EL INTERVALO DEL DIABLO PROGRAMA Nº 75 

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SETLIST:

HONKEY FINGER ''This rage''

CUT IN THE HILL GANG ''Fever in my blood''

GUADALUPE PLATA ''Lorena'' 

IMMORTAL LEE COUNTY KILLERS ''Let's get killed''

CUTTHROAT BROTHERS ''Skeleton rides''

CHICKEN DIAMOND ''Rock'n'roll people'' 

BLUES EXPLOSION ''R.L. Got Soul'' 

LEWIS FLOYD HENRY ''Off the rails'' 

SERGI ESTELLA ''Blood like wine''

MARK PORKCHOP HOLDER ''Coffin lid''

DADDY LONG LEGS ''End times Boogie''

WHITE STRIPES ''Let's build a home''

REVEREND BAET-MAN ''Jesus Christ Twist''

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Beat Zeller (nacido en 1967), más conocido como Beat-Man o Reverend Beat-Man, es un músico, DJ y propietario de una discográfica suizo. Actúa como solista, como líder de la banda de psychobilly The Monsters y con otros grupos, en un estilo que se describe como rock and roll primitivo y "gospel blues trash". También es el fundador y director de Voodoo Rhythm Records, una compañía con sede en Berna, Suiza.

Según su propio relato, realizó sus primeras grabaciones a los trece años bajo el nombre de Taeb Zerfall en su propio sello, Zerfall Tapes. En 1984, cambió su nombre a Lightning Beat-Man, interpretando «una mezcla entre Elvis Presley y los Einstürzende Neubauten».Posteriormente, presentó un espectáculo de lucha libre unipersonal: «La idea era luchar en el escenario contra mí mismo, a veces contra mi guitarra... ¡y ganar siempre!», antes de que se convirtiera en un espectáculo de dos personas y, finalmente, en un circo de lucha libre.

Su grupo, The Monsters, se formó en Berna en 1986. Comenzó a actuar como Reverend Beat-Man en 1999, aparentemente tras una visión que combinaba a Robert Johnson, Marilyn Monroe, Tura Satana, Bettie Page, Iggy Pop y Elvis.Toca la guitarra y la batería, interpretando "un río de sonido totalmente único, ofreciendo a sus numerosos oyentes un sacramento de Rock'n'roll primitivo, Gospel trash, Folk surrealista y Blues salvaje", a veces con una bailarina conocida como Panti-Christ.Ha descrito a Howlin' Wolf y Hasil Adkins como sus mayores influencias.También trabaja como DJ, presentando "principalmente R&B y Blues de artistas negros, Garage, Rockabilly y... Jazz y cosas raras de mi colección de discos".

Entre sus álbumes se incluyen Get on Your Knees (2001), acreditado a Reverend Beat-Man and the Un-Believers; Your Favorite Position Is on Your Knees (2006), acreditado a Reverend Beat-Man and the Church of Herpes; y Surreal Folk Blues Gospel Trash Vols. 1 y 2 (2007). También ha publicado varios sencillos, principalmente con el sello discográfico Squooge, con sede en Berlín.

Ha actuado en el Festival de Jazz de Montreux y ha realizado giras por Europa, el Reino Unido, Estados Unidos, Argentina, Japón y otros países.

Beat-Man fundó Voodoo Rhythm Records en 1992 y continúa dirigiéndola en la actualidad. Descrito como «un refugio para inadaptados», entre los artistas del sello se encuentran Delaney Davidson, los Dead Brothers, King Khan and the Shrines, Hipbone Slim & The Knee Tremblers, los Pussywarmers y el «misterioso rockero de los cincuenta», Jerry J. Nixon.

Su sencillo «If I Knew», con la colaboración de Nicole Izobel García, fue uno de los primeros cuatro sencillos de VinylVideo. Se lanzó en 2018.

Arrancamos con nuestro programa número 75 undécimo especial en El Intervalo Del Diablo dedicado al Blues en estado puro.

Esta es la segunda parte de una serie de ellas dedicada a rescatar potentes temas confeccionados por lo que se denominan Powerduos de Blues electrificado y One man bands en su mayor medida y algún que otro trio de músicos que facturan este tipo de sonidos de guitarra hiperdistorsionada con amplificación sobresaturada.

Dirty Blues o Blues de baja fidelidad como comúnmente se lo conoce, guitarras con sonidos primitivos cargadas de slide dispuestas para disparar auténticos bombazos.

En esta aproximada hora de programa contaremos con 13 potentes bandas que llevan a su terreno este tipo de sonidos tradicionales dándoles un enfoque completamente diferente.

Algunas de ellas optan por dotar su sonido de una agresividad primitiva conjugando este estilo con el Garage y un espíritu Punk que reciclan este sonido añejo transformándolo en algo totalmente atemporal.

Otros optan por mezclar el espíritu más rupestre del Country de raíz americana con rasgos incluso Gospel y resquicios de SOUL.

Hay incluso quien deforma a su antojo este tipo de sonidos llevándolo hacia terrenos más cercanos al Funk e incluso al Hip hop en un estallido de originalidad sin respeto por ningún tipo de patrones.

Recogiendo las mejores enseñanzas del sonido facturado en el Delta hace ya casi 100 años estos grupos se abren en canal y lo electrifican a niveles en los que:Salvajismo,crudeza y tradición se dan la mano en estos 13 disparos a quemarropa.

Comenzamos con el programa de esta noche para lo que nos situamos en Suiza, concretamente desde Bern nos llega nuestro primer artista de la noche,este lleva por nombre Reverend Beat-man.

Beat Zeller que así es como realmente se llama,es un guitarrista, cantante y compositor además del propietario del sello Voodoo Rhythm Records afincado en Suiza.

Este comienza su carrera a mediados de los 80's liderando The Monsters,una banda de psychos orientada hacia el Garage más ruidoso.

A principios del 2000 decide dar un giro a su carrera musical y conforma Reverend Beat-man,un grupo con connotaciones más Blues en los que desarrolla su faceta más cercana al Gospel y el Rockabilly más desquiciado.

Este excéntrico personaje refleja sus primeras grabaciones en un primer álbum registrado en 2001.

Además de este cuenta con:8 Álbumes de estudio, algunos de ellos compartidos,2 E P.'s y nada menos que 15 singles, algunos de ellos compartidos.

El tema que a continuación escucharéis pertenece a su tercer álbum de estudio al que titularon Surreal Folk Blues Gospel Trash.

Registrado en 2007 este fue publicado por su propio sello Voodoo Rhythm Records ese mismo año.

En su cara a encontrarás este tema titulado "Jesus christ Twist" con el que comenzamos!.

https://www.discogs.com/es/master/351750-Reverend-Beat-Man-Surreal-Folk-Blues-Gospel-Trash-Vol-1

The White Stripes fue un dúo de rock estadounidense formado en Detroit, Michigan, en 1997. El grupo estaba compuesto por Jack White (guitarra, teclados, piano, voz) y Meg White (batería, percusión, voz). Fueron un grupo destacado del resurgimiento del indie y el garage rock en la década de 2000.

A partir de finales de la década de 1990, The White Stripes buscaron el éxito en la escena musical de Detroit, lanzando seis sencillos y dos álbumes. Alcanzaron el éxito comercial con su aclamado tercer álbum, White Blood Cells (2001), que los catapultó a la vanguardia del garage rock. Su cuarto álbum, Elephant (2003), les brindó aún más éxito, otorgándoles sus primeros premios Grammy. De este álbum se desprendió el sencillo "Seven Nation Army", que se convirtió en un himno deportivo y en la canción insignia del grupo. Experimentaron ampliamente en su quinto álbum, Get Behind Me Satan (2005). Regresaron a sus raíces blues con su sexto y último álbum, Icky Thump (2007), que fue aclamado al igual que sus trabajos anteriores. A finales de la década de 2000, The White Stripes acumularon tres entradas en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, once en la lista Alternative Airplay de Estados Unidos y trece en la lista de sencillos del Reino Unido. Tras un largo paréntesis sin actuaciones ni grabaciones, la banda se disolvió en 2011.

