGlashan (batería, voz, bombardino), quien se unió
tras la marcha de Ian Gilroy a The Crocodiles y luego a The Swingers, Tim Mahon
(bajo) y Mark Bell (guitarra), se reconstituyeron como Blam Blam Blam a finales
de 1980. Como gran parte de su inspiración inicial, encontraron su nombre en la
obra de Richard Von Sturmer.
El nuevo trío se aventuró al sur de Auckland en octubre de
1980 para una serie de actuaciones callejeras para el Ayuntamiento de Manukau.
Tres canciones, incluyendo «Second World» y «Motivation», fueron grabadas en
los estudios Harlequin. Cuando la peculiar «Motivation» de Mark Bell apareció a
finales de febrero de 1981 en la compilación «Class of ’81» de Propeller
Records, que marcó una época, destacó como un niño raro.
Cuando Rip It Up Xtra los vio en el efímero Reggae Club de
Victoria Street East a mediados de noviembre de 1980 con los Newmatics, el
público del grupo de reggae/ska/soul se dispersó en masa antes del concierto de
los Blam. El sonido de Blam Blam Blam, aunque ya era «complejo, rítmico y
bailable», aún no había alcanzado su máximo auge.
El viaje los atrajo de nuevo a finales de 1980. 1981 en el
Last Resort y Terminus de Wellington, tras sus conciertos en Christchurch y la
costa oeste de la Isla Sur. Después, se dirigieron al norte para el segundo
festival de Sweetwaters y conciertos en Queen City con sus habituales
compañeros de concierto: The Screaming Meemees y The Newmatics.
Blam Blam Blam se unió a su generación del 81 en Mainstreet
a mediados de marzo, antes de repetir la actuación con varias bandas en
Christchurch en abril. Para entonces, se encontraron en plena gira nacional,
que incluyó actuaciones como teloneros de Split Enz y más conciertos en
Wellington, esta vez con Naked Spots Dance y The Ainsworths. Pasaron el resto
de mayo en Auckland, donde se unieron a The Instigators, Penknife Glides y
Herbs para un baile de movilización contra la gira en el Centro Comunitario de
Ponsonby.
Mil novecientos ochenta y uno fue el año en que la música
indie irrumpió en Nueva Zelanda. Tras mostrarles a sus colegas el camino, Blam
Blam Blam fue un paso más allá y colocó un impresionante EP de art rock
post-punk desgarrado en las listas de éxitos pop. El EP, que marcó un hito,
llegó a las tiendas a finales de mayo de 1981 y alcanzó el puesto número 25 en
junio durante una estancia de 14 semanas.
En una época de aventuras musicales y creativas, Blam Blam
Blam logró destacar. Presentadas en una impresionante funda amarilla y naranja
con la imagen de Richard Von Sturmer, las cuatro canciones resultaron
igualmente cautivadoras y sobrenaturales.
Rip It Up colocó al trío en los pasos de The Features,
proclamando: «‘Battleship Grey’ es un tema animado y extremadamente preciso.
‘Blue Belmonts’ trata sobre lo obvio (la opresión policial), pero está bien
expresado. ‘Respect’ es el tema más ambicioso: bajo vibrante, instrumentos de
viento cautivadores, simple pero cautivador». Don McGlashan iría aún más lejos,
calificando ‘Respect’ como un experimento del hip-hop temprano. El crítico
también elogió la destreza musical de Blam Blam Blam y su producción de clase internacional.
Un video parodiamente zalamero del tema restante, ‘Maids To Order’, con
McGlashan y un cajón lleno de revistas femeninas, apareció poco después en el
programa de televisión musical Shazam.
La primera entrevista de prensa importante de Blam Blam Blam
en Rip It Up en julio de 1981 destacó el sorprendente éxito de su EP debut, a
pesar de los "cambios de tiempo repentinos y canciones antinucleares que
difícilmente eran material de radio convencional", y también señaló que el
EP había subido al número 9 en las listas de ventas de Auckland y los números
más frenéticos del trío habían dado paso a otros sutiles como
"Respect".
“Queremos ser una orquesta”, explicó Mark Bell, “pero poco a
poco nos estamos acostumbrando a que solo somos tres”. Don McGlashan añadió:
“Nos estamos dando cuenta de que podemos meter más notas que antes.
Últimamente, hemos estado componiendo estas enormes epopeyas funkadélicas, que suenan
como si tuviéramos diez personas en el escenario tocando cencerros. Hay otra
canción sin batería, como 'Respect', en camino. También me gusta tener esa
sensación suave, en lugar de estar a tope todo el tiempo”.
Las fechas de junio en el Reverb Room de Auckland con Rhythm
Method y en el Rumba Bar con Alms For Children precedieron a la gira más grande
de Blam Blam Blam hasta la fecha: el Screaming Blam-matic Roadshow de julio con
The Newmatics y The Screaming Meemees.
Las giras universitarias de Nueva Zelanda bajo el patrocinio
del Consejo Estudiantil de las Artes no eran nada nuevo. Habían alcanzado su
máximo esplendor a principios de los 70, presentando el rock underground y
luego el rock artístico de la época. Pero esta era la primera vez que se involucraban
grupos de post-punk.
No perdieron el tiempo en incendiar las universidades del
país. Ayudó que las tres bandas tuvieran sencillos pop que alcanzaron los
primeros puestos en las listas y que captaron el tono de la época, y que sus
conciertos fueran impecables, habiendo ya acumulado el tiempo necesario en el
escenario. Pero era más que eso. La joven Nueva Zelanda estaba repleta de
grupos de post-punk y una sólida escena provincial unida por la pasión por la
nueva música. Más que cualquier otra gira de 1981, la gira Screaming Blam-matic
Roadshow captó el momento.
Con Nueva Zelanda aún sumida en un estado de shock cívico,
Blam Blam Blam salió a la carretera a mediados de octubre como teloneros de la
gira Practical Jokers de The Swingers. Fue su gira nacional más completa hasta
la fecha y contó con la participación de su nuevo cantante, Dick Driver (Pop
Mechanix). Don McGlashan quería más libertad para tocar. El acuerdo duró hasta
la marcha de Driver en febrero de 1982.
Blam Blam Blam regresó a Auckland a mediados de noviembre en
el Teatro Maidment, donde se unieron a la compañía de baile Limbs para una
temporada de dos semanas de Arcade.
El trío post-punk de Auckland despidió 1981 con actuaciones
destacadas en la Hillsborough Tavern de Christchurch y la prisión de Paparua.
Animaron al público para Ian Dury and The Blockheads en el Town Hall de Garden
City antes de recorrer el sur profundo. Después, regresaron a Christchurch y la
Isla Norte para una gira por ciudades y pueblos de provincia.
Ya habían colocado su tercer disco del año en las listas de
éxitos pop cuando «Don’t Fight It Marsha (It’s Bigger Than The Both of Us)»
ascendió al número 17 en diciembre. En cuanto a la letra, «Marsha», una canción
de Don McGlashan sobre la política de poder y el imperialismo, brilla.
«Están haciendo acuerdos, se mantienen a raya... si todo
fuera igual, podrías ser mi amigo», canta, exponiendo la gran jugada en juego,
aunque la letra funciona a nivel personal y general.
La música —un pop artístico dublín, espartano, casi de otro
mundo, ahora perfeccionado— tenía pocos equivalentes contemporáneos. Rip It Up
declaró a «Marsha» como «el mejor sencillo local del año». Los lectores de Rip
It Up coincidieron, colocando a «Marsha» y «No Depression» entre sus cinco
mejores álbumes de 45 de 1981. Blam Blam Blam fue calificado como el mejor
grupo de Nueva Zelanda y el tercer mejor artista nuevo de Nueva Zelanda. Don
McGlashan fue el mejor baterista. Mark Bell y Tim Mahon fueron los segundos
mejores guitarristas y bajistas.
Blam Blam Blam pasó a principios de 1982 grabando su álbum
debut, Luxury Length, en los estudios Harlequin con Paul Streekstra para su
lanzamiento a través de Propeller Records. Una experiencia tensa, pero
finalmente fructífera: Dick Driver, quien dejó el grupo en febrero, solo se puede
escuchar en el tema del álbum «Pensioner Love».
En un momento dado, consideraron descartar el álbum completo
y empezar de nuevo antes de entrar en razón. Así las cosas, Blam Blam Blam pasó
hasta 250 horas de estudio grabando Luxury Length, un gran riesgo y un gran
acto de fe para Propeller Records.
La influencia de Richard Von Sturmer también estaba
menguando, ya que solo "The Bystanders" y "The Businessmen"
contaban con su voz. Ya había renunciado a participar en el diseño gráfico del
grupo. El artista de Auckland, John Reynolds, diseñó las portadas de
"Marsha" y Luxury Length.
Blam Blam Blam pronto volvió a la carretera. Tuvieron un
lugar destacado en el festival de música de Sweetwaters a finales de enero y en
Wellington a mediados de febrero, y luego volvieron a la carretera a tiempo
completo en marzo con The Newmatics en el Tearoom Tour, llamado así por la
afición de McGlashan por los salones de té (cafés) del país.
Fue solo uno de los muchos símbolos que Blam Blam Blam
utilizaría. Botas de agua, blazers con el símbolo nacional, el helecho
plateado, y sombreros con rejillas de abanico, todos ellos presentes en las
portadas, carteles, fotografías y una serie de ingeniosos vídeos de actualidad
del grupo. Pero si bien Blam Blam Blam se burlaba de las normas y símbolos
nacionales, también los defendía para que fueran vistos, cuestionados y
comprendidos con mayor claridad.
Abril encontró a los Blam de vuelta en Auckland,
compartiendo escenario con Herbs en The Gluepot y Club Hawaiki, y teloneros de
las estrellas británicas The Teardrop Explodes en Mainstreet, antes de renovar
su presencia en los centros de la Isla Norte.
Salieron en la portada de Rip It Up de mayo de 1982 con
impermeables y botas de goma, promocionando Luxury Length y una gira nacional,
anunciada a toda página. El trío parecía estar más cómodo con el disco.
"Creo que la calidad de la grabación por fin se está equiparando a la del
extranjero. Con los álbumes de Graham Gash y DD Smash, está emergiendo un
sonido neozelandés realmente potente", comentó Don McGlashan, y Mark Bell
añadió: "Probablemente no haya ni un solo tema del álbum que no haya sido
ajustado, remezclado, reorganizado o acortado". El grupo, siempre atento a
la perspectiva general, también elogió los álbumes recientes de The Gordons y
The Dum Dum Boys.
De gira con el aclamado disco Luxury Length en mayo de 1982,
el auge triunfal de Blam Blam Blam se vio truncado por un grave accidente de
tráfico tras un concierto a finales de mayo en Eltham, Taranaki, que le costó
varios dedos al bajista Tim Mahon. Un golpe cruel solo se alivió parcialmente
cuando Luxury Length ascendió al número 4 en las listas de álbumes de Nueva
Zelanda en junio de 1982. El exitoso álbum iba a ser lanzado en Australia con
el trío como teloneros de Split Enz en su gira de agosto por allí.
El espacial «Call For Help», su último sencillo con la
guitarra celestial de Ivan Zagni, apenas entró en las listas, pero aun así
demostró que no habían perdido su toque mágico. «Learning To Love Ourselves
Again», la otra cara, fue igual de contundente, presentando una nueva visión
para los ciudadanos aún conmocionados por la agitación política del país.
A finales de junio de 1982, la comunidad post-punk de
Auckland se unió para un evento benéfico de Blam Blam Blam con Danse Macabre,
Screaming Meemees, Blond Comedy, Prime Movers, The Bongos, The Dabs y Zombies
of The Stratosphere. Pero todo había terminado. Don McGlashan se dirigió a
Australia con From Scratch y luego al Reino Unido y Estados Unidos.
A finales de enero de 1984, Blam Blam Blam se reformó para
dos fechas de Gluepot y un especial de Radio With Pictures, además de un álbum
en vivo grabado en la Mainstreet de Auckland. El LP compartido The Blam Blam
Blam Story (compartido con Netherworld Dancing Toys) incluyó una sección de
vientos y canciones nuevas, incluyendo las últimas que escribieron, «Agency» y
«Beach On Forty Second Street». Ascendió al número 27 durante cuatro semanas en
las listas de éxitos en marzo de 1984. El recopilatorio The Complete Blam Blam
Blam fue publicado por Propeller en 1993.
Blam Blam Blam se reformó para una gira nacional en mayo de
2003 con The Chills y The Newmatics, y de nuevo en 2007 en Auckland. Su música
sigue siendo uno de los mejores reflejos de principios de los 80 en Nueva
Zelanda. Tim Mahon fue miembro de Export Lamb, Avant Garage y Dead Sea Scrolls
(este último con sede en Londres) antes de convertirse en coordinador artístico
del Ayuntamiento de Manukau en 1989. Allí desempeñó un papel crucial en la
financiación y el apoyo a los sonidos de Urban Pacific, incluyendo el
importante álbum Proud de 1993. También representó al trío vocal Ma-V-Elle, de
South Auckland, en la década de 1990.
Mark Bell formó parte de Coconut Rough, Big Sideways y
Jordan Luck Band. Es escritor desde hace mucho tiempo para la revista NZ Musician.
Don McGlashan formó parte de From Scratch, The Front Lawn y
posteriormente alcanzó el éxito en las listas de éxitos con The Mutton Birds.
Es considerado uno de los principales compositores de Nueva Zelanda y, entre
2010 y 2016, fue escritor y director en la junta directiva de APRA.
En agosto de 2019, Blam Blam Blam se reunió para una breve
gira por Nueva Zelanda.
‘’There is no depression in New Zealand’’ es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo de la banda procedente de Wellington Blam blam blam.
Incluido en la cara a de su segundo single al que dio
título.
Registrado en 1981 este salió a la calle de manos del sello Propeller
Records ese mismo año.
Esta es una banda neozelandesa de gran influencia a
principios de los ochenta.
Blam Blam Blam se formó a partir de los restos de Whizz Kids
.
En su corta historia, lanzaron un álbum, un EP y un
sencillo, pero son considerados una de las bandas más importantes de su época,
entre otras cosas, por impulsar la carrera de Don McGlashan, ahora uno de los
compositores y músicos más respetados de Nueva Zelanda.
Una oferta de Virgin UK se vio frustrada cuando sufrieron un
accidente de coche durante una gira a finales de 1982, en el que casi muere el
bajista Tim Mahon, y posteriormente se disolvieron.
En cuanto a su sonido esta es una icónica banda dentro de la
escena nueva ola en los 80’s facturando himnos con un enorme instinto para
conectar buenas melodías.
https://www.discogs.com/es/master/1329591-Blam-Blam-Blam-There-Is-No-Depression-In-New-Zealand
“Éramos básicamente una fiesta que salía de gira. Y nuestro
estilo de vida era algo fuera de lo común.”
Así recuerda Mark Wilson de The Androidss en un entrañable
vídeo de historia oral de Stuart Page, capturando la imagen de una banda
conocida más por su propensión a la fiesta que por su música, pero cuya única
grabación demuestra que esta tampoco debe subestimarse.
Como tantas otras bandas de la época —Toy Love, The Gordons,
The Bats y The Playthings, entre ellas—, The Androidss se remonta a The Basket
Cases (también conocidos como Detroit Hemroids), la banda formada por el
inmigrante inglés Olly Scott que contribuyó a dar forma a gran parte de la
prehistoria de Flying Nun Records en Christchurch.
Wilson formaba parte de un grupo de amigos que vivían en una
casa en Lincoln Road, en Addington, y que solían ir a ver tocar a The Basket
Cases en el infame Hotel Gresham. Los demás seguían viniendo y "siendo
totalmente extravagantes" después de que él se uniera a la banda.
“The Gresham era una escena bastante interesante”, recuerda
Wilson.
Tras la separación de Basket Cases en 1978, volví a Lincoln
Road y viví allí, y así se formaron los Androidss.
Empezó a trabajar en la música con otro residente de Lincoln
Road, Frank Steentjes, al bajo. Se fueron uniendo otros compañeros de piso poco
a poco. El primero fue Eric Marsden, nacido en Gran Bretaña, quien no tenía
experiencia musical, pero quería tocar la batería. Wilson le enseñó lo básico y
Eric pasó de las cajas de cartón a una batería de verdad, desarrollando un
estilo frenético y contundente.
El gemelo idéntico de Eric, Steve Marsden, fue el siguiente
en unirse, con una guitarra que le había comprado a Scott. Neil
"Nelly" Spence, amigo del colegio de Wilson, se unió como tercer
guitarrista, seguido por su hermano Mark, pianista de formación clásica, en los
teclados.