The White Stripes adoptaron un enfoque de baja fidelidad para componer y grabar. Su música se caracterizaba por una fusión de garage rock e influencias del blues, así como por una sencillez cruda en la composición, los arreglos y la interpretación. El dúo era conocido por su misteriosa imagen pública, su estética de moda y diseño, que se caracterizaba por una paleta de colores simple de rojo, blanco y negro —utilizada en todas las portadas de sus álbumes y sencillos— y su fascinación por el número tres. Realizaron apariciones selectivas en los medios, incluyendo la película antológica de Jim Jarmusch, Coffee and Cigarettes (2003), y el documental Under Great White Northern Lights (2009).

The White Stripes recibieron numerosos galardones, incluyendo un premio Brit de seis nominaciones y seis premios Grammy de once nominaciones. White Blood Cells figura en la lista de los "200 álbumes definitivos" del Salón de la Fama del Rock and Roll, mientras que tanto ese álbum como Elephant aparecen en la lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos" de Rolling Stone. Esta última publicación también nombró a la banda el sexto mejor dúo de todos los tiempos en 2015. The White Stripes ingresaron al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2025, tras haber sido nominados en 2023 (el primer año en que la banda cumplía los requisitos). Billboard los nombró la 33.ª mejor banda de rock de todos los tiempos en 2025.

En la escuela secundaria, Jack Gillis (como se le conocía entonces)conoció a Meg White en una cafetería de Ferndale o Hamtramck.Los dos comenzaron a salir y a frecuentar las cafeterías, los locales de música y las tiendas de discos de la zona.Durante este período, Gillis era un baterista reconocido y tocaba con su mentor de aprendizaje de tapicería, Brian Muldoon,a banda de cowpunk de Detroit Goober & the Peas,la banda de garage punk The Go, The Hentchmen y Two-Star Tabernacle.

Gillis y White se casaron en 1996.Contrario a la costumbre, él adoptó el apellido de su esposa.El Día de la Bastilla de 1997,The White Stripes dieron su primer concierto en el bar Gold Dollar de Detroit; Como apenas habían pasado dos meses desde que Meg empezó a aprender a tocar la batería, tuvo dificultades para mantener el ritmo durante esa actuación.En palabras de Jack: «Cuando empezó a tocar la batería conmigo, casi por casualidad, me sentí liberado y revitalizado. Había algo en ello que me abrió la mente».La pareja formó entonces una banda, y aunque consideraron llamarse Bazooka and Soda Powder,finalmente se decidieron por The White Stripes.

Comenzaron su carrera en la escena underground del garage rock de Michigan, tocando con bandas locales como The Hentchmen, The Dirtbombs, The Gories y Rocket 455.En 1998, Dave Buick, propietario de Italy Records, un sello independiente de garage-punk con sede en Detroit, se acercó a la banda en un bar y les preguntó si les gustaría grabar un sencillo.Jack inicialmente se negó, creyendo que sería demasiado caro, pero finalmente lo reconsideró cuando se dio cuenta de que Buick se ofrecía a pagarlo.Su sencillo debut, "Let's Shake Hands", fue lanzado en vinilo en febrero de 1998, con una tirada inicial de 1000 copias.A este le siguió en octubre de 1998 el sencillo "Lafayette Blues" que, de nuevo, solo se lanzó en vinilo con 1000 copias.

En 1999, los White Stripes firmaron con el sello Sympathy for the Record Industry, con sede en California.En marzo de 1999, lanzaron el sencillo "The Big Three Killed My Baby", seguido de su álbum debut, The White Stripes, el 15 de junio de 1999.El álbum debut homónimo fue producido por Jack y masterizado por el productor musical estadounidense Jim Diamond en su estudio Ghetto Recorders en Detroit.El álbum fue dedicado al influyente músico de blues del delta del Misisipi, Son House, un artista que influyó en Jack.La canción "Cannon" de The White Stripes contiene parte de una versión a cappella, interpretada por House, de la canción tradicional estadounidense de gospel blues "John the Revelator". Los White Stripes también versionaron la canción de House "Death Letter" en su siguiente álbum, De Stijl. Al recordar su debut durante una entrevista de 2003 con Guitar Player, Jack dijo: "Sigo sintiendo que nunca hemos superado nuestro primer álbum. Es el disco más crudo, más potente y con el sonido más de Detroit que hemos hecho".AllMusic dijo del álbum: "La voz de Jack White es una combinación singular y evocadora de punk, metal, blues y country, mientras que su trabajo con la guitarra es grandioso y contundente, con suficientes toques líricos de slide y sutiles solos... Meg White equilibra el trabajo de trastes y el trasteo con platillos, bombo y caja metódicos, minimalistas y resonantes... Todos los dúos de cantautores de punk-country-blues-metal D.I.Y. deberían sonar así de bien".

The White Stripes lanzaron "Hand Springs" como un sencillo compartido de 7 pulgadas con la banda de Detroit The Dirtbombs en la cara B en el año 2000; fue grabado a finales de 1999. Varias copias se incluyeron gratis con el fanzine de pinball Multiball.Jack y Meg se divorciaron en marzo de ese mismo año.The White Stripes tenían previsto actuar en un local de música poco después de su separación. Jack asumió que la banda se había disuelto y les pidió a Buick y a su sobrino Ben Blackwell que tocaran con él en el espacio reservado para The White Stripes. Sin embargo, el día en que debían actuar, Meg convenció a Jack de que The White Stripes debían continuar y la banda se reunió.

El segundo álbum de The White Stripes, De Stijl (que significa "El Estilo" en neerlandés), fue lanzado por el sello Sympathy for the Record Industry el 20 de junio de 2000.Las canciones fueron grabadas en una cinta analógica de 8 pistas en la sala de estar de Jack.De Stijl muestra la sencillez de la fusión de blues y "scuzzy garage rock" de la banda antes de su éxito rotundo.El título del álbum deriva del movimiento artístico holandés del mismo nombre; elementos comunes de la estética De Stijl se demuestran en la portada del álbum, que sitúa a los miembros de la banda sobre un fondo abstracto de rectángulos y líneas en rojo, negro y blanco.El álbum fue dedicado al diseñador de muebles y arquitecto Gerrit Rietveld del movimiento De Stijl, así como al influyente músico de blues de Georgia, Blind Willie McTell.De Stijl finalmente alcanzó el puesto número 38 en la lista de álbumes independientes de la revista Billboard en 2002, aproximadamente cuando la popularidad de los White Stripes comenzaba a consolidarse. Un crítico del New York Times de la época dijo que los Stripes representaban "lo que muchos fans del rock moderno consideran música de verdad".

Algún tiempo después del lanzamiento de su álbum debut homónimo, un mánager de giras neozelandés llamado John Baker descubrió su música en una fiesta en Australia. Interesado en Para contratarlos para una gira por Oceanía, contactó a su agente de contratación en San Francisco, Dave Kaplan, quien le dijo que solo trabajaba con la banda en Estados Unidos, por lo que Baker tendría que encargarse personalmente de la gira. Una noche, mientras Jack y Meg White ensayaban en casa, Baker los llamó para hablar sobre la oportunidad, pero ellos pensaron que estaba bromeando. Semanas después, Baker logró localizar a Jack durante una parada de la gira en Denver, Colorado, y llamó al bar —desde Auckland, Nueva Zelanda— para hablar con él nuevamente sobre la gira; aunque Jack seguía incrédulo, Baker los convenció ofreciéndose personalmente a pagar el vuelo. Baker financió los vuelos con una amiga, Amber Easby, quien posteriormente se encargaría del merchandising de las giras de la banda a lo largo de su carrera.