En algún momento, se decidieron por un nombre. Tras probar
con The Lincoln Road Loonies y The Criminals, se convirtieron en The Androids,
porque Eric había estado leyendo "¿Sueñan los androides con ovejas
eléctricas?" de Philip K. Dick. Y al poco tiempo, siguiendo el ejemplo de
los primeros carteles que solían escribir el nombre con las runas estilizadas
de Armanen, asociadas con la guardia personal de Hitler, las Schutzstaffel, The
Androidss.
Su primera actuación fue un set completamente instrumental
para telonear a Hello Sailor en el Dux De Lux. La primera canción que la banda
compuso tomó forma cuando Dave Jarvis, quien se convertiría en el roadie y
técnico de sonido de la banda, añadió letra a una melodía que Wilson había
compuesto. Ese fue "Getting Jumpy", que se convertiría en una cara
del único disco de la banda.
Aunque Wilson ya componía canciones, también crearon una
colección de versiones clásicas, incluyendo "Drive My Car" de los
Beatles, "Virginia Plain" de Roxy Music, "See Emily Play"
de Pink Floyd y media docena de canciones de Iggy Pop, que se convirtieron en
un sello distintivo de la banda. El novio de Mark, el peluquero Arthur Manawatu
(también conocido como Portia), se unió como vocalista y una figura imponente
en el escenario.
Jarvis ayudó a establecer otra conexión crucial. Había sido
compañero de celda en prisión del influyente promotor local Jim Wilson, quien
dice que "se unió a la banda" para ayudar a su amigo.
"Los invité al Ayuntamiento a un concierto para
recaudar fondos para la Fundación de la Calle Salisbury (un servicio de apoyo
residencial para presos en libertad condicional). Era su tercer concierto.
También tocaron Toy Love, Sheerlux y Flight X7; vaya cartel. Me encantaba la
fiesta y la diversión. Muy pronto, deduje que algunas bandas de Gladstone y
Hillsborough Tavern se tomaban demasiado en serio a sí mismas y los Androidss
fueron mi antídoto. Pero se convirtieron en una banda más que en una
enfermedad".
Su primer roce con la fama fue notable. Cuando Iggy Pop visitó
Christchurch en 1979 como parte de una gira promocional, ahora famosa, el
publicista de su discográfica lo llevó al Hotel British en Lyttelton, un pub
marinero de mala muerte donde tocaban los Androidss.
“Nadie sabía quién era; solo era un tipo que andaba por ahí
pidiendo bebidas en el bar”, recuerda Wilson en el video de Page. “Y pensé,
¿qué demonios? Y le pregunté a alguien más: ¿no es ese Iggy Pop?”.
La banda se tomó un whisky entre cada set y luego volvieron
a tocar un segundo set mientras Iggy estaba sentado en una esquina del
escenario. El set incluyó varias canciones de Iggy, incluyendo la aclamada
versión de la banda de 'The Passenger', y Manawatu le preguntó a Iggy si quería
unirse, pero la estrella declinó cortésmente, diciendo que "es tu banda".
Al día siguiente, Christchurch Press citó a Iggy en The
Androidss: "Son duros como una perra, pero son hermosos".
Manawatu se fue ("No podía con todo el asunto. Prefería
tener su propio y tranquilo espacio artístico", dice Wilson) y el resto de
la banda siguió tocando como teloneros para los artistas de Auckland que
pasaban por la ciudad, como Th' Dudes y The Swingers. Después de tocar como
teloneros de Toy Love en el Brevet Club, cerca del aeropuerto de Christchurch,
decidieron mudarse a Auckland.
“Al principio, cuando llegamos a Auckland, todavía
llevábamos el pelo largo y a los skinheads y boot boys no les caíamos bien”,
dice Wilson. “Nos tiraban colillas y se comportaban como si fuéramos unos
chicos de Christchurch en su zona. Todos nos rapamos y Steve y Eric les
vendieron todo tipo de drogas y cosas así, y de repente, todos eran nuestros
colegas”.
Los nuevos fans no siempre eran una ventaja.
“Recuerdo ir a The Gluepot a intentar conseguir un concierto
para nosotros, porque pensé: 'Ese es el sitio para tocar'. Entré y hablé con el
manager, y me dijo: 'Oh, ¿qué dijiste que era lo mismo de tu banda?'. Y yo
dije: 'Androidss'. Y él dijo: 'Oh, no, a la mierda con esa mierda, no quiero
nada de esa mierda por aquí. Ve a mirar en mis baños'. Y fui a mirar en los
baños y alguien había pintado 'Androidss Rule' por todas las paredes'”.
Bryan Staff y Charley Gray fueron más receptivos con la
banda y sus fans, en el XS Café y el Rumba Bar, respectivamente.
El acceso ilimitado de Steve y Eric a las drogas, sobre todo
a los misteriosos psicodélicos, jugaría un papel involuntario en la creación
del primer sencillo icónico de Flying Nun, «Tally Ho!» de The Clean. David
Kilgour reveló en 2015 que la canción trataba sobre los dos días terribles y
confusos que pasó tras tomar una dosis de una droga llamada DMA, ofrecida por
uno de los Marsdens. (Los propios Androidss tenían una canción llamada «DMA»
que describía una experiencia similar).
Aunque residían oficialmente en Auckland, la banda se
embarcó en una gira hacia el sur que los llevó a vivir y tocar en Christchurch
durante varias semanas. Esta vez, Jim Wilson los contrató como cabezas de
cartel, tocando tres noches seguidas en The Gladstone. Una noche en The
Gladstone, frente a The Swingers, en The Hillsborough, al otro lado de la
ciudad, sus fans establecieron un récord de participación en el bar que nunca
se ha superado.
"Su lista de invitados siempre rondaba las 200 personas",
recuerda Jim Wilson. "Una vez, el manager de Gladstone, Ray Newman, me
dijo que alguien estaba teniendo sexo cerca del escenario durante uno de sus
conciertos. Le dije: 'Mierda, lo siento, Ray', y me dijo: 'No, no, ¿puedes
reservarlos aquí de nuevo?'".
Realizarían tres de estas largas estancias en el sur, y cada
visita sería una fiesta para los lugareños. Justo antes de la tercera, grabaron
su único disco: la doble cara A «Getting Jumpy»/«Auckland Tonight», grabada por
Doug Hood y Steve Kennedy en una sesión de medianoche a amanecer en Harlequin
Studios y publicada por Ripper Records, de Bryan Staff.
El sencillo alcanzó el puesto número 19 en la lista local,
convirtiendo a los Androidss Ripper en el segundo grupo más exitoso, solo por
detrás de The Swingers. Su éxito se debió a una fiel base de seguidores en
Auckland y Christchurch, y también al videoclip de «Auckland Tonight».
Staff afirma que Andrew Shaw, de TVNZ, le sugirió escribir
un guion para un videoclip que Shaw dirigiría para el programa de televisión
musical Dropa Kulcha.
Y les dije: "¿Por qué no ponemos a cada banda en un
lugar específico y los recogimos en coche?". Los recogimos: uno en un
espectáculo de striptease, otro en la comisaría y otro en el Castillo de
Windsor. Todos fueron muy amables. Entré sin más y les pregunté:
"¿Podríamos filmar?", y me dijeron que sí.
Después de la comisaría, fuimos a uno de los locales de
striptease de Rainton Hastie, donde Judith Baragwanath apareció como stripper,
¡y Rainton le ofreció trabajo al instante! Y ella dijo que sí, claro, cariño...
"Ese vídeo es toda una historia; las cabinas de peaje
todavía estaban en el puente del puerto. Fue un vídeo facilísimo de hacer. Era
Auckland, esta noche, en 1981".
La fiesta de lanzamiento del sencillo, en la oficina de
Parnell de CBS, distribuidora de Ripper, fue pura Androide.
"Uno de los de CBS se me acercó indignado porque uno de
los Androide se había meado en el fregadero de la cocina", recuerda Staff.
"Habían salido a comer; todo era cuestión de '¿Cuántos discos de muestra
puedes meter debajo de la chaqueta antes de que nos echen?'".
“Steve y yo estábamos en el baño esnifando algo y el resto
de los chicos terminaron teniendo una pelea de comida y metiéndose debajo de
las mesas”, recuerda Wilson en su entrevista con Page.
“Fue un caos, y a la CBS le encantó, aunque a
regañadientes”, dice Staff. “Aquí había una banda de punk de verdad a la que le
importaba un bledo, destrozando su oficina. Pero nunca fueron ladrones malvados
ni nada por el estilo, solo eran oportunistas”.
Mark Wilson admite que ambicionaba que la banda viajara a
Australia e incluso a Europa. Pero mantener a raya a media docena de chicos
salvajes (ya era bastante difícil conseguir que Eric apareciera para una sesión
de fotos) era un reto demasiado grande.
La reputación de The Androidss tendió a eclipsar su música;
"Getting Jumpy", en particular, es una canción vibrante y palpitante
que desafía cualquier otra cosa que se escuchara en ese momento.
"Eran tipos muy inteligentes, pero no se aprovechaban
de eso", dice Jim Wilson. "Y evolucionaron sobre la marcha".
The Androidss se desintegró en 1982, aunque se reunieron
ocasionalmente a lo largo de los años, en 1987 y de nuevo en 2008. Su estilo de
vida a toda máquina comenzó a notarse, con el fallecimiento de Steve Marsden en
2009, su hermano Eric en 2011, Neil Spence en diciembre de 2014 y Frank
Stenjees en julio de 2015. Mark Spence ha vivido en Londres durante muchos
años, Portia Manawatu vive en Christchurch y Mark Wilson continúa viviendo y tocando
música en Christchurch.
Seguimos con nuestro siguiente bloque del programa de esta noche para lo que nos vamos a Christchurch desde allí nos llega nuestra siguiente banda de la noche esta lleva por nombre The Androidss.
Mark Wilson formaba parte de un grupo de amigos que vivían
en Lincoln Road, en Addington, y solían ir a ver a The Basket Cases tocar.
Después de que The Basket Cases se separaran en 1978, se fue
a vivir a Lincoln Road y así fue como se formaron The Androidss a principios de
los 80’s.
Únicamente dejaron registrados 3 temas 2 de los cuales
quedaron reflejados en un primer single registrado en 1981.
Posteriormente el tema que quedó inédito sería publicado por
la propia banda en una reedición de dicho single en 2009.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su único
single al que dio título.
Registrado en 1981 este salió a la calle de manos del sello
Ripper Records ese mismo año.
En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’Getting Jumpy’’.
https://www.discogs.com/es/release/921050-Androidss-Getting-Jumpy
The Suburban Reptiles y The Scavengers, ambos de Auckland,
fueron las primeras bandas de punk neozelandés de los años 70.
El punk llegó a Nueva Zelanda con cierta vacilación. La
explosión global, que comenzó en Estados Unidos a principios y mediados de los
70 y luego se extendió al Reino Unido, fue completamente ignorada por los
medios de comunicación y las discográficas neozelandesas; grupos como los
Ramones y la escena emergente que los rodeaba apenas recibieron mención en Hot
Licks, la revista pop neozelandesa de la época. Cuando el punk inglés llegó a
finales de 1976, no teníamos una verdadera prensa especializada en rock and
roll, ya que Hot Licks había cerrado a mediados de año. Esto significó que
cuando las dos primeras bandas de punk de Nueva Zelanda, Suburban Reptiles y
The Scavengers, se formaron en Auckland a principios de 1977, lo hicieron
basándose en fragmentos de noticias de tres meses de revistas semanales del
Reino Unido como New Musical Express (NME) y Melody Maker, con poco acceso real
al audio que había generado el revuelo.
Mientras que la mayor parte del resto del país parecía
desconocer lo que ocurría en el extranjero, un puñado de estudiantes de arte y
diseño de Auckland, inspirados por las palabras que leían, formaron dos bandas
de forma independiente. Ninguna sabía, al menos durante unos meses, de la
existencia de la otra.
La forma en que cada banda respondió a lo que ocurría en el
extranjero difirió sustancialmente, tanto en forma como en contenido. Una de
ellas, The Scavengers, formada en la escuela de diseño gráfico del Instituto
Técnico de Auckland, era más tradicionalista y tocaba principalmente versiones
de garage y pre-punk del Reino Unido y Estados Unidos antes de que la variedad
británica estuviera disponible, tras lo cual ampliaron su repertorio para
incluir algunos de esos discos.
El otro grupo, los Suburban Reptiles, fue formado por un
grupo de antiguos y actuales estudiantes de la Universidad de Auckland. Salvo
un trío de versiones con numerosas modificaciones (una de Roxy Music, otra de
The Stooges y otra de The Rolling Stones), todas abandonadas rápidamente, el
repertorio de los Reptiles era de composición propia y tenía poco que ver con
el punk británico, tomando más influencias del glam y el art-rock como Bowie,
Kraftwerk, los primeros Roxy y Eno, con toques de Velvet Underground y los
Stooges.
Los Scavengers se posicionaban como tradicionalmente de
clase trabajadora, mientras que los Reptiles parodiaban esta postura en la
prensa. Dado que ambas bandas provenían de instituciones de educación superior
de Auckland y probablemente provenían de entornos similares —bastante de clase
media—, se trataba, en ambos casos, de una postura consciente. Claro que los
Scavengers también sabían tocar sus instrumentos, pero, seamos sinceros, la
falta de talento musical nunca ha frenado a una banda de punk.
Se formaban Reptiles Suburbanos. Era más bien una charla
social que una declaración de intenciones seria, pero Brett Salter y Simon
Grigg habían hablado de una banda de jazz. Ninguno de los dos tenía un buen
nivel musical, aunque Salter tocaba el saxofón rudimentario. Poco se concretó
hasta finales de 1976, cuando un amigo en común, el aspirante a director de
cine David Blyth, leyendo la revista NME en el piso de Grigg, vio una breve
reseña en directo de los Sex Pistols y se la mostró. Decidiendo que este rollo
punk tenía más potencial, Grigg fue inmediatamente al piso de estudiantes de
Salter en Ponsonby para presentar una propuesta sobre el "punk", y la
banda de jazz, que estaba a punto de nacer, se convirtió, a partir de entonces,
en un grupo punk.
El nombre tardó un poco más en aparecer, pero los Suburban
Reptiles se formaron esa misma noche con Clare Elliott, compañera de Salter,
como vocalista, y sus compañeros de piso Will Pendergrast (quien se ofreció a
tocar el bajo) y Trish Scott (guitarra rítmica). Pronto se incorporó otro
estudiante de arte, Brian Nicholls, como guitarra principal. Grigg se
autoproclamó mánager y sustituyó a la batería en los primeros ensayos antes de
contratar a Des Edwards, un aprendiz de carnicero (porque parecía tener un
ritmo marcado mientras preparaba escalope), como batería.
La banda tuvo su primer contacto con el punk británico por
aquella época, cuando Tim Blanx, un neozelandés que trabajaba como asistente de
Bryan Ferry, regresó a Auckland con varios discos de artistas como The Damned,
que fueron debidamente grabados.
El único concierto con esta primera formación fue un intento
fallido de colarse en una actuación nocturna de Th’ Dudes en el Auckland
University Café. Grigg acordó con Peter Urlich, de Th’ Dudes, que se pasara un cable
de alimentación al salir del recinto al terminar, lo que permitiría a los
Suburban Reptiles tocar en el patio universitario ante un público entusiasmado
y aún entusiasmado. Los conserjes de la universidad descartaron la idea
rápidamente, y los punks solo tocaron dos canciones antes de que se fuera la
luz. La banda se retiró entonces a las salas de ensayo de The Scavengers (las
bandas se habían conocido por casualidad esa semana), donde tuvieron la
oportunidad de escuchar por primera vez los discos de los Sex Pistols.
Pronto se hizo evidente que Edwards no era baterista a pesar
de sus habilidades rítmicas en el trabajo, y fue despedido cortésmente (pasó a
tocar la batería con Junk y luego encontró una improbable carrera como
malabarista profesional en Australia).
La banda también había adoptado, en lo que quizás fuera su
único guiño a las normas del punk, nombres artísticos apropiados: Brett Salter
fue a partir de entonces Jimmy Vinyl (más tarde Lino Clone y luego Jimmy Joy),
Clare Elliott fue brevemente Sally Slag antes de decidirse por Zero (o Zero
Zone), Will Pendergrast fue Billy Planet, Trish Scott fue Sissy Spunk, Brian
Nicholls fue Shaun Anfrayd y Simon Grigg se convirtió simplemente en Symin, y
su entidad de gestión unipersonal se denominó Partisan Politik.
Las propuestas de Grigg a las discográficas locales EMI y
Phonogram en aquel momento fueron recibidas con un vago interés por parte de la
primera, una compañía cuya matriz británica había fichado y sido quemada por
los Sex Pistols. EMI se había recuperado lo suficiente como para tener un
catálogo que ahora incluía a los héroes australianos The Saints y un álbum Live
At The Roxy, que consideraron oportuno publicar en Nueva Zelanda en agosto de
1977.
Phonogram, en una reunión, le pidió a Grigg que
proporcionara maquetas y sugirió que la banda neozelandesa considerara la
posibilidad de versionar sencillos de punk británico para su lanzamiento local.
Grigg y la banda dudaron.
La llegada de Buster Stiggs como baterista sustituto se
consideró accidental en su momento: Jimmy y Zero anunciaron que habían
encontrado un posible baterista en Queen Street, Auckland. Según dijeron, este
los había visto en la calle y, tras una breve conversación, les había pedido
unirse. Años después, Stiggs afirmaría haber orquestado la reunión, aunque,
dado el perfil casi inexistente de los Suburban Reptiles por aquel entonces,
tal vez sea dudoso. Stiggs, cuyo verdadero nombre era Mark Hough, fue
guitarrista y pianista en After Hours con Neil Finn, y llegó con una nueva sala
de ensayo (su sala principal, donde Split Enz había ensayado antes de irse al
Reino Unido) y equipo adicional que los Enz habían dejado, que la banda adoptó
rápidamente.
El primer concierto con Stiggs fue en junio, en una fiesta
privada en Massey, West Auckland, donde la banda, poco pulida, logró despejar
la sala incluso de los curiosos (y había unos pocos) con un repertorio de un
puñado de covers muy reelaborados y una docena de canciones originales.
A continuación, tuvo lugar la fiesta navideña de mediados de
invierno de la Escuela de Bellas Artes de Elam, un espectáculo filmado por el
estudiante de cine Gray Nicol (aunque las imágenes parecen haberse perdido).
Después llegó el concierto que sumió a la banda en una avalancha mediática: un
baile escolar en el colegio católico masculino Marcellin College.
Contratado por Grigg, a través de la agencia de Benny Levin
(Grigg había vendido la banda al veterano agente como "urban blues"),
la escuela canceló el concierto tras unos 40 minutos y llamó a la policía para
que escoltara a la banda fuera del recinto. Preocupado por la posibilidad del
evento, Grigg llamó a la prensa sensacionalista.
"¡Y ni siquiera sabían tocar rock and roll!",
arremetía el titular enérgico de la portada de la siguiente edición del
populista periódico vespertino The 8 O'Clock, citando al portavoz de la
escuela, un tal Brother Humphrey.
Ese periódico pronto tuvo compañía: durante la semana, los
Suburban Reptiles habían dado un concierto por la tarde en el Teatro Maidment
de la Universidad, adaptado a los medios. Grigg los había invitado a todos y
luego a un evento para conocer a la banda, con biografías de la banda muy
ficticias. El momento era perfecto, ya que la prensa local era cada vez más
consciente del horror que rodeaba a las bandas punk británicas en el Reino
Unido, en particular a los Sex Pistols.
El domingo, la banda apareció en las portadas del Sunday
News y del Sunday Times, ambos con historias disparatadas ("esnifan
líquido de limpieza enviado por los Ramones antes de estrangular gaviotas en el
muelle", por ejemplo) extraídas de las entrevistas y biografías que la
banda proporcionó en el concierto de Maidment. En las semanas siguientes, se
produjo un estallido mediático, con The Scavengers también apareciendo con
fuerza. La "inmundicia y la furia" del Reino Unido había llegado a
Nueva Zelanda, al menos en lo que a la prensa se refería. Inicialmente tratado
con cierto humor, rápidamente se convertiría en una carga para ambas bandas, y
cada vez más peligrosa en los meses siguientes.
El 16 de julio de 1977, los Suburban Reptiles, The
Scavengers y una tercera banda punk, The Masochists, actuaron en el primer gran
concierto punk de Nueva Zelanda, en el Auckland University Café. Promovida por
Grigg y David Blyth para recaudar fondos para la próxima película de arte y
ensayo de este último, Angel Mine, la banda volvió a aparecer en la prensa
dominical y las tres bandas fueron expulsadas de la universidad. Los Suburban
Reptiles nunca volverían a tocar allí.
Los continuos cambios de formación hicieron que Zero fuera
el único miembro de la banda durante toda su trayectoria, y a finales de julio,
los guitarristas originales, Trish Scott y Brian Nicholls, abandonaron la
banda. Esto significó que la banda se quedó sin guitarrista, por lo que Johnny
Volume, de The Scavengers, fue elegido, para disgusto de sus propios
compañeros, quienes sintieron que debía dedicarse exclusivamente a ellos. Aun
así, fue un indicio de la fuerte camaradería entre el pequeño grupo de punks de
Auckland, que en aquel momento qEsta fue la formación —Zero, Jimmy, Billy,
Johnny y Buster— que Grigg llevó a la Universidad Victoria de Wellington para
el Festival de Arte Estudiantil a finales de agosto. Con dos conciertos
programados, viajaron en autobús y descubrieron que los organizadores no tenían
alojamiento ni presupuesto para los conciertos contratados. Tras una acalorada
discusión, la banda finalmente fue confirmada para un concierto por la tarde
—extrañamente después de los de los rockeros progresivos Living Force— en el
Union Hall de Victoria la tarde del 24 de agosto. Dos adolescentes les
ofrecieron alojamiento en una casa de Newtown, propiedad de un padre alcohólico:
siete durmiendo en una habitación individual sobre colchones (Buster Stiggs
había encontrado un alojamiento más cómodo al otro lado de la ciudad).
Durante la semana siguiente, con un frío glacial y sin
dinero, la banda se vio obligada a buscar comida donde pudo, lo que implicó
comer sándwiches en las colas de los cafés antes de la caja, un comedor social
y asaltar una fiesta VIP en la universidad (antes de ser desalojados), hasta
que finalmente recibieron los fondos prometidos originalmente hacia el final de
los siete días.
El primer concierto de la banda en la ciudad fue el domingo.
Elvis Presley había fallecido la semana anterior, y Ziggy's, en Vivian Street,
ofrecía un concierto en su memoria. Los organizadores, Edd Morris y Simon
Morris, invitaron a la banda de Auckland a tocar, y así lo hicieron, añadiendo
un toque punk a la ya de luto de los Bobby Soxers y Teds de Wainuiomata. Una
pelea estalló en la pista de baile, y los Suburban Reptiles se vieron obligados
a retirarse a la cocina. Morris, más impresionado que su público, les ofreció
otro concierto, más tarde esa misma semana, como teloneros de su banda, The
Heartbreakers, en su residencia semanal en el pub The Cricketers' Arms.uizá no
llegaba a los 30, aunque crecía día a día.
El resto de The Scavengers también llegó a la ciudad el
domingo, de forma dramática, ya que su coche se incendió en la calle Vivian y
fue noticia a la mañana siguiente en The Dominion, la primera noticia en una
semana que vio a los punks de Auckland en las portadas de la prensa de
Wellington todos los días. Un pequeño grupo de fans de Auckland también los siguió,
y la capital, que aún estaba bastante alejada de la creciente banda sonora punk
en Auckland, se relajó.
El único concierto de los Suburban Reptiles en el festival
fue involuntariamente dramático. Después de que un técnico de sonido local
decidiera que la música que creaban era inaceptable y cancelara el concierto,
el baterista Stiggs lanzó sus baquetas al público, una de las cuales golpeó
accidentalmente a una mujer. El incidente en sí pasó prácticamente
desapercibido, aunque la mujer visitó el lugar y recibió el alta hospitalaria,
y la multitud se dispersó rápidamente. Sin embargo, ese no fue el final de
todo: a la mañana siguiente, la valla publicitaria de Dominion proclamaba
"Piqued Punk Rock Popster Hurts Girl". El incidente se elevó en la
historia a una agresión agravada e intencionada con una baqueta punk, en la que
la víctima casi perdió un ojo. Fue un completo disparate, pero creó una
atmósfera amenazante de inmediato, y la policía advirtió a Grigg que varios
grupos estaban merodeando la ciudad para expulsar a los norteños por la fuerza.
Una emisora de radio local pronto difundió la noticia del incidente como una
"agresión punk". Esa noche, Johnny Volume fue agredido en los baños
de la universidad por un grupo de chicos que claramente buscaban "punk
rockeros" y, obviamente, no estudiantes.
El jueves por la noche, los Suburban Reptiles estaban
teloneando a The Heartbreakers y, al salir, la seguridad del recinto les
advirtió que había coches afuera con los pasajeros preguntando por la banda.
Los porteros les dijeron que los Reptiles se habían ido.
Mientras los periódicos publicaban la imagen del guitarrista
maltrecho, las bandas de Auckland se dirigían al norte, a la seguridad de una
Queen City un poco más indulgente.
Billy Planet describió el viaje al interior del país (para
Rip It Up en octubre de 1997) como "...Wellington. Hippies por todas
partes. Todavía todo borlas y cuentas. Malditos hippies..."
La única ventaja del viaje fue la recomendación de Simon
Morris a Grigg de que visitara la sede de Phonogram en la capital. Lo hizo, y
aunque la compañía seguía sin comprometerse, el acuerdo finalizó con que
llevaría maquetas a la oficina de Auckland tan pronto como pudiera a su
regreso. Al tanto de lo que ocurría en el extranjero, la industria discográfica
aún no sabía muy bien qué hacer con el punk, pero sabían que tenían que sacar
algo a la luz cuanto antes.
La semana después del regreso de los Reptiles, entraron en
un pequeño estudio de cuatro pistas, Harlequin, en Mt Eden Road, Auckland, y
allí, en una sesión que duró toda la noche el 2 de septiembre, la banda grabó
cuatro temas: «Megaton», «Desert Patrol», «Razor Smile» y «Coup D’état». Se
corrió la voz de que Tim Finn había «producido» la sesión, pero lo cierto era
que el vocalista de Enz estaba en la ciudad y había aceptado provisionalmente
producir. Sin embargo, debido al jet lag, pronto se durmió y se marchó al
despertar al final de la sesión. La sesión fue grabada y producida en gran
parte por el dueño del estudio, Doug Rogers, y la propia banda. Se suponía que
Johnny Volume tocaría la guitarra, pero sus compañeros Scavengers se opusieron,
y solo aportó un amplificador y una guitarra, que le prestaron a Billy Planet,
quien tocó el bajo y la guitarra. Con una maqueta en mano, Grigg contactó de
nuevo con EMI, pero se topó con un muro de desinterés, así que contactó con
Phonogram tras la sugerencia de Wellington y se reunió con el director del
sello, Stuart Rubin, en su oficina de Grafton Road. Colin Lum, de Phonogram y
amigo común, le había sugerido la banda a Rubin. Una vez más, les pidieron que
versionaran otra canción, y se les sugirió la banda de Bob Geldof, The Boomtown
Rats. Sin embargo, la reunión terminó con la multinacional accediendo a lanzar
un sencillo si la banda cubría los gastos de grabación. Con esa promesa en
mente, Harlequin fue contratado de nuevo para el 9 de octubre.
Sin embargo, la banda sufrió otro cambio de formación a
finales de septiembre cuando Wayne Stevens (alias Bones Hillman) se unió como
bajista, lo que permitió a Billy pasarse a la guitarra definitivamente. Bones,
un bajista destacado de los recientemente desintegrados Masochists, resolvió un
problema y aportó estabilidad a la banda a corto plazo.
Las últimas sesiones de Harlequin (hubo una última sesión de
mezcla unos días después) terminaron «Megaton» y «Desert Patrol» para un
sencillo, con Bones tocando en el primero, un tema de Billy Planet. El segundo,
acreditado como una canción de Stiggs pero en realidad una composición grupal,
fue esencialmente su primera grabación con voces superpuestas y una
introducción. Como parte del paquete, Grigg insistió en que Phonogram
imprimiera el disco en un sencillo de 12 pulgadas, el primero publicado por un
sello en Nueva Zelanda, y que apareciera en el sello Vertigo con el sello
"espacial" diseñado por Roger Dean, haciendo un gesto punk astuto
ante un diseño creado para la despreciada lista de rock progresivo de Vertigo.
Por esa época, Grigg envió un pequeño paquete de prensa con
fotos y pósteres, además de un fanzine creado por él y Stiggs, a la prensa
musical británica. NME publicó un breve párrafo, ligeramente despectivo, sobre
el auge del punk en las antípodas, mencionando a la banda. La idea de que el
punk tuviera una huella sureña muy lejana parecía un tanto absurda para los
hipsters de Londres.
Los conciertos en Auckland durante los últimos cinco meses
de 1977 fueron esporádicos, con apariciones en la discoteca Crofts de Airedale
Street y en un nuevo local, una discoteca en decadencia en Newton Road, que
Grigg y su manager se las habían ingeniado para convertir en el primer local
punk de Auckland. Duró unas pocas semanas. El número de "punks" en la
ciudad seguía siendo bastante inferior a 50, pero seguía creciendo, lo que no
constituía un público estable y viable.
El bombardeo mediático disminuyó un poco, ya que ambas
bandas de Auckland se dieron cuenta, tras el caos de Wellington, de que
posiblemente se habían excedido. La policía también mostraba interés y había
comenzado a acosar duramente con regularidad a los art-punks, todavía en su
mayoría inofensivos, algo que continuaría durante algunos años. Al igual que la
prensa, habría que mantener a la policía, con suerte, a distancia. Sin embargo,
la ley causaría problemas a Zero en los meses siguientes.
Sin embargo, a principios de noviembre, los Suburban
Reptiles y sus amigos aparecieron en una sesión de fotos de moda para el
Auckland Star, coordinada por la reportera Vanya Hogg. La sesión proporcionó a
la banda nuevas fotos publicitarias, en las que Jimmy llevaba una máscara de
gas, supuestamente porque sus padres aún no sabían que formaba parte de la
banda.
El año terminó por todo lo alto, con un contrato de
Phonogram (irónicamente, nunca se firmó correctamente; la única copia no tiene
fecha y tiene nombres inventados garabateados) y tres conciertos mensuales de
presentación para el nuevo año, esta vez todos en el espacio sobre el Classic
Cinema de Queen Street. Usado por última vez como sala de rock por Hello Sailor
en 1976, era un espacio perfecto que la banda había querido usar desde su
formación. El primero de estos fue el sábado 19 de noviembre, y la invitación
(estaba etiquetada como solo por invitación, pero era flexible) sugería
"meterse un vinilo y conocer a los Suburban Reptiles".
El segundo, el 3 de diciembre, dejó de ser solo para
invitados, y el tercero, el 15 de enero de 1978, presentó a las bandas con
imágenes de punk del Reino Unido que se proyectaron esa misma noche. Los dos
últimos llenaron a rebosar, lo que indicaba que el público punk de la ciudad ya
era numeroso, llegando a los cientos. Había al menos diez bandas punk tocando
en la ciudad.
A principios de la década de 2000, aún se podían ver
carteles negros de aquel concierto de enero pegados en las ventanas del piso
superior del Classic, con cinco rostros mirando hacia Queen Street desde una
frontera musical ya lejana.
El 2 de febrero, en una fiesta en el inapropiado Hotel
Poenamo, en el suburbio de Northcote, en la costa norte de Auckland, Phonogram
lanzó su campaña New Wave, que incluía, junto con álbumes de los Ramones y
otros, el sencillo de 12 pulgadas «Megaton». El disco se había programado
originalmente para noviembre, pero se retrasó repetidamente y luego se retrasó
hasta el lanzamiento de New Wave. A una edición inicial de 200 ejemplares con
el sello Roger Dean le siguió una de 301 con un sello espiral blanco estándar.
El disco se agotó casi al instante, pero no llegó a las listas de éxitos.
TVNZ grabó un vídeo de la canción el día de la última
función de Classic Cinema, con la banda en el balcón del teatro, pero nadie
recuerda con exactitud quién lo dirigió. De hecho, cuando se redescubrió en la
década de 2010, su mera existencia fue una sorpresa.
El 12 de febrero, los Suburban Reptiles tocaron en el
festival Riverhead Rock en West Auckland. Aunque el público era diverso, los
insultos (muchos de ellos de carácter marcadamente sexista) y las latas de los
miembros del grupo provocaron una fuerte respuesta verbal de Zero, quien les
dijo repetidamente que se fueran a la mierda. Una respuesta perfectamente
razonable a tales provocaciones ahora, pero en 1978, la policía no estuvo de
acuerdo y la acusó de usar lenguaje obsceno. Compareció ante el tribunal el 13.
Con esta situación pendiente sobre la banda, ofrecieron una
serie de conciertos durante los meses siguientes, comenzando con un concierto
en el State Theatre el 18 de febrero (en la calle Symonds de Auckland, con
Europe y The Phantoms), y luego una breve residencia a finales de mes en
Diamond Dogs, un club nocturno autoproclamado de new wave propiedad del
promotor Hugh Lynn, en un club que antes era Mojos Drag Revue. El club duró
tres semanas antes de que Lynn lo convirtiera en el Gobbles Disco, más
accesible para el público general.