Baker organizó una gira por Nueva Zelanda y Australia, con una breve escala previa en Japón, que fue su primera experiencia internacional. Tenían programadas sus primeras apariciones en televisión y radio. Sus conciertos en Australia tuvieron lugar en Melbourne. Tras una gira con un éxito moderado, se le pidió a Baker que fuera su mánager de gira de forma permanente.

Tras la gira Oceanic, el sencillo «Party of Special Things to Do» se publicó como sencillo de 7 pulgadas en Sub Pop en diciembre de 2000. Incluía tres canciones interpretadas originalmente por Captain Beefheart, un músico de blues rock experimental.

El tercer álbum de The White Stripes, «White Blood Cells», se publicó el 3 de julio de 2001 en Sympathy for the Record Industry.La banda disfrutó de su primer éxito significativo al año siguiente con la reedición del álbum por parte de una gran discográfica, V2 Records.Su sonido de garage rock minimalista recibió elogios de la crítica en el Reino Unido, y poco después en Estados Unidos, convirtiendo a The White Stripes en una de las bandas más aclamadas de 2002.Varios medios elogiaron su enfoque de «vuelta a lo básico».Tras su primera aparición en televisión nacional (una actuación en directo en The Late Late Show With Craig Kilborn), Joe Hagan de The New York Times declaró: «Ellos...»

Han revitalizado el rock al regresar a sus orígenes como un sonido simple y primitivo, lleno de fervor desenfrenado.

White Blood Cells alcanzó el puesto número 61 en la lista Billboard 200, obteniendo el estatus de Disco de Oro al vender más de 500.000 copias. Llegó al puesto número 55 en el Reino Unido,impulsado en ambos países por el sencillo «Fell in Love with a Girl» y su videoclip de animación Lego, dirigido por Michel Gondry.El video ganó tres premios en los MTV Video Music Awards de 2002: Video Revelación, Mejores Efectos Especiales y Mejor Edición, y la banda interpretó la canción en vivo en el evento.También fue nominado a Video del Año, pero no logró ganar.Además, generó los aclamados sencillos «Hotel Yorba», «Dead Leaves and the Dirty Ground» y «We're Going to Be Friends».La revista Stylus calificó a White Blood Cells como un éxito. Cells como el decimocuarto mejor álbum de 2000–2005,mientras que Pitchfork lo clasificó en octavo lugar en su lista de los 100 mejores álbumes de 2000 a 2004.

En 2002, George Roca produjo y dirigió una película de concierto sobre la banda titulada Nobody Knows How to Talk to Children.Narra la serie de cuatro noches de White Stripes en el Bowery Ballroom de la ciudad de Nueva York en 2002, y contiene actuaciones en vivo y material detrás de escena. Su lanzamiento en 2004 fue suprimido por la gerencia de la banda, después de que descubrieron que Roca lo había estado mostrando en el Festival de Cine de Seattle sin permiso.Según la banda, la película "no estaba a la altura de los estándares que nuestros fans han llegado a esperar"; aun así, sigue siendo una grabación pirata muy apreciada.También en 2002, aparecieron como invitados musicales en Saturday Night Live.

El cuarto álbum de The White Stripes, Elephant, fue grabado en 2002 durante dos semanas con el ingeniero de grabación británico Liam Watson en sus estudios Toe Rag en Londres.Jack autoprodujo el álbum con equipo anticuado, incluyendo una grabadora de cinta de 8 pistas reparada con cinta adhesiva y equipo de grabación anterior a la década de 1960.En una entrevista de 2017 con The New Yorker, Jack dijo: "No teníamos nada que hacer en el mainstream. Asumíamos que la música que hacíamos era privada, en cierto modo. Veníamos de un escenario donde hay cincuenta personas en cada pueblo. Sin embargo, algo sobre nosotros escapaba a nuestro control. Ahora son quinientas personas, ahora es la segunda noche, ¿qué está pasando? ¿Está todo el mundo loco?"El trabajo de promoción del álbum se pospuso después de que Meg se rompiera la muñeca en Nueva York.Elephant fue lanzado en 2003 por V2 en los EE. UU. y por XL Recordings en Inglaterra.Marcó el debut de la banda con una gran discográfica y fue su primer álbum en alcanzar el número uno en el Reino Unido, así como su primer álbum en el Top 10 de Estados Unidos (en el número seis).El álbum finalmente obtuvo la certificación de doble platino en Gran Bretaña y la certificación de platino en Estados Unidos.Para promocionar el álbum, aparecieron varias veces en Late Night with Conan O'Brien en 2003, y posteriormente colaboraron frecuentemente con Conan O'Brien.

Elephant recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento.Obtuvo una calificación perfecta de cinco estrellas de la revista Rolling Stone y cuenta con una calificación positiva del 92 % en Metacritic.AllMusic dijo que el álbum "suena aún más cabreado, paranoico e impresionante que su predecesor... Más oscuro y más difícil que White Blood Cells".Elephant fue notable por los primeros solos de guitarra de Jack y la primera interpretación vocal principal de Meg en "In the Cold, Cold Night";los críticos también elogiaron la batería de Meg.Rolling Stone colocó a Jack en el número 17 en su lista de "100 mejores guitarristas de todos los tiempos" e incluyó a Meg en su lista de "100 mejores bateristas de todos los tiempos".Elephant fue clasificado en el número 390 en la lista de la revista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.En 2009, el álbum llegó al número 18 en los "Top 100 mejores álbumes de la década" de NME. NME se refirió al álbum como la cúspide de la trayectoria de The White Stripes como banda y uno de los mejores trabajos de la carrera de Jack White.

El primer sencillo del álbum, «Seven Nation Army», fue el más exitoso de la banda y alcanzó el número uno en las listas de rock de Billboard.Tras su éxito, lanzaron una versión de «I Just Don't Know What to Do with Myself» de Burt Bacharach. El tercer sencillo del álbum fue el exitoso «The Hardest Button to Button».«There's No Home for You Here» fue el cuarto sencillo. En 2004, el álbum ganó un Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa, mientras que «Seven Nation Army» ganó un Grammy a la Mejor Canción de Rock.También en 2004, la banda estrenó su primer cortometraje musical, «Under Blackpool Lights», filmado íntegramente en Super 8 y dirigido por Dick Carruthers.

En 2005, Jack comenzó a trabajar en las canciones del siguiente álbum de la banda en su casa.Empleó técnicas distintas a las de álbumes anteriores, cambiando su guitarra eléctrica por una acústica en casi todas las canciones, ya que su característico estilo de guitarra solista basado en riffs fue reemplazado por un enfoque predominantemente rítmico.El quinto álbum de The White Stripes, Get Behind Me Satan, se lanzó en 2005 con el sello V2.El título alude a una cita bíblica que Jesús le hizo al apóstol Simón Pedro, del Evangelio de Mateo 16:23 del Nuevo Testamento (en la versión King James, la cita es ligeramente diferente: «¡Apártate de mí, Satanás!»). Otra teoría sobre este título es que Jack y Meg White leyeron la colección de cuentos de James Joyce, «Dublineses» (publicada en 1914), y usaron un verso del cuento «Gracia» para titular este álbum. El título también es una cita directa de la canción en solitario «You're Mine» del bajista de The Who, John Entwistle.

Con su dependencia de melodías impulsadas por el piano y experimentación con marimba en "The Nurse" y "Forever For Her (Is Over For Me)", Get Behind Me Satan no presentaba los estilos explícitos de blues y punk que dominaban los álbumes anteriores de White Stripes.Sin embargo, a pesar de esto, la banda fue elogiada por la crítica por sus "reinterpretaciones frescas y artísticas de sus inspiraciones clásicas".Ha cosechado reacciones positivas de los fans, así como el reconocimiento de la crítica, recibiendo más nominaciones a los Grammy y convirtiéndolos en uno de los grupos imperdibles de la década.Rolling Stone lo clasificó como el tercer mejor álbum del año y recibió el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa en 2006.