El 15 de marzo, tocaron en una fiesta privada en el mercado
de Cook Street, seguida una semana después por otra fiesta privada en Hamilton,
tras la cual Bones Hillman dejó la banda para unirse a The Assassins,
básicamente su antigua banda, The Masochists, rebautizada. Fue reemplazado
temporalmente por el bajista de The Stimulators, Roland Morris (alias Roland
Killeen), justo a tiempo para un concierto dominical por la tarde en Radio
Hauraki, ante unas 4500 personas en Albert Park, el 26 de marzo o el 2 de
abril. Este concierto se filmó y se emitió posteriormente en Radio With
Pictures, aunque, una vez más, las cintas parecen haber desaparecido.
Un viaje a Wellington, bajo el nombre rápidamente apropiado
de The Hit and Run Tour, comenzó con tres fechas en Palmerston North. El primer
concierto, el 6 de abril, fue para los estudiantes de la ciudad, que celebraban
pero estaban muy borrachos, en su baile de clausura.
Como muestra de la rapidez con la que los Reptiles se
alejaban del punk mainstream, en constante evolución y crecimiento, Jimmy
recordó en 1979: «En mayo de 1978, tocamos en el baile de clausura de la
Universidad Massey y 600 punks borrachos y con imperdibles nos llamaron
farsantes porque todos llevábamos trajes sencillos y conservadores».
La secuela fue peor: se reservaron dos noches en la entonces
muy difícil Awapuni Tavern, al sur de Palmerston North. La banda solo tocaría
la primera noche el 7 de abril, cuando estalló una pelea entre el público y los
Reptiles. La versión del tabloide Truth fue que el público protestó por los
«abuso, las obscenidades y la música de mala calidad». La realidad fue algo
diferente: los artistas respondieron a las agresiones físicas y verbales de un
pequeño grupo de matones entre el público, alimentados por la constante
difusión en los medios, especialmente en periódicos como Truth, que retrataban
el punk rock como violento y casi infrahumano. A pesar de ello, los miembros de
la banda se defendieron con éxito y se presentaron a tocar la noche siguiente,
pero el recinto declinó la repetición.
El domingo 9 de mayo por la tarde, en el 52 de Cuba Street
en Wellington, los Suburban Reptiles tocaron con la banda 52 de Wellington,
liderada por un amigo, Graham Sinclair, y se encontraron con una ciudad muy
diferente a la de su visita de 1977, con un creciente número de bandas de punk
y post-punk y una escena musical nueva y muy próspera.
A su regreso a Auckland, los Reptiles se encontraron de
nuevo sin bajista cuando Roland Morris renunció para reincorporarse a The
Stimulators (quienes acababan de rebautizarse como Sheerlux). Fue rápidamente
reemplazado por Tony Baldock, exmiembro de Europe, justo a tiempo para que la
banda entrara en los estudios Mandrill a finales de mes, con Dave Hurley como
ingeniero de sonido para grabar "45 Single" de Buster Stiggs, un tema
posiblemente destinado a un futuro sencillo.
En una semana ajetreada, los Suburban Reptiles encabezaron
el cartel en otro nuevo local, The HQ Rock Café, en el número 52 de Upper Queen
Street, los días 17 y 18 de mayo (miércoles y jueves). A continuación, actuaron
dos noches en Zwines, el club punk de Durham Lane West, el viernes y el sábado,
pero encontraron al creciente público punk deprimentemente conservador y
original. La banda hacía tiempo que había dejado atrás lo que Jimmy Joy más tarde
llamaría "antichic imperdible", añadiendo que se habían convertido en
"parodias ridículas de lo que más creen". El punk se había convertido
en "un establecimiento más".
Continuando con la intensa actividad en los estudios por
aquella época (nadie sabe con certeza cuándo, ya que el estudio no parece haber
registrado las fechas), el grupo también entró en los estudios Stebbing en
Herne Bay para grabar un tema para la banda sonora de la película de David
Blyth, Angel Mine. La canción "Razorblade Rosie", una irónica
historia de incomodidad urbana, fue una de las primeras composiciones de Jimmy
Joy, que data de los inicios de la banda. Otras canciones, "SIS",
"Do The Mamba", "We Know What We Want" y "Flash
Gordon", también se grabaron rápidamente en demos en Stebbing, pero las
cintas, aparte de "Rosie", han resultado esquivas durante mucho
tiempo. Las sesiones fueron grabadas por Ian Morris. En el Sunday News del 21
de mayo, la banda anunció que "Mamba" y "We Know What We
Want" (ambas canciones de Billy Planet) serían el próximo sencillo. No fue
así.
El 1 de junio, el magistrado de Auckland, T. G. Maxwell,
declaró, en un fallo de siete páginas, que el uso de la palabra
"fuck" por parte de Zero no constituía un delito y que "no sería
sorprendente escucharla en ese contexto".
Concluyó: "Si la palabra se hubiera usado en un sentido
más sexual para estimular o excitar al público, mi opinión habría sido
diferente". Esto sentó un precedente legal que ha permitido a los
neozelandeses pronunciar la palabra públicamente desde entonces.
Una noche de junio en Wellington, la estrella del pop Gary
Glitter, aún no deshonrada, estaba viendo un programa infantil de pop en la
televisión cuando sintió la urgente necesidad de llamar al productor del
espectáculo que iba a encabezar en Nueva Zelanda. El espectáculo necesitaba una
cantante más para completar el elenco. Le dijo a Stewart Macpherson que la
había encontrado, que había encontrado a Columbia: se llamaba Zero y era la
cantante de una banda llamada Suburban Reptiles.
Tras una audición poco después, Zero fue contratado para
participar en la producción descontrolada (es decir, sin licencia legal) de The
Rocky Horror Show, programada para una gira por Nueva Zelanda entre julio y
octubre de 1978. Sin embargo, esto significó que los Suburban Reptiles estarían
en pausa durante gran parte de ese tiempo. El espectáculo también incluía un
álbum de banda sonora, grabado en los estudios EMI de Wellington y producido
por David Fraser. (El álbum entraría en las listas de éxitos y, curiosamente,
un sencillo con Zero, «Time Warp», fue extraído de la banda sonora en 1981).
De vuelta en los estudios Mandrill a mediados de junio,
ahora con el exguitarrista y compositor de Split Enz, Phil Judd, como
productor, la banda comenzó a grabar otro tema de Stiggs, «Saturday Night Stay
At Home». Judd, un antiguo compañero de estudios de Buster, había regresado
recientemente del Reino Unido y de sus experiencias en el estudio con Phil
Manzanera, de Roxy Music. Judd había elegido la canción tras escuchar a la
banda tocar en Zwines, y, según diría Buster más tarde, reflejaba su sueño de
formar parte de una banda tras ver a los Beatles de niño. Las sesiones y el
encuentro con Judd darían lugar a uno de los clásicos neozelandeses de 45 rpm
de todos los tiempos, aunque finalmente resultarían fatales para la banda. Si
bien ambas están relacionadas, es muy injusto culpar a Judd de esto último: le
pidieron que produjera a la banda, lo cual hizo con maestría y con resultados
excelentes y atemporales.
The Reptiles volvieron a presentarse en The Classic el 16 de
junio, esta vez con The Scavengers, Rooter y The Idle Idols, estas dos últimas
bandas formadas por los primeros seguidores de The Reptiles y The Scavengers.
El punk de Auckland volvió a dirigirse al sur en junio,
cuando un promotor llenó un autobús con varias bandas y las llevó al
Ayuntamiento de Wellington para un concierto el 18 de junio. El espectáculo se
llamó The New Wave Special y se filmó para un especial de televisión de
Eyewitness - Punk que se emitió el martes 27 de junio de 1978, dirigido por el
futuro director de TVNZ, Neil Roberts. Los Reptiles aparecieron en el
escenario, y Zero y Buster fueron entrevistados en cámara. Las historias
(ciertas) sobre tratos poco éticos por parte de uno o dos miembros del equipo
de producción en sus tratos con algunas punks de Auckland antes del viaje
dificultaron la filmación.
Sin embargo, los Reptiles se estaban desmoronando
rápidamente, y Billy Planet se marchó tras una discusión con Judd y Stiggs sobre
las guitarras en la grabación de "Saturday Night", que Judd insistió
en que él o Stiggs tocaran. La realidad era que era la batalla final de una
guerra por el control de la banda que se había estado gestando durante un año,
desde la incorporación de Stiggs, con los dos testarudos miembros apenas
hablando durante la mayor parte de 1978. Nunca más volverían a hablarse.
Quizás con razón, Planet acusó a Stiggs de intentar
convencionalizar la banda y alejarla del concepto original de los fundadores de
un proyecto más radical y experimental que redefiniera las fronteras musicales
en lugar de ajustarse a ellas. Buster, por otro lado, había visto a sus amigos
convertir el cine de autor Split Enz en una potencia global con aspiraciones y
no veía por qué los Suburban Reptiles no podían seguir un camino similar. Ambas
visiones eran irreconciliables. Billy Planet abandonó Mandrill una tarde de
finales de junio y nunca volvería. El 3 de agosto, el New Zealand Herald
anunció públicamente la llegada de Judd como productor. Era el comienzo del
último acto de la banda.
La grabación continuó sin Planet. Judd y Stiggs tocaron la
guitarra, y Judd añadió Mellotron a la grabación, algo quizás más acorde con
los primeros Split Enz que con la filosofía post-punk de los Suburban Reptiles,
aunque la vertiente Roxy/Eno que representaba no era ajena a la banda. Las
sesiones terminaron durante los descansos de Zero, de The Rocky Horror Show.
Se filmó un video el 19 de agosto en los estudios Shortland
Street de TVNZ, aunque, al igual que «Megaton», el nombre del director se
pierde en el tiempo. En el video, Judd y Stiggs tocan la guitarra, y Des Hefner,
de The Scavengers, sustituye al baterista, ahora al frente. Phil Judd siempre
se ha mantenido firme; tocaba como invitado, no como miembro de la banda.
El sencillo se lanzó el 22 de septiembre y el video se
estrenó en Radio With Pictures la semana siguiente.
Mientras tanto, Zero continuó su gira por Nueva Zelanda con
The Rocky Horror Show, con actuaciones en Auckland en agosto y septiembre, que
se anunciaron en parte mediante una página de media página en el Auckland Star
del 24 de agosto que mostraba a Zero maquillándose para el espectáculo. Durante
una actuación, en el His Majesty's de Auckland, Zero se cayó del escenario,
lesionándose mucho más grave de lo que admitió en ese momento, aunque continuó
actuando hasta el último concierto en Wellington el 7 de octubre, tras lo cual
regresó a Auckland.
En Auckland, Buster había decidido despedir a Jimmy Joy. El
saxofonista declaró al historiador Simon Kay en 2015: «Phil Judd no quería un
saxofonista en la banda. Recibí una llamada de Buster después de que ensayaran
sin mí, y me despidieron».
Obviamente molesto porque el baterista se tomó la libertad
de despedir a la fundadora de la banda y a su pareja, sin tener la autoridad
para hacerlo, Zero aceptó continuar con los Suburban Reptiles para un último
concierto, en el estreno de Angel Mine de David Blyth el 19 de octubre en el
Civic Theatre. Blyth era amigo personal y había apoyado a la banda desde el
principio. Tocaría para él.
A pesar de esto, Buster también había acordado que la banda
tocaría en un próximo concierto en el State Theatre de Auckland tres días antes
del estreno, y aparecieron carteles por la ciudad con Zero y Jamie Jetson de
The Idle Idols. Los Suburban Reptiles, a pesar de la actuación de estreno
prometida, ya no existían antes de que los carteles se imprimieran. Nunca se
sabrá si Buster pensó que la separación se resolvería o si simplemente olvidó
avisar a los promotores.
En el estreno de Angel Mine, tocaron dos bandas derivadas de
Suburban Reptiles, y sin embargo, ninguna de ellas era Suburban Reptiles. La
primera, con Billy, Jimmy y miembros de la banda de teatro-arte The Plague,
quizás tenía más derecho a representar el espíritu de los primeros Reptiles.
Tocaron en un lateral del vestíbulo del cine de la planta superior. Al
terminar, una segunda banda, con Buster y Tony Baldock a las guitarras, Phil
Judd al bajo, Zero a la voz y el exbaterista de Split Enz, Paul Crowther, a la
batería, comenzó en el lado opuesto del vestíbulo. Esta era la formación que
Buster pretendía mantener después de que, como dijo Tony Baldock en 2015, Judd
hubiera caído como una lluvia de meteoritos sobre la banda. (Buster parece no
haberle informado a Judd de esta intención). No fue así. Tony continúa: «A
mitad de la primera canción, todo se vino abajo y morimos en público; la fecha
de caducidad se había cumplido». Como era de esperar, la banda de Dunedin, The
Enemy, había llegado a Auckland unas semanas antes del estreno de Angel Mine y,
de todas las bandas de punk y post-punk en activo, eran las más cercanas en su
amplia filosofía disruptiva. Al igual que los Suburban Reptiles, The Enemy no
se limitaban a los parámetros del punk, y el relevo pasó la antorcha. Esa
noche, Chris Knox le pidió a Phil Judd que se uniera a su banda en desarrollo,
que con el tiempo se llamaría Toy Love.
Como explicó Zero al Auckland Star en agosto: «... el punk
ha muerto, o al menos debería. Era el tipo de cosa que necesitaba una explosión
y luego terminar». El 19 de octubre de 1978, lo hizo, al menos para los
miembros de los Suburban Reptiles.
Una encuesta en las emisoras de radio estudiantiles b-Net en
2001 nombró a «Saturday Night Stay At Home» como el mejor sencillo neozelandés
de la historia. En 2020, una copia se vendía por 1700 dólares neozelandeses.
Buster Stiggs falleció el 7 de enero de 2018, Billy Planet
el 21 de julio de 2022 y Clare Elliott (Zero) el 26 de marzo de 2024.
Seguido de este sonó ‘’Saturday night stay at home’’ título que el grupo surgido en Auckland Suburban reptiles incluyeron en su segundo single al que dio título.
Registrado en 1978 este vio la luz a través de la
multinacional Vértigo Records ese mismo año.
Esta fue una de las dos primeras bandas de punk de Nueva
Zelanda.
Formada en 1976, fue la primera en grabar y publicar un
disco.
Sus restos se transformaron
en 1979 en The Swingers.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer
single registrado en 1978.
Además de este cuentan con:Un single más y un E.P.
Para el segundo sencillo, no todos en la banda estaban
contentos con la participación del ex guitarrista de Split Enz, Phil Judd,
quien se ofreció a producirlo.
Su llegada y la posterior adulación causaron mucha fricción
entre los miembros, que se dividieron en dos bandos: Judd y Hough, quien lo
acompañaba, por un lado, y Pendergrast y Salter por el otro, con Zero en el
medio.
Los problemas de drogas también exacerbaron las tensiones,
algo que las bandas juveniles autogestionadas, llenas de adrenalina y
creatividad, no están preparadas para gestionar,esto acabó con el grupo.
https://www.discogs.com/es/master/677759-Suburban-Reptiles-Saturday-Night-Stay-At-Home-
The Instigators —Ed Geddes (voz, saxo), Sonya Waters
(teclados, voz), Tarewai Wesley (bajo), Eddie Olsen (batería) y Tom Rothsey
(guitarra)— fue un grupo de ska/punk de Auckland que giraba intensamente. Su
primer sencillo, «Not Really Bad», salió en 1981 tras ganar la Batalla de las
Bandas.
En Rip It Up, el editor asistente Mark Phillips describió a
la banda en su presentación en la Batalla como «un quinteto con un saxo y
teclados aullantes que llenaron la pista de baile. Tienen la estética y el
sonido de una banda de ska, ritmos rápidos, pero canciones mediocres».
La columna «Rumores» de agosto de 1981 afirmaba que la banda
se había formado a principios de ese año, con la incorporación de Tom un mes
antes. Interpretan un 50 % de temas originales y versiones de ska/rock, y
planean una gira por Nueva Zelanda a finales de año, tras el lanzamiento de su
sencillo debut. «Queremos tocar en todos los sitios posibles», declaró Geddes.
Waters, Rothsey y Wesley fueron sus principales compositores, según Waters:
«Escribimos desde la experiencia personal, pero no escribimos canciones de
amor».
Tres meses después, en la edición de septiembre de 1981, el
crítico de Rip It Up, Francis Stark, reseñó el sencillo debut, «Not Really Bad»
con «In Line». «El premio de tiempo de estudio de The Instigators en «Battle of
the Bands» fue supervisado por Don McGlashan de The Blams, y estos dos temas
son el resultado. «Not Really Bad» e «In Line» son densos, con un toque de Pop
Mechanix. «Bad» triunfa por la fuerza de su voz».