Del álbum se lanzaron tres sencillos: el primero, «Blue Orchid», una canción popular en la radio satelital y algunas emisoras de FM.El segundo y el tercer sencillo fueron «My Doorbell» y «The Denial Twist», respectivamente, y se grabaron videoclips para los tres. «My Doorbell» fue nominada a Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo con Voz.The White Stripes pospusieron la etapa japonesa de su gira mundial después de que Jack sufriera una lesión en las cuerdas vocales. Los médicos le recomendaron que no cantara ni hablara durante dos semanas.Tras su completa recuperación, regresó a los escenarios en Auckland, Nueva Zelanda, para encabezar la gira Big Day Out.Durante la etapa británica de la gira, Jack cambió su nombre de Jack White a «Three quid».

El 12 de octubre de 2004, Jim Diamond, propietario y operador del estudio de grabación Ghetto Recorders, presentó una demanda contra la banda y Third Man Records por "incumplimiento de contrato".En la demanda, alegó que, como coproductor, mezclador y editor del álbum debut de la banda, y mezclador e ingeniero de De Stijl, tenía derecho a regalías por "derechos mecánicos".La banda presentó una contrademanda el 16 de mayo de 2005, solicitando daños y perjuicios contra Diamond y una declaración judicial oficial que le negara los derechos sobre el material.Diamond perdió la demanda el 15 de junio de 2006, ya que el jurado determinó que no había sido fundamental en la creación del sonido de la banda.The White Stripes lanzó una versión de la canción "Walking with a Ghost" de Tegan and Sara en iTunes en noviembre de 2005. La canción fue lanzada posteriormente en diciembre como el EP Walking with a Ghost, que incluía otras cuatro pistas en vivo.

En octubre de 2006, se anunció en el sitio web oficial de White Stripes que habría un álbum de grabaciones orquestales de vanguardia que consistía en música antigua escrita por Jack, llamado Aluminium. El álbum estuvo disponible para preordenar el 6 de noviembre de 2006, con gran demanda por parte de los fans de la banda; la versión en LP del proyecto se agotó en poco menos de un día. El proyecto fue concebido por Richard Russell, fundador de XL Recordings, quien coprodujo el álbum con Joby Talbot.Fue grabado entre agosto de 2005 y febrero de 2006 en Intimate Studios en Wapping, Londres, con una orquesta. Antes de que el álbum se agotara, estuvo disponible exclusivamente a través del sitio web de Aluminium en una edición limitada numerada de 3333 CD con 999 LP.

El 12 de enero de 2007, V2 Records anunció que, debido a que se encontraba en proceso de reestructuración, ya no lanzaría nuevo material de White Stripes, dejando a la banda sin sello discográfico.Sin embargo, como el contrato de la banda con V2 ya había expirado, el 12 de febrero de 2007 se confirmó que la banda había firmado un contrato para un solo álbum con Warner Bros. Records.Su sexto álbum, Icky Thump, fue lanzado el 19 de junio de 2007.Después del bien recibido Get Behind Me Satan, Icky Thump marcó un regreso a las influencias punk, garage rock y blues por las que la banda es conocida.Fue grabado en Blackbird Studio en Nashville y tomó casi tres semanas para grabarse, el más largo de cualquier álbum de White Stripes. También sería su primer álbum con una canción que le da título. El lanzamiento del álbum se produjo tras una serie de conciertos en Europa y uno en Norteamérica, en el festival Bonnaroo.Antes del lanzamiento, se presentaron tres temas a NME: «Icky Thump», «You Don't Know What Love Is (You Just Do as You're Told)» y «Conquest». NME describió los temas como «un riff experimental y potente al estilo de los 70», «una canción de amor melódica y contundente» y «una inesperada mezcla de guitarras potentes y una sección de vientos audaz», respectivamente.

En la lista Billboard de Estados Unidos del 12 de mayo de 2007, «Icky Thump», el primer sencillo, se convirtió en el primer sencillo de la banda en entrar en el Top 40, alcanzando el puesto número 26, y posteriormente llegó al número 2 en el Reino Unido. Icky Thump entró en la lista de álbumes del Reino Unido en el número uno,y debutó en el número dos del Billboard 200 con 223.000 copias vendidas.A finales de julio, Icky Thump fue certificado disco de oro en Estados Unidos. Hasta el 8 de marzo de 2008, el álbum había vendido 725.125 copias en Estados Unidos. El 10 de febrero de 2008, el álbum ganó un premio Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa.

El 25 de abril de 2007, el dúo anunció que emprendería una gira por Canadá, actuando en las 10 provincias, además de Yukón, Nunavut y los Territorios del Noroeste. En palabras de Jack: «Como nunca habíamos hecho una gira por Canadá, Meg y yo pensamos que ya era hora de ir a por todas. Queremos llevar esta gira a los confines del paisaje canadiense. Desde el océano hasta el permafrost. La mejor manera de hacerlo es asegurarnos de actuar en todas las provincias y territorios del país, desde Yukón hasta la Isla del Príncipe Eduardo. Otro momento especial de esta gira es el concierto que tendrá lugar en Glace Bay, Nueva Escocia, el 14 de julio, el décimo aniversario de The White Stripes». El violinista canadiense Ashley MacIsaac fue el telonero de la banda en el concierto del Teatro Savoy en Glace Bay; a principios de 2007, MacIsaac y Jack habían descubierto que eran parientes lejanos.Fue también en esta época cuando White se enteró de que estaba emparentado con la violinista canadiense Natalie MacMaster.

El 24 de junio de 2007, apenas unas horas antes de su concierto en Deer Lake Park, los White Stripes comenzaron su gira por Canadá tocando un set de 40 minutos para un grupo de 30 niños en el Creekside Youth Centre en Burnaby. La gira canadiense también estuvo marcada por conciertos en mercados pequeños,como Glace Bay, Whitehorse e Iqaluit, así como por frecuentes "shows secretos" anunciados principalmente por publicaciones en The Little Room, un foro de mensajes para fans de los White Stripes. Los conciertos incluyeron presentaciones en una bolera en Saskatoon, un centro juvenil en Edmonton, un autobús de Winnipeg Transit y el parque The Forks en Winnipeg, un parque en Whitehorse, la YMCA en el centro de Toronto, el Arva Flour Mill en Arva, Ontario,y Locas on Salter (una sala de billar) en Halifax, Nueva Escocia. También ofrecieron un histórico concierto de una sola nota en George Street, en St. John's, Terranova, en un intento por batir el récord Guinness del concierto más corto.Fue incluido brevemente en el récord en 2009, pero se suspendió al año siguiente.Los medios de comunicación han seguido refiriéndose a él como el concierto más corto.Más tarde esa misma noche, ofrecieron un concierto completo en el Mile One Centre, en el centro de St. John's.Se han publicado videoclips de varios de los conciertos secretos en YouTube.Además, la banda grabó el videoclip de «You Don't Know What Love Is (You Just Do as You're Told)» en Iqaluit.

Tras concluir sus conciertos en Canadá, emprendieron una breve etapa de su gira por Estados Unidos, seguida de un descanso antes de ofrecer más conciertos en otoño.Pero antes de su último concierto —en Southaven, Mississippi— Ben Blackwell (sobrino de Jack y archivista del grupo) cuenta que Meg se le acercó y le dijo: "Este es el último concierto de White Stripes". Él le preguntó si se refería a la gira, pero ella respondió: "No. Creo que este es el último concierto, punto".El 11 de septiembre de 2007, la banda anunció la cancelación de 18 fechas de la gira debido a la lucha de Meg contra la ansiedad aguda.Unos días después, el dúo también canceló el resto de las fechas de su gira por el Reino Unido de 2007.En su reseña de Under Great White Northern Lights para Vanity Fair, Bill Bradley comentó sobre las cancelaciones de la gira, diciendo que era "imposible" no ver a Meg como "cansada y agotada" al final de la película.

La banda estuvo en pausa desde finales de 2007 hasta principios de 2011. Durante ese tiempo, Jack formó un grupo llamado The Dead Weather, aunque insistió en que The White Stripes seguía siendo su máxima prioridad.Dominique Payette, una locutora de radio quebequense, demandó a la banda por 70.000 dólares en 2008 por usar 10 segundos de su programa de radio en la canción "Jumble Jumble" sin permiso.El asunto finalmente se resolvió fuera de los tribunales.A principios de 2008, la banda lanzó cámaras Holga de edición limitada con el estilo de Jack y Meg.

The White Stripes actuaron en directo por primera vez desde septiembre de 2007 en el último episodio de Late Night with Conan O'Brien el 20 de febrero de 2009, donde interpretaron una versión alternativa de "We're Going to Be Friends".En un artículo del 6 de mayo de 2009, publicado en MusicRadar.com, Jack mencionó haber grabado canciones con Meg antes de la actuación en el programa de Conan, diciendo: "Habíamos grabado un par de canciones en el nuevo estudio". Sobre un nuevo álbum de The White Stripes, Jack dijo: "No tardará mucho. Quizás el año que viene". Jack también explicó la intensa ansiedad de Meg durante la última gira de los White Stripes, diciendo: «Yo venía de una gira con The Raconteurs y enseguida me metí de lleno en la gira, así que ya estaba a tope. Meg venía de un año de inactividad total y volvió a la locura. Meg es una chica muy tímida, muy callada y reservada. Pasar de estar parado a toda velocidad a un ritmo frenético es abrumador, y tuvimos que tomarnos un descanso».El concierto de Conan resultó ser su última actuación en directo como banda.

En 2009, Jack informó de que los White Stripes estaban trabajando en su séptimo álbum.El documental «Under Great White Northern Lights» se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 18 de septiembre de 2009.La película documenta la gira de la banda por Canadá en el verano de 2007 e incluye imágenes de conciertos en directo y escenas detrás del escenario.Jack y Meg White aparecieron en el estreno y dieron un breve discurso antes de que comenzara la película sobre su amor por Canadá y por qué eligieron estrenar su película en Toronto.La gira fue para promocionar el álbum Icky Thump, y actuaron en todas las provincias.Jack concibió la idea de hacer una gira por Canadá después de enterarse de que parientes escoceses por parte de su padre habían vivido durante algunas generaciones en Nueva Escocia antes de mudarse a Detroit para trabajar en las fábricas de automóviles.Además, su décimo aniversario coincidió con la gira, el día de su concierto en el Teatro Savoy en Glace Bay, Nueva Escocia,y en esta toma, Jack y Meg están bailando al final del concierto. La película fue dirigida por un amigo del dúo, Emmett Malloy.

En una entrevista con Self Titled, Jack aludió a la creación de una película de los White Stripes, titulada Under Nova Scotian Lights, que se estrenaría a finales de 2009.En una entrevista con contactmusic.com, Jack afirmó que trabajar con los White Stripes sería "extraño". "Sin duda sería extraño volver a los White Stripes y tener que replantearme mi estilo", añadió: "Pero eso sería lo mejor, porque serían unos White Stripes completamente nuevos".

En febrero de 2010, un anuncio de la Reserva de la Fuerza Aérea de EE. UU. durante la Super Bowl provocó que los White Stripes se sintieran "profundamente ofendidos y protestados por la presentación de dicho anuncio por parte de la Reserva de la Fuerza Aérea, dando a entender que habíamos licenciado una de nuestras canciones para fomentar el reclutamiento durante una guerra que no apoyamos".En noviembre de 2010, los White Stripes contribuyeron con una versión previamente publicada de la canción "Rated X" al álbum recopilatorio Coal Miner's Daughter: A Tribute To Loretta Lynn.A finales de 2010, The White Stripes reeditaron sus tres primeros álbumes con Third Man Records en vinilo de 180 gramos, junto con 500 copias de edición limitada en vinilo bicolor.Jack insinuó una posible reunión de The White Stripes en una entrevista de 2010 con Vanity Fair. Dijo: «Pensábamos hacer muchas cosas que nunca habíamos hecho: una gira completa por Canadá, un documental, un libro de gran formato, un álbum en directo, una caja recopilatoria... Ahora que hemos hecho muchas de esas cosas, Meg y yo podemos volver al estudio y empezar de cero».

El 2 de febrero de 2011, el dúo anunció que habían cesado oficialmente la grabación y la interpretación musical como The White Stripes. El anuncio negó específicamente cualquier diferencia artística o problema de salud, pero citó «una infinidad de razones... principalmente para preservar lo bello y especial de la banda».

Tras la disolución de la banda, Jack continuó su carrera musical mientras Meg se retiraba y regresaba a Detroit.En una entrevista de 2014, Jack declaró a Rolling Stone que la naturaleza emocionalmente reservada de Meg había sido una fuente de tensión durante su relación, ya que ella tenía poca opinión sobre el éxito del grupo. Sin embargo, elogió su talento musical, afirmando: «Era la antítesis de un baterista moderno. Tan infantil, increíble e inspiradora. Todo ese silencio no importaba, porque en el escenario, nada de lo que yo haga superará eso». También expresó que considera improbable una reunión.

Varias grabaciones inéditas y objetos de colección de la banda han sido publicados por Third Man, generalmente a través de Third Man Records Vault, un servicio de suscripción trimestral dedicado a la búsqueda de rarezas.Esto comenzó con un paquete de 2009 que incluía una mezcla mono de Icky Thump. En 2016, la inédita «City Lights» se lanzó como sencillo promocional después de que Michel Gondry sorprendiera a Jack con un videoclip.Además, se incluyó en el álbum recopilatorio de Jack, Acoustic Recordings 1998–2016, y recibió una nominación a Mejor Canción de Música de Raíces Americanas en la 59.ª edición de los Premios Grammy.

Durante la campaña para las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016, el entonces candidato republicano Donald Trump utilizó «Seven Nation Army» en un vídeo de campaña en contra de los deseos de White Stripes. Jack y Meg publicaron un mensaje conjunto en la página de Facebook de White Stripes, declarando que estaban «indignados por esta asociación y por el uso ilegal de su canción» y que «no tenían absolutamente nada que ver con este vídeo».También lanzaron una camiseta de edición limitada con la frase «Icky Trump» estampada en la parte delantera.

El 6 de octubre de 2020, Third Man anunció un álbum de grandes éxitos titulado The White Stripes Greatest Hits, que no sería exclusivo de la bóveda.Consta de veintiséis canciones, incluyendo "Ball and Biscuit", que se lanzó como sencillo promocional.La banda relanzó su cuenta de Instagram para promocionar el álbum.Fue lanzado en Estados Unidos por Third Man y Columbia Records el 4 de diciembre de 2020,y fue lanzado internacionalmente el 26 de febrero de 2021.Los videos musicales dirigidos por Wartella para "Let's Shake Hands" y "Apple Blossom" se lanzaron simultáneamente.Heather Phares, de AllMusic, escribió: «El álbum de grandes éxitos de The White Stripes está repleto del mismo detalle, ingenio y disposición a subvertir las expectativas que hicieron que la banda fuera tan dinámica durante su actividad... La cuidada selección de la colección resulta mucho más personal que la típica lista de grandes éxitos o de reproducción en streaming».Amanda Petrusich, de The New Yorker, calificó el álbum como «un buen recordatorio de lo peculiar e ingeniosa que era la banda... Tiene un aire anticuado, incluso deliberadamente, pero suena increíblemente bien».