Cuando los Instigators tocaron en el festival Brown Trout,
cerca de Dannevirke, en enero de 1982, Susie Fraser escribió en Rip It Up que
estaban "plagados de problemas con las mezclas. Sin embargo, tuvieron un
éxito inmediato con su irresistible ritmo bailable y sus letras algo
amargas".
Al reseñar la actuación de la banda en Sweetwaters ese mes,
Duncan Campbell se mostró intrigado pero reservado: "Los Instigators,
cuatro chicos y una chica rude, tocaron ska y reggae de manual, con una línea
sólida en los Specials y los Selector, competentes, a veces furiosos, pero nada
impresionantes". En el festival Nile River, más tarde ese verano, la
actuación de la banda destacó por el baile del bajista Tarewai Wesley, que lo
hizo desaparecer del escenario tres veces.
Los Instigators pulieron el éxito de Desmond Dekker,
"Israelites", para convertirlo en uno de los mejores lanzamientos del
ska neozelandés. El tema apareció en el recopilatorio de Ripper de principios
de 1982, Goats Milk Soap.
Pero pasó un año antes de que Ripper lanzara un sencillo que
siguiera a "Not Really Bad", y fue justo antes de su separación a
finales de 1982. "Hope She's Alright" añadió un punk staccato de
calidad a su legado. "Nunca me ha gustado el ska de manual de los
Instigators, pero esta despedida suya es muy diferente", escribió Mark
Phillips en septiembre de 1982. "Punk de vanguardia, guitarras potentes y
una voz feroz: todo ello lo convierte en su mejor trabajo hasta la fecha".
(La canción se incluyó en el recopilatorio de Ripper de 1983, Rip Shit Or Bust,
y en el recopilatorio de Propeller de 1988, Bigger Than Both Of Us).
Durante sus dos años de existencia, los Instigators giraron
regularmente por Nueva Zelanda en el concurrido circuito de clubes y pubs, con
conciertos regulares en Island Of Real, Rumba Bar, Reverb Room y Mainstreet
Cabaret, además de sus apariciones en festivales.
Sonya Waters lanzó un miniálbum en solitario para Ripper en
octubre de 1983 (el último disco del sello) y, tras pasar varios años en el
extranjero, formó parte de The Broken Heartbreakers, White Swan, Black Swan y
Fang. Eddie Olsen tocó la batería en Auckland Walk y luego en The Exponents
antes de mudarse al Reino Unido, donde recuperó su nombre real, Eddie Rayner
(cambió su nombre para evitar confusiones con el teclista de Split Enz). Ed
Geddes tocó en el álbum de Dominic Blaazer de 2017, The Lights Of Te Atatu.
En marzo de 2024, los cinco temas de estudio de los
Instigators, además de cinco temas en vivo y una versión dub de «No Problems»,
se lanzaron en el álbum de vinilo The Best of the Instigators (Ripper).
Sonya Waters recordó: «En las ciudades tocábamos ante grandes multitudes en salas de rock donde todos saltaban de alegría y conectaban con nuestro mensaje antigubernamental. Los pubs rurales eran otra historia; no querían escuchar nuestras canciones sobre la vida real, la guerra entre bandas y una prostituta desaparecida. ¡En Blackball intentaron darnos una paliza y nos persiguieron por la calle!».
A este le precedió ‘’Hope she’s alright’’ tema que la banda procedente de Auckland The Instigartors incluyeron en su segundo y último single al que dio título.
Registrado en 1982 este salió a la calle bajo el brazo del
sello Ripper Records ese mismo año.
Formados por Ed Geddes,su cantante y saxofonista, Sonya
Waters,al teclado y voz Tarewai Wesley al bajo, Eddie Olsen tras la batería y
Tom Rothsey a la guitarra.
Estos fueron un grupo
de Ska/Punk que realizaron intensas giras por Auckland, cuyo primer sencillo
'Not Really Bad' llegó en 1981 después de ganar la Batalla de las Bandas.
Además de este cuentan con un segundo single aunque dejaron
registrados algunos temas más que aparecerían publicados junto a un fragmento
de una de sus actuaciones en vivo en un álbum nada menos que 43 años después en
2024.
https://www.discogs.com/es/release/920953-The-Instigators-Hope-Shes-Alright
Bored Games, una nota al pie punk en la historia del rock
alternativo neozelandés, fue la banda de instituto de Shayne Carter, quien más
tarde dejaría huella con Straitjacket Fits y Dimmer.
Mientras asistía a la Kaikorai Valley High School en
Dunedin, Shayne Carter formó Bored Games con Wayne Elsey, Fraser Batts,
Jonathan Moore y Jeff Harford.
La banda debutó en el concurso de talentos de la escuela en
1979. Cuarenta años después, Carter describió la escena en sus memorias, Dead
People I Have Known: "Planeamos darles una paliza desde el
principio", escribió Carter.
Fraser acierta el acorde inicial de 'I Wanna Be Your Dog'
antes siquiera de que se mueva el telón, y para cuando termina, ya está en Mi.
El resto de la banda entra lentamente, con el remolque detrás de su camioneta.
Llevo a Ted, el osito de peluche de mi hermana pequeña, bajo
el brazo. Había planeado usar a Ted como un elemento irónico, pero desde la
primera nota, sus días están contados. En el primer minuto, lo descuartizaron y
lo esparcieron por el escenario. Mi hermana de 7 años observaba desde su
asiento, horrorizada...
"No es lo que el público esperaba. La cosa empeora en
el llamado estribillo, donde se repite una línea hasta que queda claro que lo
que crees que se está diciendo realmente se está diciendo.
"¡Ahora quiero ser tu perro! ¡Ahora quiero ser tu
perro!"
Bored Games posteriormente actuó como teloneros de Toy Love,
un grupo que, junto con The Enemy, el grupo anterior de Chris Knox, resultó ser
una influencia fundamental en el joven Carter.
Bored Games duró solo 18 meses, separándose a mediados de
1981, una banda fundamental en la historia temprana del sello Flying Nun.
Un anuncio clasificado en un periódico atrajo a otros dos
adolescentes con ideas afines a la banda —los guitarristas Fraser Batts y
Jonathan Moore— y provocó la salida de Gavin. El grupo se formó originalmente a
principios de 1979, con Carter como vocalista, Wayne Elsey como bajo, Jeff
Harford como batería y, como escribió Roy Colbert en un perfil póstumo en el
Listener del 6 de noviembre de 1982, «un guitarrista llamado Gavin, a quien
Carter recuerda como horrible: 'se inventaba todos sus propios acordes'».
Cuando Elsey se unió a los Stones en 1981, Terry Moore (sin
parentesco con Jonathan) se unió brevemente al bajo antes de unirse a Batts y
unirse a The Chills ese mismo año.
Un año después, esta formación grabó póstumamente el único
EP de 12 pulgadas de Bored Games, Who Killed Colonel Mustard, con 200 dólares
aportados por el naciente sello Flying Nun. Con la pegadiza "Happy Endings"
y el clásico punk thrash de "Joe 90", es una joya menor. Un
impactante video de "Happy Endings", filmado por el veterano
camarógrafo de TVNZ, Peter Janes, es casi monocromático, centrándose
principalmente en Carter actuando intensamente frente a una ventana de cristal
emplomado. Los créditos iniciales reproducían el juego de palabras de los
juegos de mesa, deletreando los detalles con fichas de Scrabble.
Carter confiaba, incluso con agresividad, en el potencial de
Bored Games. "Nos daba asco lo que se grababa desde más al norte", le
contó a Colbert. "Creíamos que teníamos canciones mucho mejores y también
queríamos algo que mostrar tras más de dos años de trabajo duro".
Parte de la dificultad que tuvo la banda fue encontrar
lugares donde tocar: la mayoría de los miembros de Bored Games tenían tan solo
15 o 16 años; incluso Terry Moore, de 19, no podía beber en un pub legalmente.
En los 27 meses que duró la banda, solo tocaron 25 veces.
Carter, ya un narrador, le describió a Colbert una serie de
incidentes dignos de Spinal Tap en la corta carrera de la banda. Tras retirarse
de una batalla de bandas en 1980, ganaron su serie en 1981, venciendo a una
banda de heavy metal. El cantante de la banda de metal golpeó a Carter esa
misma noche. Quería saber cuántas semanas llevaba tocando. Dijo que era músico
profesional y que había estado en la Isla Norte.
Bored Games no llegó a la final. Las maquetas enviadas a
Mike Chunn en Auckland no recibieron respuesta; un par de vídeos hechos para
Droppa Kulcha nunca se emitieron (aún no se conserva ningún episodio de la
serie musical de TVNZ); y la banda canceló un concierto como teloneros de Lip
Service, la banda de Auckland, cuando el padre de Batts le dijo que no podía
tocar en un pub. Así que Bored Games no se presentó.
Colbert describió a Carter como, en una buena noche,
"una amalgama precoz de Chris Knox, Pete Shelley y Johnny Rotten".
Sus frenéticos sets consistían principalmente en canciones originales, aunque
una excepción destacaba: la noche en que Bored Games teloneó a Toy Love en el
Concert Chamber, "y presentaron una versión de 'Pull Down the Shades' que
se burlaba de la propia Toy Love". Knox, que nunca escatimaba comentarios,
"solo podía quedarse de pie y boquiabierto".
"Nos separamos por frustración", le contó Carter a
Colbert. "Estábamos cansados de ver las mismas caras de siempre cuando
tocábamos, y normalmente teníamos que organizar los bailes nosotros mismos, ya
que no podíamos tocar en pubs. No teníamos dinero para irnos de Dunedin, y de
todas formas seguíamos en la escuela".
En su reseña del EP Colonel Mustard en Rip It Up, Jewel
Sanyo comentó: «Compra este disco y llora por la flor caída del power pop de
Dunedin, que se disolvió hace un año. 'Happy Endings' y 'Joe 90' deberían
asegurarles la inmortalidad. La banda tiene una presencia real en vinilo, con
voces potentes y roncas y un sonido rock'n'roll con graves. Sospecho que la
grabación no le hace justicia a Bored Games. ¿Se giraron los controles a
medias? No importa: el bailable y aplaudidor 'Joe 90' te hará bailar».
Colbert consideró el EP como «una excelente representación
de la banda: cuatro de sus mejores canciones, interpretadas con precisión y
mezcladas con la radio rock'n'roll en mente. Dudo que haya habido un lanzamiento
más accesible para los Joe 90 sobre los que Carter canta en el catálogo de
Flying Nun hasta la fecha, y eso se ha logrado sin perder ni un ápice de la
potencia de la banda en el escenario». (Who Killed Colonel Mustard fue
reeditado por Flying Nun para el Record Store Day de abril de 2014).
Colbert concluyó su reseña de Bored Games de 1982 con un
comentario profético: «Carter, posiblemente demasiado abrasivo para encajar en
la continua polinización cruzada que se ha producido en las jóvenes bandas de
Dunedin durante los últimos 18 meses, ha estado trasteando con guitarras y
habla de formar una nueva banda pronto. Carter, el compositor principal de
Bored Games y un gran cantante e intérprete, seguramente resurgirá pronto.
Después de todo, solo tiene 18 años».
‘’Bridesmaid’’ es el título del tema que acabáis de escuchar este corrió a cargo de la banda procedente de Dunedin al sur de Nueva Zelanda Bored games.
Incluido cerrando la cara b de su único E.P. al que
bautizaron Who Killed Colonel Mustard.
Registrado en 1981 este salió a la calle de manos del sello Flying
Nun Records en un año más tarde en 1982.
Fundada por Shayne Carter su cantante cuando tenía 15 años y
todavía estaba en la escuela secundaria con Fraser Batts a la guitarra solista
y Jonathon Moore a la guitarra rítmica.
La base rítmica la conformaron Terry Moore al bajo y Jeff
Harford tras la batería.
El grupo debutó en el concurso de talentos de la escuela en
1979.
Posteriormente, Bored Games actuaron como teloneros de Toy
Love, grupo que, junto a The Enemy, la banda anterior de Chris Knox, resultó
ser una gran influencia para el joven Carter.
https://www.discogs.com/es/master/526442-Bored-Games-Who-Killed-Colonel-Mustard
Los 3Ds eran la banda a batir en la Nueva Zelanda de los 90.
Con su venerable pedigrí, eran el supergrupo de la tercera ola de Flying Nun.
Tenían la fuerza para animar a los espectadores, pero también sabían
impresionar a los chicos y chicas y hacerlos bailar.
Con sus estribillos perversos, los compositores y
guitarristas principales, David Mitchell y David Saunders, se aferraron a los
ritmos, desde sutiles hasta brutales, de Denise Roughan y Dominic Stones —como
una criatura de los Sunday Horrors de uno de los dibujos de Mitchell—, solo
para acurrucarse frente al fuego y darse un abrazo.
Los dos Davids —Saunders y Mitchell— y Dominic Stones,
jóvenes veteranos de la escena musical de Auckland, se mudaron a Dunedin, esa
tierra mítica de alquileres baratos y cerveza a raudales. Mitchell declaró al
Otago Daily Times: «El ambiente de una ciudad con un puerto gigantesco visible
desde casi cualquier lugar es mucho mejor para —me atrevo a decirlo— el alma,
que estar atrapado en un piso caro en Auckland intentando desesperadamente
reunir el dinero del alquiler».
Stones fue apodado «Fatty» como guitarrista de Bird Nest
Roys —la segunda ola de psicopoppers de Flying Nun y la única banda de Auckland
considerada parte del mítico «Dunedin Sound»— y empezó a tocar y grabar con
Snapper al llegar a Dunedin.
Saunders había formado parte de la banda folk de Auckland,
Battling Strings, en su adolescencia. En Dunedin, se unió a Robert Scott de The
Clean, con quien había estado compartiendo piso, en una banda que ilustra la
incestuosa trama de la escena de las ciudades pequeñas: Mr Big Nose, que también
incluía a Alan Haig y Peter Gutteridge de Snapper.
Roughan es el único originario de Dunedin del grupo. Su
banda, la crucial —y notablemente subestimada— Look Blue Go Purple, acababa de
disolverse tras tres EP cuando llegaron Saunders y Stones, y en mayo de 1988
los tres se conocieron y empezaron a improvisar.
Stones y Roughan querían ser exguitarristas y se hicieron
cargo de la batería y el bajo, respectivamente. Alguien se dio cuenta de que
todos se llamaban «D» y algo así, ¡y que, oye!, ¡ Empezaron a ensayar en Cycle
Salvage, un taller de motos gélido que cedía espacio a bandas por las noches.
No pretendían ser más que una banda divertida que tocaba como teloneros de
otras bandas, se tomaba unas copas y se reía. En marzo de 1989, los
embrionarios 3D grabaron unas maquetas para Flying Nun que nunca más se
volvieron a escuchar.
Mientras tanto, Mitchell y Saunders habían empezado a tocar
juntos con Alastair Galbraith y Plagal Grind (y, ¡atención!, ¡también le
llamaban D-algo!). Así que a principios de 1989 el cuarto D se unió a la banda,
y seguían llamándose los Tres D, pero eran aún mejores.
Antes de mudarse a Dunedin, Mitchell había tocado en The
Exploding Budgies y Goblin Mix. Como muchos futuros músicos, Mitchell empezó
como un impostor de la guitarra. A su hermano mayor y malvado Bob lo habían
echado de casa a los 14 años, y su guitarra estaba guardada bajo llave. El joven
David encontró la clave y aprendió a tocar en secreto, improvisando con un solo
pulgar. Quizás la unión de un aprendizaje poco convencional y esta asociación
con la maldad dio origen a su singular y sinuoso estilo de guitarra. Lo mismo
ocurrió con su voz: un percance le provocó la rotura y el reemplazo de dientes,
lo que le dio un ceceo a lo Tom Rapp y un ligero gorjeo a lo Stephen Cogle.eran
tres! Así que se llamaron The 3Ds, y ¡sí, eran una banda! Y era genial.
A diferencia de sus antecesores, Television y Thin Lizzy, la
hermandad de los David debe ser fraternal, quizás separados al nacer: el estilo
de Saunders creció en una familia de guitarristas cariñosos, mientras que el de
Mitchell se crio en un nido de serpientes. Escuchados por separado, a veces
suena como si tocaran canciones completamente diferentes, como si la mano derecha
escribiera en inglés mientras la izquierda lo hiciera en cirílico al revés.
A pesar de sus esfuerzos, The 3Ds pronto se volvieron
demasiado buenos como para quedarse a un lado del escenario bebiendo la cerveza
del grupo principal. En junio de 1989, tocaron por primera vez como cabezas de
cartel en The Empire, uno de los pubs más antiguos de Dunedin y punto de
encuentro de la escena Dunedin Sound/Flying Nun/Xpressway. Por fin, la bestia
tridimensional salió de la pantalla y cobró vida real (sin necesidad de gafas
rojas y azules).
Su repertorio en aquel momento incluía varias versiones,
entre las que destacaban "Powderfinger" de Neil Young y "Baby's
on Fire" de Brian Eno (una grabación de esta última se incluyó como cara B
del sencillo de Outer Space). Mitchell declaró al Otago Daily Times:
"Parece que nuestra forma de trabajar es que tenemos una canción básica
que avanza a toda velocidad y luego una gran parte donde hay espacio para
cualquier cosa. Es mucho mejor para nosotros estar un poco desorientados sobre
lo que está pasando... le metemos un poco de peligro".
Bruce Russell fundó el sello Xpressway el año anterior,
publicando casetes y discos de 7 pulgadas de artistas como The Dead C y
Alastair Galbraith. En el fanzine Alley Oop, Russell describe su sonido en uno
de sus primeros conciertos (como teloneros de Teeth) como "riffs horribles
que se te meten bajo las uñas y no salen". Russell animó a la banda a
grabar para su sello en los recién fundados Fish Street Studios de Stephen
Kilroy, junto al muelle de Dunedin, donde Kilroy estaba reconstruyendo una
enorme grabadora de ocho pistas. Se mudaron a Fish Street como su nuevo espacio
de ensayo y grabaron algunas maquetas en la grabadora de cuatro pistas de
Mitchell mientras Kilroy hacía pequeños ajustes.
El acuerdo con Xpressway se frustró rápidamente por falta de
fondos, y la banda fue absorbida por la red Flying Nun. En abril de 1990,
grabaron su primer EP, Fish Tales, con Kilroy y el ingeniero de Auckland,
Matthew Heine (de Spud), en los estudios Fish Street. A la espera del
lanzamiento de este debut, comenzaron su primera gira por el país. Más tarde
ese mismo año, regresaron a Fish Street para grabar su segundo EP (o
"Miniálbum", como a veces se les llamaba en Flying Nun), Swarthy
Songs For Swabs, con Kilroy y el nuevo ingeniero Tex Houston, quien continuaría
su asociación con la banda hasta el final.
Canciones de esta primera etapa, como "Mud
Sacrifice" y "Ritual Tragick", insinúan la fascinación de
Mitchell por lo oculto, que se escuchó por primera vez en su canción para los
Exploding Budgies, "Kenneth Anger". Pero lo escalofriante era solo
uno de sus aspectos más destacados. «First Church» es una fantasía de vuelo
altísimo, «Meluzina Man» es de una melancolía deslumbrante, y «Dreams of Herge»
es monótona, distorsionada, culta y pegadiza.
En febrero de 1992, The 3Ds (junto con Second Child)
telonearon a Nirvana en el Logan Campbell Centre de Auckland, justo cuando
Nirvana se convertía en la banda más grande del planeta tras el lanzamiento de
su álbum Nevermind y el vídeo de «Smells Like Teen Spirit». Nirvana les ofreció
a The 3Ds un puesto como teloneros en su gira por Japón, pero lo rechazaron.
Habían grabado su primer CD (no publicado en vinilo hasta 2011), Hellzapoppin,
en Fish Street Studio a finales de 1991, y realizaron su primer viaje al
extranjero para una breve gira por Estados Unidos para promocionar el
lanzamiento del álbum, teloneando a bandas como Superchunk (que recomendaron a
su sello Merge y les consiguieron un contrato discográfico), y tocando en el
CMJ New Music Seminar de Nueva York.
Hellzapoppin da nombre al sonido bipolar congénito de The
3Ds. Es música pop, sí, pero depravada. Hay pop-rockeros animados y de
estructura sencilla con letras oblicuas y alucinatorias, y canciones
engañosamente sensibles sobre cosas absurdamente horribles. Dos canciones
consecutivas en el álbum describen esta dicotomía: «Leave the Dogs to Play» y
«Hairs» definen la diferencia entre la alegría de Saunders y la bazofia de
Mitchell. No es una división tan marcada; la hay si la buscas, pero Saunders
puede llegar a ser sórdido, y Mitchell, igualmente cálido y cariñoso.
Su siguiente álbum, The Venus Trail, es la culminación
extática de la aventura de The 3Ds. Esa tensión entre el ruido y el pop
encontró su armonía y dio un golpe a la escena internacional. Los 3D habían
absorbido tanto como habían aportado a lo que ahora se denominaba con firmeza
"Música Alternativa", y ese intercambio se refleja en todo este
álbum. Por mucho que el gran sencillo y tema inicial del álbum, "Hey
Seuss", insinúe omnipresentemente a The Pixies, los barridos de órgano de
Roughan son puramente Enzed. "Philadelphia Rising" es un clásico
grunge perfecto, incluso cuando hace referencia a una ciudad en la costa
opuesta de la sede del grunge, y a un millón de kilómetros de Dunedin.
En otros lugares, se puede escuchar el sludge psicorrock de
contemporáneos como Smashing Pumpkins de la era Gish, y el pop atonal acelerado
de Goo de Sonic Youth. Incluso Ministry, metaleros industriales de la era Psalm
69, están presentes, con un sample oculto en el tema scuzz-thumber "Man On
The Verge Of A Nervous Breakdown". La radiante tristeza de la armonía
vocal de Roughan y Saunders en "Young And Restless" encajaría
perfectamente en la mezcla de iTunes de los fans de Yo La Tengo, mientras que
"Beautiful Things" es casi una canción de la antigua banda de
Roughan, Look Blue Go Purple. Aunque es aún más cruda, uno casi espera que
Norma O'Malley irrumpa en cualquier momento con un redoble de órgano.
The Venus Trail se grabó en la Gran Logia Masónica de
Dunedin (n.° 931), construida en 1864 como sinagoga y posteriormente
desacralizada y convertida en templo masónico. Más recientemente, fue la
Galería del Templo, y en 2004 se volvió a utilizar para grabar el EP Stand By
de The Chills. Como muchas de las historias de los inicios de The 3Ds parecen
girar en torno a la bebida y la diversión, no sorprende que las notas de este
álbum mencionen un "agradecimiento especial a Mac's Ales". Se rumorea
que The 3Ds traían estas cervezas a montones, lo que provocó escasez de cerveza
en la Isla Sur.
En 1993, U2 visitó Nueva Zelanda para dos paradas de su gira
Zoo TV "Zoomerang/New Zooland". Bono pidió a The 3Ds (junto con Big
Audio Dynamite II) que actuaran como teloneros en sus conciertos en
Christchurch y Auckland. Se dice que un socio de The 3Ds robó una botella de
vino del camerino de la superbanda irlandesa, y el promotor les dijo que no
cobrarían por su actuación. Bono, magnánimo como siempre, insistió en que les
pagaran —de hecho, que les duplicaran— y que recibieran una botella de vino
extra.
La banda partió de gira por Australia y Estados Unidos (con
Superchunk, Pavement y Guided By Voices), y luego al Reino Unido, donde
grabaron tres canciones de Venus Trail y un tema de Swarthy Songs... para una
Peel Session el 24 de abril de 1994. Obtuvieron el premio a la Banda de la
Semana en Melody Maker y el de Álbum de la Semana en NME. De regreso a Nueva
Zelanda, llevaron a Pavement y Superchunk de gira tanto en su país como en
Australia, y en 1995 tocaron en todas las etapas del Big Day Out Festival. Ese
mismo año, regresaron a Fish Street (ahora, curiosamente, ubicada en Burlington
Street) para grabar sus primeros discos nuevos en tres años: el EP Caterwauling
y su último álbum, Strange News from the Angels.
Strange News from the Angels fue un final poco satisfactorio
para este grupo de talla mundial, un álbum sombrío y contenido que no contó con
músicos invitados ni con la voz de Roughan. El álbum está repleto de canciones
finamente elaboradas, exquisitamente producidas y fantásticas, pero quizás la
crítica más justa fue que Strange News... era más de lo mismo, pero a la vez
menos de lo mismo: sonaba como The 3Ds que amábamos, pero también demasiado
parecido a muchas otras bandas. Es el sonido maduro de una banda que lleva
tiempo junta, ha dado grandes conciertos y conoce todos los dones,
peculiaridades y defectos de los demás.
En retrospectiva, es fácil leerlo como un informe final
ligeramente agotado justo antes de retirarse. En una entrevista de 1996 en el
Otago Daily Times, Mitchell se mostró menos efusivo y entusiasta que de
costumbre al describir el álbum como "una mezcla de cosas" con un
"sentido melancólico". Como surfeando en un fuerte oleaje invernal en
Dunedin, Strange News... está lleno de las alegres melodías y la suciedad de
sus trabajos anteriores, pero de alguna manera sumiso, doblegado por su propio
peso. El experimentalismo inicial presente en temas como "Teacher is
Dead" (de Hellzapoppin) se rindió a un sonido 3Ds más sistematizado.
Las fotografías de ángeles en lápidas incluidas en la
portada del CD eran un presagio o un mensaje directo: en 1997, los 3Ds se
lanzaron. Saunders declaró a la revista musical australiana Mess and Noise:
"Para 1997, supongo que ya habíamos logrado todo lo que nos propusimos.
Nunca imaginamos que llegaríamos tan lejos... y empezamos a sentir que íbamos a
imitarnos a nosotros mismos. Así que simplemente paramos, no hubo 'palabras' ni
una gran discusión, simplemente terminamos una gira y no volvimos a concertar
más conciertos. Es decir, si no es divertido, ¿para qué hacerlo?".
Tras la separación, Roughan y Mitchell se mudaron a Londres
y comenzaron a grabar junto a Jim Abbott como Ghost Club, nombre que se inspiró
en un sencillo de 7 pulgadas que grabaron juntos para Flying Nun en 1996.
Lanzaron Ghostclubbing en 2002 y Suicide Train en 2006. Roughan se unió a
MarineVille en 2009 y Mitchell grabó material en solitario bajo el nombre de
Leather Apron en 2005.
Los 3Ds ofrecieron algunos conciertos de reunión entre 2009
y 2010 con motivo del 20.º aniversario de Merge Records, el festival All
Tomorrow's Parties y conciertos selectos en Nueva Zelanda y Australia.
Vamos ya a por el último bloque del programa de esta noche para lo que ponemos rumbo a Dunedin desde allí nos llega nuestro siguiente grupo de la noche este lleva por nombre 3Ds.
La banda se formó en mayo de 1988 por Dominic Stones tras la
batería, Denise Roughan al bajo y voz y
David Saunders a la guitarra y voz.
El nombre de la banda hace referencia a los nombres de sus
miembros, que empiezan por "D".
En 1989, se les unió David Mitchell, de las bandas de
Auckland Exploding Budgies y Goblin Mix, quien introdujo el ataque de doble
guitarra que se convirtió en la característica distintiva del grupo.
Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un mini álbum
registrado en 2 años más tarde en 1990.
Además de este cuentan con:3 Álbumes de estudio,uno más de
sesiones de grabación con John Peel y Triple J,2 E.P’s y 4 singles.
Con un sonido definido como Noise Pop entre sus
inspiraciones, además de los Pixies, también consideran a Black Sabbath y
Fairport Convention.
El tema que a continuación escucharéis pertenece a su
segundo álbum de estudio al que titularon The Venus Trail del que lo extrajeron
como single.
Registrado en 1993 este vio la luz a través del sello Flying
nun Records ese mismo año.
Abriendo dicho trabajo encontrarás este tema titulado ‘’Hey
Seuss’’
https://www.discogs.com/es/master/172980-3Ds-Hey-Seuss
Nothing At All! fue un trío de rock and roll de los 90, con
un marcado carácter punk, precursor del resurgimiento del garage rock que el
bajista Dion Palmer ayudó a impulsar y difundir con su siguiente grupo, The D4.
Para entonces, el guitarrista y cantante de Nothing At All!,
Tony Brockwell, había fallecido trágicamente a causa de un cáncer a los 21
años, el 14 de abril de 1998. Cuando sus numerosos amigos y fans lo despidieron
en una capilla abarrotada de North Harbour, sonaron sus canciones favoritas,
incluyendo «I Was Made For Loving You» de Kiss.
Tony, quien se sometía a una extensa quimioterapia antes del
último concierto de Nothing At All! en el Powerstation de Auckland, el 28 de
junio de 1997, continuó con su música hasta sus últimos días, tocando la
batería tanto para The Snitches (quienes giraron con Gas Huffer) como para
Rainy Days.
Nothing At All! Se formaron en 1990 tras la expulsión de
Tony Brockwell de la escuela secundaria Auckland Boys Grammar y asistieron al
Rosmini College en la costa norte. Reducidos a un trío formado por Brockwell,
Palmer y Foster, tocaron extensamente por la costa norte antes de conectar con
el público del estudio Frisbee en el centro de Auckland en 1991.
Se mantuvieron en su zona del puerto hasta 1992, cuando
consolidaron su presencia en el centro de la ciudad, atrayendo a un buen número
de amigos y seguidores de sus populares conciertos en las salas de la costa
norte. Con John Baker como mánager y mentor, actuaron en cualquier lugar donde
pudieran conectar sus amplificadores, incluyendo el antiguo local punk, el
Occidental en Vulcan Lane.
El resurgimiento del rock en los 90 tuvo muchos puntos de
entrada. El grunge llegó y persistió. Sonic Youth, Butthole Surfers, Nirvana,
Shellac y Bob Mould dieron mayor prominencia al sonido post-hardcore. El punk
rock se abría paso a una racha de popularidad y presencia en las listas sin
precedentes. Green Day recuperó la melodía del punk inicial y Rancid revisó la
reunión de disidentes blancos y afrocaribeños de The Clash. Y el garage rock,
una fusión de The Stooges, New York Dolls y Black Sabbath con garage punk y
rock and roll crudo, comenzó a sacudir al público.
El punk rock había perdurado en Nueva Zelanda desde su
llegada a finales de los 70, pero nunca había prosperado realmente. Sobrevivió
como una subcultura central del post-punk durante los 80, inspirándose
inicialmente en la escena británica y luego en el movimiento hardcore
estadounidense a mediados y finales de los 80. Pero seguía siendo demasiado
extremista y políticamente comprometido, y demasiado atado a las convenciones
para los potenciales fans que querían que sus vidas y necesidades se reflejaran
con menos hipocresía y más buen humor e ingenio. Así, la cultura punk
finalmente centró su atención y energía en los sonidos del rock que había
descartado con demasiada facilidad y, al hacerlo, sació un creciente apetito
por el rock and roll eléctrico, potente y animado.
Y ahí es donde entra Nothing at All! – Tony Brockwell
(guitarra, voz), Dion Palmer (bajo, voz) y Paul Foster (batería). Eran un grupo
joven y accesible, que realizó giras con su rock and roll amplificado, con
influencias del punk, por muchas partes de 1992 a 1997, dando a conocer los
inicios del movimiento garage rock en la ciudad.
Eso era lo que hacían en noviembre de 1994, en una breve
gira por tres ciudades que comenzó en el Bar Bodega de Wellington: conectar los
puntos y encontrar su lugar en la nueva era.
Al llegar a la capital con solo una hora de sobra, apilaron
sus amplificadores en el escenario y se reunieron con el público, que cada vez
era menos numeroso, incluyendo al promotor punk y exvocalista de Flesh D-Vice,
Gerald Dwyer, y a miembros de Shihad.
Más tarde, en casa de Dwyer en Brooklyn, se relajaron con un
video granulado de Misfits y una pequeña posibilidad de dormir. A la mañana
siguiente, a las 5:00 a. m., después de una ronda de bebidas estimulantes, se
dirigieron al ferry interinsular.
Mientras el Holden Belmont del manager John Baker, con el
techo repleto de amplificadores Holden, subía lentamente por la rampa, las
luces de un coche patrulla iluminaron la calle. Tony y Dion salieron del coche
sonriendo y charlando sin parar, y la policía no tardó en soltarlos.
Tras despejar el ferry en Picton, en la cima de la Isla Sur
de Nueva Zelanda, la banda se detuvo en la gasolinera más cercana. De nuevo,
problemas con la policía, solo que esta vez no se portó tan bien. Vio la ropa
punk y el Holden mugriento, cargado de pasajeros cansados, y exclamó:
"¡Lárguense de la ciudad, ya!".
Avanzando por las calles costeras de Nelson, a primera hora
de la tarde, Nothing At All! localizó rápidamente el deteriorado Hotel
Metropolitan, el local de la noche. Mientras Baker localizaba al promotor del
hotel, Nothing At All! desapareció en la calle. Baker los siguió, con la cara
roja y una joroba de ira en los hombros, la única señal de su discusión sobre
el coste del sistema de sonido.
Dentro, el promotor y el encargado de la instalación de
altavoces, que también hacía de técnico de sonido (y Baker tampoco lo
necesitaba), discutieron con enfado la posibilidad de recortar los honorarios
de Nothing At All!. Al enterarse, a Baker y a los chicos no les importó. No era
la primera gira nacional para ninguno de ellos. John Baker había sido el
vocalista del grupo de garage punk The Psycho Daisies, que realizó una extensa
gira por Nueva Zelanda, y Nothing at All! ya había girado por todo el país con
Dead Flowers. Desde sus primeros conciertos fuera de su feudo de North Shore en
1992, Baker los tuvo tocando constantemente.