En mayo de 2023, Third Man Books anunció The White Stripes Complete Lyrics 1997-2007, un libro que incluye letras escritas durante la actividad de la banda, además de borradores y contenido inédito.Al recopilar las letras, Jack comentó: «No podía terminar ninguna de esas canciones; lloraba a la mitad de cada una... algunas son las primeras que escribí, o de las primeras... sinceramente, no sé por qué alguien podría sacarles algún provecho... pero la gente te lo recuerda y lo menciona constantemente, y piensas: "Bueno, supongo que sí les aportan algo"».El álbum se publicó en octubre de ese mismo año.También en 2023, en su primer año de elegibilidad, los White Stripes fueron nominados al Salón de la Fama del Rock and Roll, pero no fueron incluidos.

La campaña de Trump volvió a usar «Seven Nation Army» durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2024,lo que llevó a Jack y Meg a presentar una demanda por infracción de derechos de autor en septiembre de 2024.Su demanda acusa a Trump de "apropiación indebida flagrante" y aclara que "se oponen vehementemente a las políticas adoptadas y las acciones tomadas por el demandado Trump cuando era presidente y a las que ha propuesto para el segundo mandato al que aspira".La demanda fue desestimada en noviembre de 2024.

En enero de 2025, los White Stripes fueron nominados por segunda vez al Salón de la Fama del Rock and Roll.Andy Greene de Rolling Stone comentó que las posibilidades de una reunión eran escasas debido a que Meg se había alejado de la industria musical y los medios, y escribió: "Esperemos que Meg al menos vea la transmisión en vivo de Disney+ y sonría cuando los White Stripes sean incluidos. Los grandes momentos no siempre tienen que desarrollarse en público. Y Meg White no nos debe nada".En noviembre de ese mismo año, fueron incluidos por Iggy Pop en el Salón de la Fama.Meg declinó asistir a la ceremonia; Jack aceptó el premio en nombre de la banda y dio un discurso escrito por él y Meg.Dijo: "Ella dijo que lamenta mucho no haber podido venir esta noche, pero está muy agradecida con las personas que la han apoyado a lo largo de todos estos años, realmente significa mucho para ella esta noche".También leyó un poema dedicado a ella.

Seguido de este sonó "Let's build a home" título que el dúo estadounidense White stripes incluyeron la cara b de su segundo álbum de estudio al que bautizaron De Stijl.

Registrado en el 2000 este salió a la calle de manos del sello Sympathy For The Record Industry ese mismo año.

Formados en 1997 por Jack, guitarrista, cantante y principal compositor y Meg White tras la batería, ambos multi instrumentistas.

Registran su primer single un año más tarde en 1998.

Además de este cuentan con:7 Álbumes de estudio,uno más de sesiones con el afamado John Peel, además de otros tantos se caras b's y tomas alternativas,múltiples directos,3 E.P.'s y nada menos que 40 singles.

Estos pueden ser definidos como una banda de Garage con inclinación hacia el Blues de baja fidelidad y la música americana de corte Country, teniendo como su mayor valía el haber reinventado estos estilos dotándolos de cierto aspecto renovado.

Aunque algo más sofisticados entran en la onda de bandas como Soledad brothers o Black Keys.

https://www.discogs.com/es/master/399-The-White-Stripes-De-Stijl

El trío con base en Brooklyn, Nueva York, DADDY LONG LEGS, formado por Brian Hurd (voz, armónica, guitarra), Murat Akturk (guitarra de diapositivas) y Josh Styles (batería, maraca) debutará en Yep Roc Records el 10 de mayo con Lowdown Ways, su tercer álbum de estudio.

Producido por Jimmy Sutton y grabado por Alex Hall (JD McPherson, Pokey LaFarge, Jake La Botz) en Hi-Style Studios en Chicago, el álbum presenta 12 composiciones originales con contribuciones de JD McPherson y Sutton. Una nueva dirección de sus primeros dos álbumes de estudio (editados por Norton Records), Lowdown Ways muestra al grupo ampliando sus horizontes sonoros con gritos campestres, gospel, cajun y otras músicas procedentes del Mississippi Hill Music, sin dejar de lado su ya clásico R&B superpotente y con una salvaje harmónica.

Cuando Village Voice le preguntó «¿Qué es DADDY LONG LEGS?», Hurd respondió: «La salvación del rock and roll a través del espíritu de las raíces y el blues». Siguen influenciados por gente como Son House, Captain Beefheart, Howlin’ Wolf, MC5 y Dr. Feelgood y su sonido personifica el garaje-rock y el punk con una crudeza contemporánea tocado bajo su hipervitaminado R&B marca de la casa.

Desde su formación en 2010, la banda ha editado dos álbumes de estudio, un álbum en vivo, 2 45 en Norton Records y otros 3 en el sello español FOLC Records.

“DADDY LONG LEGS coge el blues y lo vuelve del revés, al revés, renueva su energía primaria. Mi banda favorita de Nueva York del momento «. -Lenny Kay

“…como blues de Chicago disparado a la luna, tocado por los hijos dementes de los Pretty Things.”

Rolling Stone

“Maestros de los secretos arcanos del blues”

Human Being Lawnmower Magazine

“Música para armar una pelea en un bar de mala muerte”

Bibliodiscoteque

“Blues para tirar los acordes y que vuelen los mocos”

Revista Relix

“Estos vaqueros borrachos con micrófonos distorsionados y solos de armónica atronadores son la banda más auténtica que has visto en toda la semana.”

Esquire (sxsw 2015)

“Además de una deliciosa y excesiva dosis de armónica, el electrizante blues rural de este trío de Brooklyn se complementa con una percusión y una guitarra primigenias, lo que deja espacio para que el cantante Daddy Long Legs exponga su sermón musical.”

The Most Interesting Academy Dos Equis.

A este le precedió "End times boogie" tema que la banda norteamericana procedente de Brooklyn,Nueva York Daddy long legs incluyeron en la cara a de su sexto single al que dió título.

Registrado en 2023 este vio la luz a través del conocido sello estadounidense Yep Roc Records ese mismo año.

Formados por Murat Aktürk a la guitarra y voz,Brian Hurd a la harmónica y voz y Josh Styles tras la batería.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer single registrado en 2010.

Además de este cuentan con:5 Álbumes de estudio,uno de ellos compartido,un álbum en directo y 6 singles.

En cuanto a su sonido estos recrean el Blues mamado del Delta conjugandolo con un Rhythm n Blues endiabladamente potente.

https://www.discogs.com/es/release/25444480-Daddy-Long-Legs-End-Times-Boogie

Mark “Porkchop” Holder revolucionó el blues hace más de una década como miembro fundador de la banda de punk/blues Black Diamond Heavies. Si bien desde entonces ha arrasado en bares, festivales y locales de mala muerte con su propio y enérgico estilo de blues, no fue hasta principios de este año que el músico de Tennessee lanzó su álbum debut en solitario, Let It Slide, un trabajo aclamado que No Depression describió como “…fuego en un barril. Si los Rolling Stones acamparan con Howlin’ Wolf y Billy Gibbons con anfetaminas de camionero durante un fin de semana con un pedal de distorsión, este sería su preciado fruto”. Ahora, solo nueve meses después, el bluesman virtuoso de la guitarra y la armónica lanza su segundo álbum, Death and the Blues. En él, Holder, junto con Travis Kilgore (bajo) y Doug Bales (batería), consolida el éxito de su álbum anterior con ocho temas nuevos, además de tres versiones vibrantes. A pesar de que este disco se grabó en el mismo estudio que su último álbum (Tiny Buzz en Chattanooga, Tennessee) y con la misma formación, el resultado es mucho más potente y compacto. La ingeniosa guitarra slide de Holder ruge y muestra sus dientes sobre los sólidos ritmos de Kilgore y Bales. «El blues es la música de la gente pobre, y la gente pobre vive más cerca de la muerte que los demás», admite Holder. «El mensaje del tema principal es sencillo: la muerte y el blues son reales. Tengo una conexión personal con los símbolos de la muerte; me recuerdan que no debo perder el tiempo».