Nothing At All! tocó un set corto y furioso para el pequeño
público, avivando su rock and roll punzante —«Grand Central», «Nothing At All»,
«TV Generation»— con retumbantes líneas de bajo de los Sex Pistols bajo una
guitarra punk distorsionada de 1977 y una batería al estilo Animal de Paul
«Fostex» Foster. Una canción sobresalió: "Busted", una ingeniosa y
directa canción punk sobre ser arrestado por posesión de drogas, que despertó
una ira (y humor) muy real.
La banda llegó a Christchurch sin apenas tiempo para
detenerse en el apartamento del presidente de NORML, un hippie de mirada
paranoica. Estaban tocando el último concierto de la mini gira en un recinto de
artes escénicas cerca de Cathedral Square para recaudar fondos para NORML, pero
al ser noviembre, la marihuana escaseaba. A pesar de eso, el evento estaba
abarrotado y grandes grupos de jóvenes de Christchurch circulaban, disfrutando
del hard rock, el reggae y el punk que se exhibían.
El trío de Auckland tocó un set potente, con un sonido más cercano
al hardcore estadounidense. Terminando con fuerza, fueron recibidos a un lado
del escenario por el promotor hippie con un puñado de hierba fina envuelta en
papel de regaliz. Al salir a la fría calle, encontraron a Baker vendiendo
copias del primer lanzamiento de Nothing At All!, la cinta de cuatro canciones
de Loophole de principios de 1994. Tras asistir a una manifestación de NORML en
Cathedral Square, a la mañana siguiente, Nothing At All! voló a casa, a
Auckland. Había sido un año ajetreado con una gira nacional en junio con Dead
Flowers, conciertos en Tauranga y una actuación como teloneros de Shihad en el
Powerstation de Auckland el 25 de noviembre.
A finales de 1995, Nothing at All! había acumulado cientos
de fechas en vivo, incluyendo conciertos con Balance, la nueva banda de
hardcore de North Shore, en el Frisbee Leisure Lounge de Auckland el 4 de marzo
de 1995. Dos días después, actuaron como teloneros del grupo estadounidense de
hardcore gay Pansy Division en Squid con Chris Knox. A principios de agosto,
NAA! se dirigió al sur, al Wild Horse Saloon de Palmerston North, con Semi
Lemon Kola.
El trío lanzó su primera canción que perdura,
"Busted", en el CD-EP del mismo nombre. Repleto de humor y
perspicacia, el rockero descarnado encontró fácilmente el ritmo de su época. Y
en él, el trío, con una sólida formación, finalmente encontró su sonido.
Tony Brockwell: "Nunca decidimos tocar música punk. No
decidimos: 'Oye, vamos a ser una banda punk'". Me parece extraño porque
mucha de la música que hacemos dista mucho del punk, es simplemente rock and
roll. Escucho lo que llaman punk, pero yo no nos llamaría así.
Como sus populares conciertos en North Shore atrajeron la
atención de la policía y el ayuntamiento, redujeron sus actuaciones en
Auckland. Eso no les impidió aventurarse al sur en otra gira nacional. La
excursión en dos partes incluyó Nothing At All!, una gira por ambas islas en
noviembre, con 14 conciertos que comenzaron y terminaron en el Centro de
Netball de North Shore, seguidos de 22 conciertos nacionales más en diciembre,
que abarcaron todo tipo de espacios, incluyendo pistas de patinaje, tiendas de
discos y la torre del reloj del Monumento a la Guerra de los Bóers en Westport.
Si eras un nuevo aficionado a la música en las provincias de
Nueva Zelanda en la década de 1990, podías ver una asombrosa variedad de rock
and roll, tanto internacional como local. Mientras que los artistas en gira se
limitaban cada vez más a los principales centros, en su mayoría visitando
Auckland y Wellington, promotores como Baker y Brian Wafer, de New Plymouth,
trajeron todo tipo de bandas relacionadas con el punk e híbridos de rock a los
centros y ciudades provinciales en la década de 1990.
El álbum debut homónimo de Nothing At All! (titulado Nothing
At All) se lanzó en octubre de 1995 con Zerophonic Records de Baker. Este álbum
incluía su EP Busted con clásicos en directo como «TV Generation», «Super
Bullet» y el clásico del proto-garage «Get Some». Andrew Moore grabó un vídeo
con un toque de humor para «Get Some», cerca del paseo marítimo del centro de
Auckland.
Cuando «Busted» apareció en el recopilatorio Raw 1 (1995) de
Wildside Records, colocó a Nothing At All! en una amplia selección de bandas de
rock que reflejaba la época de mayor actividad.
Nunca se podría decir que Nothing At All! fue tranquilo o
estático, pero 1996 sin duda fue uno de sus años más activos y exitosos.
Estuvieron presentes en el Big Day Out en enero y en la bFM Summer Series en
febrero.
Más tarde ese mismo mes, el trío de Auckland se unió a
Shihad y Loves Ugly Children para conciertos de orientación universitaria en la
Isla Norte y Sur, antes de dirigirse a Hamilton para apoyar a Dead Moon el 4 de
marzo. Diez días después, Nothing At All! regresó a la ciudad fluvial para una
noche en The Exchange con Ape Management.
Nothing At All! se asoció después con Muckhole y Future
Stupid, artistas de Wildside, para un concierto para todas las edades en el
Powerstation de Auckland el 4 de mayo, antes de volver a la popular sala el 14
de junio para apoyar a los australianos TISM.
De nuevo en la carretera en julio, un Range Rover
descontrolado derrapó sobre el hielo y chocó frontalmente con su furgoneta de
gira en el Paso de Lindis, en el centro de la Isla Sur. La robusta furgoneta
evitó lesiones graves. Una gira escolar de Auckland, patrocinada por bFM,
también impulsó la popularidad del trío.
En 1997, hubo más de lo mismo. En enero, Nothing at All! se
presentó junto a otros grupos de estudio de frisbee, Psycho Daisies, The
Snitches (con Tony y Dion) y Mary, en The Frisbee Lounge, un antiguo edificio
del banco ASB en la calle Symonds de Auckland, en una última reunión del clan.
Se despidieron en junio, tras abrir dos noches en The Powerstation para los
grupos de hardcore estadounidenses de gira NoFX y Snuff, y tocar en varias
fechas más: una a mediados de mes en la Masonic Tavern de Devonport, un
concierto en el club Squid del centro y una salida para todos los públicos en
el mismo local una semana después, antes de su última actuación en The
Powerstation esa misma noche.
Tras este sonó ‘’Busted’’ tema que el grupo procedente de North Shore, Auckland Nothing at all! Incluyeron en abriendo su primera demo a la que dio título,también incluido en su único homónimo álbum de estudio.
Registrada en 1994 esta fue auto-editada en cassette por la
propia banda ese mismo año.
Sus orígenes se remontan a 1990 tras la expulsión de Tony
Brockwell,su cantante y guitarrista de la escuela secundaria Auckland Boys
Grammar y su ingreso al Rosmini College en la costa norte.
Reducidos a un trío formado por Brockwell, Dion Palmer al
bajo y coros y Paul Foster tras la
batería, tocaron extensamente por la costa norte antes de conectar con el
público del estudio Frisbee en el centro de Auckland en 1991.
Se mantuvieron en su lado del puerto hasta 1992, cuando consolidaron su presencia en el centro de la ciudad, atrayendo a un buen número de amigos y seguidores de sus populares conciertos en las salas de la costa norte.
Sus primeras grabaciones quedan recogidas en dicha demo.
Además de esta cuentan con un único álbum de estudio.
En cuanto a su sonido,estos se mueven entre el Garage y el
Punk Rock con soltura.
https://www.discogs.com/es/release/3212401-Nothing-At-All-Nothing-At-All
La letra de la canción del colegio resonaba cada mañana en
la asamblea escolar. Los imbéciles disfrutaban de un placer adolescente supremo
reemplazando la letra inicial por "La puta es negra". Seguido de una
escucha, universalmente reticente, de una pieza clásica que sonaba por el
sistema de sonido del pasillo. Esa era la educación musical formal en el
instituto Hastings Boys a finales de los 60 y principios de los 70.
Aparte de Bruce Robertson, el centro de los All Blacks,
Hastings Boys no es famoso por mucho, salvo por ser el hogar de la Mafia
Mongrel. Muchos de los estudiantes de los cursos inferiores dejaban el
instituto cuanto antes para trabajar en la fábrica de carne y unirse a la
Mafia. Había muchas peleas en el instituto, normalmente a la hora del almuerzo.
Una mentalidad muy machista, orientada al rugby, en general.
Menos mal que la clase de arte era un mundo aparte. El
profesor de arte, Roy Dunningham, era un tipo genial y desenfadado de unos 30
años. Cuando todos trabajábamos en pinturas y proyectos, ponía música en el
equipo de música que había instalado justo fuera de su oficina. Su onda era The
Doors, Blood Sweat & Tears, Creedence y Chicago. También podíamos traer y
escuchar nuestros propios álbumes.
El primer álbum que compré fue de The Bonzo Dog Doo-Dah
Band, algunos de cuyos miembros luego colaboraron con Monty Python. Me encantó
«I'm the Urban Spaceman». Luego compré Weasels Ripped My Flesh de Zappa porque
me gustó la portada. Me llamó la atención mientras hojeaba la última página de
novedades en la tienda de discos.
Ya tenía una enorme colección gracias a mis hermanos y
hermana mayores, quienes se habían mudado de casa cuando yo tenía 14 años.
Estaban los álbumes de los Beatles: Rubber Soul, Revolver, Sergeant Pepper's y
el "Álbum Blanco", los álbumes de los Rolling Stones: Aftermath y
Between the Buttons, Traffic, Vanilla Fudge, John Mayall, The Yardbirds, Otis
Redding y Canned Heat. Entonces alguien trajo el álbum triple de Woodstock, que
abrió nuevos mundos musicales: Mad Dogs y Englishmen con la intensa y
conmovedora interpretación de Joe Cocker, The Who con la apariencia y el sonido
de dioses del rock, la frenética improvisación acústica de Richie Havens
(QEPD), Santana, con el increíble baterista de 17 años Michael Shrieve, Crosby
Stills & Nash, con armonías impresionantes, y Country Joe and the Fish con
sus contundentes himnos antibélicos. Todos totalmente inspiradores para este
quinceañero en busca de verdad, profundidad y sentido a la vida. La música fue
fundamental para mi cordura durante mi adolescencia. John tenía razón: los
Beatles significaban más para mí que Jesús. La banda que realmente me conmovió
al principio fueron los Beatles. Me encantaba escuchar "Piggies" del "Álbum
Blanco"; la emoción de la música me embargaba como nunca antes y
experimenté una empatía increíble con la letra y la voz de John. Era como si
alguien por fin supiera cómo me sentía respecto al mundo. Mi héroe era ver el
mundo como yo lo veía. Lloré. Ya no me sentía solo. Vivía con la sensación de
estar aislado de la mayoría de la gente que conocía, especialmente de mi edad.
Me costaba aceptar las actitudes sociales con las que me topaba y con las que
no estaba de acuerdo.
No me gustaba nada el ambiente de beber cerveza, jugar al
rugby y conducir coches de lujo del instituto masculino de Hastings. Pasaba el
rato en el aula de arte siempre que podía. Tenía un profesor de teatro
fantástico, un joven irlandés llamado Bertie O'Connell, muy motivado y
divertido. Su carácter contagioso era el motor que impulsaba las obras del
colegio, algunas grandes producciones como "La Caza Real del Sol" y
"Macbeth". De alguna manera, conseguí el trabajo de pintar el
ciclorama, y a menudo era mi excusa para evitar el deporte.
Otro chico que también frecuentaba el aula de arte era Phil
Judd. Estaba en quinto de primaria cuando yo estaba en tercero. Esa diferencia
de edad ya me hacía sentir un poco de admiración por él, pero fueron sus obras
las que realmente me inspiraron. El profesor de arte solía sacar trabajos que
Phil acababa de terminar para mostrarnos a los simples mortales que así se
hacía. Desde el principio, seguí los pasos de Phil. Sacó un 90% en su
certificado escolar de arte; Dos años después yo también lo hice.
Un grupo de alumnos de séptimo de la Sala de Arte me llamó
la atención. Estaba Stuart Spackman, quien más tarde se convertiría en editor
de la revista neozelandesa Rolling Stone, y John Hadwen (QEPD), con quien
compartí mi primer piso cuando iba a la escuela de arte. Escribía canciones,
poesía y meditaba, y años después se convirtió en un importante tejedor
neozelandés, y tenía una colección de discos impresionante. El tercer chico era
Phil Judd, que no hablaba mucho, pero gastaba bromas a menudo, principalmente a
costa de Spackman. La tez de Spacker era muy clara: tenía el pelo rubio, como
el de una estrella de rock, y era muy teatral y muy femenino; una presa fácil
en un colegio solo de chicos. A veces volvía a casa con Phil, ya que
compartíamos parte del trayecto. Intentaba hablar con él, pero solo recibía un
"sí" o un "ja", o nada. Aun así, estaba encantado de haber
hecho la mitad del camino con él. Para entonces, gracias al apoyo de Roy, me
estaba volviendo bueno en el arte, y esto, junto con mi aspecto a lo Lennon, me
hacía sentir en la sala de arte. Así que estos tíos tan geniales me pidieron
que formara parte de su Pooh Baar Jug Band. Lo cual pensé que era una pésima
imitación de mi querida Bonzo Dog Doo-Dah Band. Pero bueno, ¿qué más da un
nombre cuando puedo pasar el rato con estos tíos tan geniales?
Los fines de semana tocábamos en mi habitación. La tenía
decorada con pósteres pintados a mano de Lennon, Hendrix, Brian Jones, Jimi Page
y Frank Zappa, que llegaban del suelo al techo. Tenía un altavoz estéreo encima
de un tubo enorme, ¡genial! Pinté la pared con la puerta llena de nubes y le
puse un grifo como pomo. Y tenía una mesa de madera recortada, con cojines en
el suelo, incienso encendido y móviles colgando: era nuestro rincón de
improvisación.
Yo tocaba el bajo de caja de té que Juddzy había construido;
Stuart tocaba el lagerphone (una escoba con chapas de botellas clavadas: una
pandereta hillbilly). Judd y John tocaban guitarras acústicas. John cantaba
casi todo; Judd tocaba hasta que le sangraba la mano: era un mordedor
empedernido, lo cual no ayudaba. Improvisábamos con Lead Belly y otros clásicos
del blues. Mi momento cumbre fue cantar: «Escucho tus pasos subiendo por el camino».
La canción de Ringo, mmmmm, soñé con ser baterista. Todo terminó cuando Phil se
fue a la escuela de arte en Auckland, John a cursar una licenciatura y Stuart a
estudiar periodismo en la Politécnica de Wellington. Todos se fueron al
terminar el bachillerato, pero a mí aún me quedaban dos años para poder acceder
al santo grial de la escuela de arte.
En bachillerato, me suspendieron una semana por provocar un
motín a la hora del almuerzo en el patio del colegio. La verdad es que
criticaba duramente la participación de Nueva Zelanda en la guerra de Vietnam y
no me callaba ni una sola vez cuando el subdirector me lo ordenaba. Tras una
reunión con mis padres y el director, decidieron que debía ser disciplinado.
Convencí a mis padres, probablemente con la ayuda de Roy, de que fuera a
Auckland a echar un vistazo a la escuela de arte, solo para ver qué me perdería
si me expulsaban. ¡Madre mía, qué bien lo pasé en Auckland, de viaje con John y
sus amigos, todos músicos, algunos divertidísimos! Me encantó, y el sol
californiano lo hacía divertidísimo y celestial. Después de esta experiencia,
tenía tantas ganas de ir a la escuela de arte que volví a casa y, en
consecuencia, me convertí en un estudiante modelo durante la semana; pero el
fin de semana era otra historia.
Viajaba en autobús o hacía autostop hasta Napier, la ciudad
hermana de Hastings, a solo 19 kilómetros. Me quedaba el fin de semana en el 84
Marine Parade con Red MacLean, un impresor que me parecía genial y presidente
del Movimiento Juvenil Progresista de Hawke's Bay, que empezó como una
organización antibélica en los años 60, a la que la policía solía apalear. Me
encantaban esos viajes de fin de semana a Napier, escuchando a Led Zeppelin 1,
2 y 3, Jethro Tull, Who's Next, Iron Butterfly y Neil Young. La música lo era
todo. Era una fiesta sin parar con muchísimas chicas.
Richard, uno de los pocos con trabajo a tiempo completo, se
gastaba todo el sueldo en cartones de cerveza para todos. ¡Joder, cómo se
emborrachaban! Paralíticos. Sobre todo Richard y su novia, Lochie, el hermano
menor de Red, que solo tenía 17 años, pero parecía mucho mayor con su pelo
largo y liso, y sus patillas que terminaban en un bigote estilo Chopper.
Siempre me sentía seguro con él cerca.
Por fin estaba en la escuela de arte. Phil ya se había ido,
ya que Split Enz le estaba absorbiendo todo el tiempo. Ayudé en muchos de los
primeros conciertos de Enz, arreglando el escenario y simplemente estando
presente. En un gran concierto, casi al final del último número, se abrió el
telón detrás del batería y aparecieron tres baterías más: Brent Eccles, que
luego tocaría con la Citizen Band y luego con los Angels; Noel Crombie, que se
convertiría en el batería de Split Enz y Schnell Fenster; Y yo, que luego toqué
la batería para los Suburban Reptiles, The Swingers y The Models. Menuda
pedigrí, y solo éramos los extras de esta extravagancia teatral y musical que
era un concierto de los primeros Split Enz. Todos sabíamos que Split Enz iba a
llegar lejos.
Por aquella época, conocí a Neil Finn, quien aún estudiaba
en Te Awamutu, pero vino a Auckland para tocar un solo en el intermedio de un
concierto de Enz. Estaba decidido a hacer algo con él. Cuando se mudó a
Auckland, se mudó con mi esposa Miranda Joel y conmigo. Los padres de Neil, que
eran católicos fervientes, estaban encantados de que viviera con un matrimonio.
Escribíamos canciones constantemente. Miranda y yo cuidábamos la casa de sus
padres en Remuera, mientras estaban de vacaciones seis meses en el Reino Unido.
El padre de Miranda, Wolfe, tocaba la flauta clásica y tenía un hermoso piano
de cola Steinway en el salón. Neil aporreaba el piano y yo garabateaba letras
de "flujo de conciencia" mientras él tocaba. Esta fue mi primera vez
escribiendo canciones desde que escribí una canción con mis bongós a los ocho
años llamada "Party Time". Fue genial y Neil era un tipo encantador,
sincero y dedicado, y cantaba como un pájaro, incluso con tan solo 17 años.
Escribimos varias canciones juntos y Neil ya tenía algunas grabadas en Te
Awamutu.
Dimos dos conciertos a mediodía en el Teatro Maidment de la
Universidad de Auckland, con Geoff Chunn a la guitarra y Brent Eccles a la
batería. Canté, toqué el ukelele en una canción y un viejo acordeón Mazzini en
otra. De repente, Neil recibió una llamada para unirse a Split Enz, ya que Phil
había dejado la banda y regresaba a Nueva Zelanda. Así que Neil se fue a
Londres con solo unos días de preaviso, dejando atrás su trabajo de celador de
hospital y sin ningún remordimiento.
Me encontré con Zero en la escuela de arte y me impresionó
su estilo al vestir y su fantástico maquillaje, y su novio Jimmy, que parecía
Bowie. Oí que tenían una banda de punk llamada Suburban Reptiles. ¡Sí, por
favor! Básicamente, convencí a la banda porque había escrito canciones con Neil
Finn y tenía una batería. Hasta entonces, solo había improvisado con discos
como ELO, ritmos sencillos y agradables, en Malmsbury Villa (famoso por una de
las primeras canciones de Enz) en Kohimarama. Conseguí el trabajo y, después
del primer ensayo, empecé a escribir canciones para Suburban Reptiles.
Para entonces vivía en Park Avenue. Compartía piso con Paul
Pattie, compañero de la escuela de arte en el mismo curso que Phil, Rob
[Gillies] y Noel. Era un artista fantástico con el aerógrafo. Pintó nuestro
pasillo con tigres con plantilla sobre un fondo rojo chino. Mi habitación era
negra, con rosas rojas con plantilla en la pared. Neil había dejado su
amplificador Gunn. Me gustó, porque el control de volumen se podía sacar para
simular una distorsión, lo cual era genial, ya que se podía conseguir el
potente sonido de una motosierra sin tener que subir el volumen. Me instalé en
el salón con mi nueva guitarra Les Paul Junior, una imitación, después de
tomarme unas copas, cortesía de un amigo que tenía contacto con Mr Asia. En
este estado de euforia y relajación, compuse la mayor parte del repertorio de
los Suburban Reptiles.
Había visto a los Sex Pistols en la tele y me di cuenta de
que Steve Jones solo tocaba los acordes en Mi y La en la guitarra. ¡Guau! Es
así de fácil. Conozco esos acordes. Nuestra primera guitarrista, Cissy Spunk,
no sabía tocar la guitarra, así que la afiné en Mi y ella solo tocaba acordes
con cejilla. Todas las canciones de los Reptiles estaban en tono mayor. Cissy
luego tuvo un hijo, Joel Little, compositor y productor (y colaborador de
Lorde).
Causábamos caos allá donde íbamos, sobre todo en el baile de
la escuela católica de chicos que nuestro representante, Simon Grigg, organizó.
El hermano Humphrey estaba indignado. El tabloide local tituló su cita: NO
SABÍAN TOCAR ROCK'N'ROLL. Dicho esto, los medios de comunicación se
enorgullecieron de los Suburban Reptiles. En entrevistas a periódicos como NZ
Truth, les dábamos chorradas sensacionalistas, lo que nos daba mucho espacio en
nuestras columnas: «En nuestro tiempo libre, matamos gaviotas en el muelle y
esnifamos pegamento importado de Estados Unidos, de los Ramones», o «Nuestro
guitarrista de 1,96 m solo tiene 14 años». Con la ayuda de Jewel Sanyo, que
tenía formación periodística y sabía cómo dar formato a las notas de prensa,
Simon consiguió que se publicaran artículos y fotos de la banda en la prensa
musical británica, el Melody Maker y el NME.
La escena punk era genial, y forjé amistades para toda la
vida con muchos de los chicos de otras bandas, como Johnny, Des y Brendan de
The Scavengers, que luego se convertirían en The Marching Girls, y el amigo de
Bones, Kev Grey, quien más tarde se casó y formó una familia con Zero. También
con Roger Roxx de The Assassins, con quien también fui al instituto. La
camaradería y la emoción de aquella escena musical en Auckland de 1977 a 1979
nunca se repetirán. No solo con las bandas, sino con gente como Ricky, quien
convertía todas mis obras en imágenes para enviarlas a la imprenta, y quien
también trabajaba de portero en los conciertos del State Theatre. Era mormón,
así que no bebía y no se iba a drogar con el dinero de la entrada, lo cual me
parecía bien.
También estaba Leonie Batchelor, quien ayudaba a organizar
los conciertos en Classic Cinema. Vendíamos las entradas por adelantado en las
tiendas de discos. Conseguíamos el dinero para comprar todos los ingredientes
para un ponche enorme y regalábamos bebidas en el concierto. Era una fiesta
solo para invitados, así es como evadimos las leyes de licencias de alcohol.
Tuvimos a la pandilla Black Power como seguridad después de un encuentro casual
con algunos de ellos tomando una cerveza en el Globe una tarde. Billy Planet
los cautivó con sus historias de esquiladores. Por esa época, Johnny Volume
parecía ser golpeado cada fin de semana, y Zero ya había sido sacado del
escenario y agredido en Disco D'Dora's. Estaba bajo la luz estroboscópica en la
pista de baile y se escuchaban armas por todas partes. Seguí tocando, pensando
que solo estaba bailando con el público.
Al más puro estilo de Billy Planet, no le había dicho a Zero
que los chicos de Black Power sentados en la parte delantera del escenario eran
nuestros colegas. Eran majos y hacían de seguridad gratis porque decían que les
gustaba ver a las punks con medias de rejilla. Un trato justo, creo. Otros que
nos ayudaron fueron: Greg Peacock, que nos proporcionó el sistema de sonido;
Stuart Page, Jonathan Tidball y Paul Hartigan, que nos sacó un montón de fotos;
y Dylan Taite, que consiguió que TVNZ grabara nuestro primer vídeo. Y los fans
que venían a cada concierto, como Julie Curlette, Sandra Jones, Merrin y Deb
Jones. Y por último, pero no menos importante, The Scavengers. Siempre le
pedíamos prestado el equipo a Johnny Volume. Toqué con los Scavengers en
algunos conciertos. JV me enseñó todos los acordes de las canciones nuevas (por
ejemplo, de Johnny Thunders), que eran un poco más complejos que los riffs
minimalistas de Ramones, Lou Reed, Jonathan Richman y Pistols a los que estaba
acostumbrado. Poco después, escribí «Saturday Night (Stay at Home)». Gracias,
JV.
Una noche, Phil, recién llegado de Inglaterra, donde había
visto la escena punk de primera mano, vino a Zwines para ver qué estaba
haciendo. Al más puro estilo Juddzy, se sentó afuera a escuchar a la banda.
Eligió «Saturday Night…» como su canción favorita. Ya habíamos lanzado el
primer sencillo punk neozelandés, y el primer sencillo de 12 pulgadas, en Nueva
Zelanda con el sello Vertigo, a través de PolyGram: «Megaton» b/w «Desert
Patrol», y la primera edición se había agotado. Lo vi en eBay hace poco por 680
dólares. PolyGram quería otro sencillo, así que grabamos «Saturday Night…» en
Mandrill, Parnell, con Doug Jane. Phil tocaba la voz principal y producía; yo
tocaba la batería y la guitarra rítmica; Tony Baldock el bajo; Jimmy el saxo; y
Zero cantaba. Después grabamos un videoclip cortesía de TVNZ, y Gary Glitter le
pidió a Zero que formara parte del elenco de la gira de Rocky Horror Show
después de verla en el vídeo en televisión. Phil y yo trabajamos en los
arreglos de nuevas canciones, lo cual fue mucho más gratificante musicalmente
que tocar con los Suburban Reptiles. Por mucho que me gustaran sus actitudes,
buscaba un futuro a largo plazo, y conseguir conciertos para los Reptiles era
un trabajo duro. Éramos cinco en la banda, así que siempre significaba dos
vehículos.
Los Reptiles dieron un concierto en el Awapuni de Palmerston
North que terminó cuando salté del escenario para evitar que un tipo derramara
su cerveza en nuestros monitores. Se desató el caos, y el dueño del pub canceló
el concierto y también el de la noche siguiente. Así que aparecieron
misteriosamente unas botellas de whisky entre nosotros, cortesía de Billy
Planet, y nos bebimos nuestra venganza. ¡Qué le den a eso, que me dieran por
intentar salvar el equipo de sonido de otro! Lo único que quería era dedicarme
a la música a tiempo completo, tocar y girar. Poco después, el tipo que fue
clave para que nos ficharan en PolyGram fue despedido por robar discos para
financiar su adicción a la heroína. Esto no le sentó bien a la discográfica,
por lo demás honesta, que pronto dejó de lado a los Suburban Reptiles. La
situación interna de la banda se estaba desmoronando; había muchas fricciones.
Conocía a los otros Reptiles desde hacía 18 meses, a Phil desde hacía 10 años,
y él había escrito canciones que formaban parte de la banda sonora de mi vida.
Era inevitable que hiciéramos algo juntos.
Seguido de este sonó ‘’Death machine’’ tema que el grupo neozelandés Reptiles at dawn incluyeron cerrando su primer álbum de estudio al que bautizaron Naked In The Wilderness.
Registrado en 1986 este salió a la calle de manos del sello Cadaver
Records ese mismo año.
Aunque sus miembros eran de Nueva Zelanda, la banda residió
en Sídney al principio de su carrera.
El cantante y guitarrista Tony Collins había formado parte
de las bandas neozelandesas The Henchmen y, antes de eso, Dum Dum Boys.
La banda la completaron: Anthony Norman a la guitarra y
coros,quien también estuvo en Dum Dum boys, Robyn Vamp al bajo y voz y Michael Austin tras la batería.
Sus orígenes se remontan a mediados de los 80’s quedando
reflejadas sus primeras grabaciones en un primer single publicado en 1986.
Además de este cuentan con:3 Álbumes de estudio,un E.P. y un
single más.
Unsanitary Napkin es un trío anarcopunk con sede en
Wellington, Nueva Zelanda, conocido por su música trepidante y con carga
política, activo desde 2016. La banda está formada por Hannah Salmon (voz/guitarra,
también conocida como Daily Secretion), Rupert Pirie-Hunter (voz/bajo, Downer
Buzz) y Ben Knight (batería). Son conocidos por sus letras radicales de
izquierda y anticapitalistas, y han publicado álbumes como Patriotic Grooves y
All Billionaires Are Bastards.
Hardcore político furioso de Te Whanganui-a-Tara, Nueva
Zelanda. Muy pocas bandas logran expresar con precisión la ira y la frustración
puras ante las injusticias de nuestra sociedad, algo que UNSANITARY NAPKIN
logra de forma brutal, con canciones que apoyan a figuras como Josie Butler,
quien le lanzó un consolador a Steven Joyce en protesta por la firma del TPP, y
una canción que critica al multimillonario conservador inversor de Silicon
Valley, Peter Thiel. All Billionaires Are Bastards es una magnífica
representación directa de los males de nuestra sociedad.
Rupert - ¡No lo sé! A mi papá le encanta la música, y de
pequeño me encantaba Little Richard, "Boom Boom" de John Lee Hooker y
el punk-rock Popeye el Marino de "Sábado por la Mañana: Grandes Éxitos de
Dibujos Animados". Una vez les pedí a mis padres que me prepararan un
tazón de espinacas para desayunar, porque estaba convencido de que te daba
músculos grandes y pequeños estallidos de superfuerza. Estaban poniendo "Tutti
Frutti" de Little Richard. Me comí todo el tazón de espinacas, luego salté
sobre mi papá e intenté forcejear con él.
Hannah - Yo tampoco lo sé. Había muchísimas bandas y músicos
influyentes, algunos buenos, otros terribles. Tanto a mi mamá como a mi papá les
gustaba la música, aunque músicas muy diferentes. Mi madre escuchaba a Prince
(aunque era Prince de la época posterior de "Emancipation", cuya
naturaleza sexual me hacía sentir raro), a Aretha Franklin, a Tom Waits y al
jazz rock de los 70, como Steely Dan (por quien tengo debilidad; véase Musical
Guilty Pleasure). También recuerdo que me quedé en casa de mi padre en Dunedin
y su pareja de entonces ponía la banda sonora de Tank Girl. Fue entonces cuando
escuché por primera vez "Girl U Want" de Devo, una experiencia que
atesoro hasta el día de hoy. También fue cuando escuché por primera vez a L7,
que me pareció la música más heavy de la historia. Hubo mucha música entre
entonces y ahora, pero creo que esas fueron experiencias muy formativas para
mí.
Ben: Mis padres nunca tuvieron estéreo cuando yo era
pequeño, así que escuchaba una emisora de radio en Dunedin llamada "93
Rox" a través de un radio despertador. Cuando mi hermano mayor ahorró para
un radiocasete con reproductor de casetes cuando tenía 12 años, empecé a grabar
canciones de la radio y me hice una mezcla. Eran principalmente canciones de la
banda sonora de Ren y Stimpy y algo de Ace of Base, pero también tenía dos
canciones, "Roots Radicals" y "Ruby Soho", de Rancid. A
pesar de ser pop punk californiano de mala calidad con falso acento británico,
me cautivó, y cuando apareció internet, una de las primeras cosas que busqué en
Alta Vista fue "música punk", y nunca escapé de sus garras.
Hannah - Hay muchísimas, pero me quedo con Steely Dan.
Rupert - Soy de origen protestante, así que creo que tengo
placeres vergonzosos. Me avergüenzo de mucha música que me gustaba de
adolescente. Después de leer el libro de Mötley Crüe, dejé de querer escuchar
música de tipos como ellos. Escucho mucho mi propia música y me avergüenzo de
disfrutarla. Y más aún si me pillan en el acto.
Ben - Repasando mi experiencia musical formativa (ver
arriba). Y Dennis Marsh.
‘’All billionaries are bastards’’ es el título del tema que acabáis de escuchar este corrió a cargo de la banda procedente de Aotearoa,Wellington Unsanitary napkin.
Incluido en la cara a de su segundo álbum de estudio al que
dio título.
Registrado en 2022 este vio la luz a través del sello Always
Never Fun Records ese mismo año.
Este constituye una crítica mordaz y anticapitalista de un
mundo plagado de prejuicios e injusticia que resume a la perfección lo
emocionante y embriagador que puede ser el punk cuando la música enérgica se
fusiona con temas muy sensibles.
Fundados en torno al 2015 sus primeras grabaciones quedan
recogidas en un primer álbum registrado en 2016.
Además de este cuentan con:2 Álbumes más,uno de ellos
compartido,un mini álbum,un E.P.,una demo en cassette y múltiples singles en
formato digital.
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