Nos pasa una cosa con el blues. Un poco como con el jazz. Desde que se convirtió en cosa de culturetas blancos, en cosa de estilo y de esa cosa tan irritante que es la «música de músicos», de «entendidos», no nos llega o nos llega mal; hablamos de sucedáneos. Por eso en casa entra poco (nada de «manos lentas», ni de Stevie Ray, ni del circo domesticado del House of Blues, incluyendo al coñazo del último B.B.King), claro que lo que entra lo hace por la puerta grande y tiene reservado un lugar de honor en nuestras estanterías. Nos gusta el blues que se padece, el blues que se toca para librarse del blues, el blues que al escucharse te deja con el blues, blues de pantano, de juke joint y de cuchillo en la bota (por lo que pueda pasar a la salida). Blues de negrata negro y blues de negrata blanco, de hillbilly esquizofrénico, de Townes Van Zandt y del vecino de Townes Van Zandt. De presos de la prisión de Angola, de campo de algodón, pero también de bosque, moonshiners y parque de caravanas. No el blues de «ahora voy a hacer un blues»; porque pensamos que el blues no se toca por voluntad (aunque sí por la voluntad, casi siempre por la voluntad), sino por necesidad, porque duele y jode y hay que librarse de él a toda costa. Por eso amamos el viejo blues del delta, o el blues rescatado de esos ancianos a orillas del Mississippi en manos de los punkarras de Fat Possum, R.L. Burnside y Junior Kimbrough, gente de esa calaña. El blues que aúlla, que rabia, que amenaza, con su cosa ceremonial de casi vudú, chuletas de cerdo y aguas revueltas. Blues que huele fuerte. Blues de malas bestias, de cicatrices, aguardentoso y narcótico, que desprende una sensación ominosa, de peligro, como el de este resucitado de entre los muertos que es el sucio y crudo Mark Porkchop Holder con su armónica y su vieja slide. Aun no sabiendo nada de aquella cosa tan garajera y vagabunda que fueron los Black Diamond Heavies de Nashville, en los que militó brevemente antes de meterse en problemas con el alcohol y las drogas y desaparecer entre los contenedores de la depresión y la locura, solo viendo la cubierta del disco, esa cosa tan descamisada, calva, poco sana y sudorosa, uno ya sabe que lo que escupa va a sonar bien. Autenticidad, poca pose y, por ejemplo, un «Stagger Lee» en cuyos lodos ya quisiera haber siquiera chapoteado el bueno de Nick Cave. Nada de mezclas extravagantes ni de flirteos con otros estilos. Nada de originalidad. Ya está todo inventado. Puro jadeo. Blues, como dice por ahí Nik Cameron, de no saber si levantarte a bailar y a dar puñetazos (lo de dar puñetazos es añadido mío) o si meterte en el baño a llorar.

"Coffin lid" es el título del tema que acabáis de escuchar este corrió a cargo del músico estadounidense procedente de Chattanooga, Tennessee Mark Porkchop Holder.

Incluido en la cara a de su tercer álbum de estudio al que tituló Death and The Blues.

Registrado en 2017 este salió a la calle de manos del sello norteamericano Alive Records ese mismo año.

Este es un guitarrista de Blues y harmonicista que fue miembro del grupo Black Diamond Heavies desde 2004 a 2006.

Desde entonces comenzó su carrera en solitario como one man band hasta 2016 dejando registrado un álbum en 2008.

En Abril del 2016 comienza a trabajar como trío para dejar grabado un primer álbum con este formato registrado ese mismo año.

Además de este cuenta con un álbum más.

En cuanto a su sonido estos practican un Blues enraizado en la tradición de la escena musical de Memphis.

https://www.discogs.com/es/master/1317772-Mark-Porkchop-Holder-Death-And-The-Blues

Sergi Estella es un extraordinario músico, compositor, cantante y multinstrumentista  de la localidad barcelonesa de Rubí. Es un artista peculiar, pues aparte de interpretar sus temas a voz, guitarra y en ocasiones armónica, suele interpretar algunos de ellos con instrumentos musicales fabricados por él mismo al tiempo que se acompaña de percusión con los pies.

Al respecto el propio Sergi Estella suele auto describirse así: “Hago guitarras que sacan vino, escobas eléctricas, raquetas de tenis con cuerdas  y de otros inventos, todo lo intento hacer sonar acompañándome con la batería a los pies y cantando cosas que me pasan por la cabeza”.

Antes de iniciar su actual proyecto en solitario, Sergi Estella forma parte de diversos proyectos musicales siendo el primero de ellos “Sergi Estella i els Assaltadors de Tàlems” trío formado por Sergi Estella a la voz y guitarra, Gerard Tort a la batería y Miquel Galceran al contrabajo y bajo. El trío que se caracteriza por sus influencias de blues, folk y country con temas propios con un lenguaje directo y desenfadado publica en el año 2010 para Discográfica Estudis Sonitrons el disco con siete temas “Sergi Estella i els Assaltadors de Tàlems”. El grupo antes de una pausa indefinida da un último concierto el 13 de junio de 2014 en el Espacio Cultural de la CGT de Rubí.

Paralelamente a este primer proyecto,  nace a finales de 2011 también en Rubí el grupo de blues y rock&roll “Empty Cage” con Sergi Estella a la voz y guitarra y con Gerard Tort a la voz y batería apareciendo en el año 2012 su primer trabajo “L’altra cara” un EP autoeditado con cuatro temas y ganando también en el año 2012 el Festival Sona 9. A finales del año 2013 aparece “Tal com raja” el primer larga duración de “Empty Cage” con diez temas con la discográfica RGB Suports, registrado en los estudios Music Lan y con producción de Xarim Aresté.

En 2014 los músicos Albert Solà y Sergi Estella deciden unirse creando el proyecto musical “Solà & Estella”, un dúo de blues y folk salvaje que publican una primera maqueta de versiones “Solà & Estella” en el año 2015 y que desde hace tres años toca por diferentes escenarios y festivales del país y el extranjero como el concierto que dieron en el Rrandom festival el 26 de junio de 2016.

Dos voces, dos guitarras, bombo, pandereta, banjo, armónica, y todo un arsenal que hacen que los conciertos de “Solà & Estella” no dejen a nadie indiferente, pasando del folk más íntimo al blues más “destroyer. En el año 2018, “Solà & Estella”, publicarán su primer disco con temas propios de Albert Solà y Sergi Estella.

En 2017 Sergi Estella, tras el gran éxito conseguido con sus diferentes proyectos musicales, se centra en su faceta más personal e íntima y empieza a preparar el que será su primer trabajo en solitario y después de casi un año trabajando y cuatro días de grabación en los estudios Bucbonera de Caldes de Montbui con Tomás Robisco, aparece “Ho superes i et fots” su primer disco en solitario y autoeditado con una decena de temas de raíz blues-rock, grabados con instrumentos construidos por él mismo.

Con este disco Sergi Estella vuelve a sacar sonrisas de complicidad con sus letras y vuelve a mover pies y cabeza con sus ritmos, con versos ásperos y riffs desgarrados cargados de sentido del humor y blues del Delta.

El disco aparece el 6 de octubre de 2017 y el 16 de julio de 2018 Sergi Estella comienza su gira “One Blues Folk Man Band” por Italia con un total de once conciertos en once días iniciándose en Sora y siguiendo, entre otros, los conciertos en Roma, Altamura, Nápoles, Manfredonia y Portovenere finalizando la gira el 26 de julio en Génova. Esta fue la segunda vez que Sergi Estella salía al extranjero para mostrar su música pues el año anterior tocó en Suiza. Estella valora estas giras como “una gran oportunidad para compartir su proyecto con otras culturas y salir de la zona de confort que genera Cataluña”.

Tras este estupendo disco, Sergi Estella demuestra definitivamente su gran talento, creatividad y habilidad como músico e instrumentista  con un proyecto peculiar que se basa en el formato de hombre orquesta, es decir, que él solo toca todos los instrumentos que él mismo ha construido y también demuestra que es un excelente cantautor y letrista contador de historias con humor negro que convierten sus conciertos en un verdadero espectáculo cargado de blues, rock y sorpresas.

Ponemos rumbo a Barcelona desde allí nos llega nuestro siguiente músico de la noche,este lleva por nombre Sergi Estella.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en tres singles digitales registrados en 2015.

Además de estos cuenta con:Un single más y 2 álbumes de estudio.

En cuanto a su sonido este factura un Blues con toques de Folk y mucho respeto hacia el sonido tradicional del Delta.

Todo ello tocado con instrumentos fabricados artesanalmente a mano con todo tipo de materiales:Desde sillas hasta latas de cerveza,escobas o cajones de madera.

El tema que a continuación escucharéis pertenece a su segundo álbum de estudio al que bautizó Blood like wine.

Registrado en 2021 este fue autoeditado en una pequeña tirada en vinilo ese mismo año.

Cerrando dicho trabajo encontrarás este tema titulado "Blood like wine".

https://www.discogs.com/es/release/23880731-Sergi-Estella-Blood-Like-Wine

El incomparable Lewis Floyd Henry es un tipo así. En una época en la que MySpace y la blogosfera se han convertido en los medios convencionales para alcanzar el estrellato del rock, este extraordinario compositor e intérprete ha optado por la antigua ruta de salir a la calle para difundir su música.

Durante los últimos años, como un músico de blues del Misisipi a principios del siglo XX, Lewis se ha instalado en las esquinas de Londres, en Brick Lane, Borough Market y South Bank, siempre con los bolsillos llenos de monedas sueltas, pero también difundiendo poco a poco el conocimiento de su extraordinario talento.

A diferencia de esos artistas del Delta, llega armado con un carrito que transporta un amplificador a pilas y una pequeña batería hecha a medida; de ahí el título de su alucinante álbum debut, «One Man & His 30w Pram». Aún más diferente a ellos, ha acumulado 100.000 visitas con un vídeo de YouTube en el que interpreta una versión rockera de «Protect Ya Neck» de Wu-Tang Clan a las afueras de la estación de metro de Tottenham Court Road. En otra parte del sitio, se le puede ver interpretando una melodía de Prokofiev con los dientes. Como dice un comentario ingenioso: «Cuando murieron Bob Marley, Jimi Hendrix y Ol’ Dirty Bastard, nació este tipo».

Sus jóvenes padres sin duda tuvieron dificultades para criarlo, pero, por otro lado, Lewis estuvo rodeado de buena música: desde Big Youth hasta Motown. Durante su adolescencia, se aficionó a Michael Jackson, De La Soul y, sobre todo, al grafiti.

Lo arrestaron un par de veces por decorar edificios públicos. Pronto empezó a aprender a tocar la guitarra con una compra de 24 libras en Argos, y a juntarse con chicos skaters que también tocaban. Improvisaba sin parar con un sencillo de 7 pulgadas de «What The World Is Waiting For» de The Stone Roses, pero su gran revelación con el instrumento llegó de forma inesperada: «Mi padre iba conduciendo por Blackheath en su furgoneta, y al doblar una esquina, le pregunté: "¿Quién es el mejor guitarrista de la historia?". Él me respondió: "Ese Eric Clapton es un buen artista... no, no, espera, hay otro..."». Lewis fue corriendo a la tienda Virgin Megastore de Oxford Street y compró un casete de Jimi Hendrix. «Fue una revelación total para mí, porque, como me gustaba el arte en el colegio, casi podía cerrar los ojos y oír cosas como imágenes y colores en la música». Durante uno o dos años, tuvo un trío estable. «Tocábamos en Brick Lane de vez en cuando, solo para intentar ganar algo de dinero». Nos dimos cuenta de que ser una banda nos daba más impacto que si alguien simplemente estuviera ahí parado tocando una guitarra acústica. La gente necesita ese factor sorpresa. Después de que su baterista se mudara a Italia, Lewis hizo otros descubrimientos musicales que le cambiaron la vida. «Me gustaba el graffiti, Wu-Tang, había explorado toda la escena del metal, Pantera, drum 'n' bass, música de los 60, dub reggae, y entonces mi padre me puso a Robert Johnson, y me sentí atraído por él, como si estuviera escuchando música del pasado. Es música increíble; para mí, es la raíz de todo».

Fascinado también por otro misterioso guitarrista solitario de antaño, Nick Drake, Lewis comenzó a escribir canciones solo para que él las interpretara, estrenándolas en el Easycome Acoustic Club de Nunhead. “Al mismo tiempo, tocaba la batería con un amigo, un metalero al que le gustaba Black Sabbath; había aprendido de él con el antiguo baterista de la banda. Así que tenía la batería montada en mi habitación, y a veces me sentaba allí y pensaba: «¡Qué pena, la banda ya no toca!», y aquí estoy yo en mi habitación con mi batería y mi guitarra, y de hecho, golpeaba la batería, pensando: «Ojalá pudiera tocar la guitarra y la batería como un músico solista…»

Al principio, dice, «intenté colocarme un bombo enorme en la espalda, con cuerdas guía, e intenté lo tradicional de músico solista, en la intimidad de mi casa, porque no quería llamar demasiado la atención. Para mí, no funcionó del todo, porque los golpes son demasiado estridentes; si no, tienes que moverte como el tipo de Mary Poppins, y entonces se convierte más en un número de rareza. Porque vengo de un En la banda, los ritmos tienen que sonar bien, y hay que usar diferentes tipos de ritmo.

“Así que monté un pequeño artilugio en el suelo, como un bombo, una caja y un charles, y me dedicaba a practicar. Al principio, pensaba: «Mmm, no sé si esto va a funcionar, es muy rígido comparado con lo que estoy acostumbrado». Era como volver a mis orígenes” –marca el ritmo con los pies al estilo blues– “Pero tenía todo este material nuevo que iba en una dirección diferente a la de mis composiciones habituales. Así que decidí coger esas canciones al estilo de Nick Drake y Robert Johnson, y tocarlas en la calle, tocando en la calle”.

De esta forma, Lewis ha compuesto más de treinta canciones propias. Como demuestra «One Man & His 30w Pram», hace tiempo que aprendió a diversificarse más allá de su estilo inicial de blues folk, adentrándose en ritmos de rock vertiginosos dignos de The Experience de Hendrix (¡y vaya si eran tres!). En el extremo pastoral, «Sacred Gardens» y «Short Space Of Time» se inspiraron en sus abuelos, quienes llevaban al joven urbanita fuera de la ciudad y lo dejaban boquiabierto con impresionantes paseos rurales por el Lake District y el Peak District. «Guardian Angels», por otro lado, es un ritmo enérgico sobre los Pleyadianos, una raza extraterrestre que, según algunos, vendrá a rescatar a la humanidad de sus propias locuras ecológicas.

Otras canciones, como «Good News» y «Miss Dual Carriageway», son puro blues enérgico. «Man’s Ruin» trata sobre un romance lamentable. Mientras tanto, «Went To A Party» es simplemente mi forma de decir: «¡Qué tiempos aquellos! ¡Sí, tío, las fiestas en casa!».

El álbum surgió tras un encuentro casual en julio de 2009, cuando Lewis fue visto tocando en Brick Lane por Suss’d Records, sellos responsables de la reedición de los legendarios sellos de disco, soul y funk de los 70 y 80, Salsoul y P&P Records. Suss’d quedó tan impresionada por el talento y la intensidad de Lewis que le ofreció un contrato en el acto. Se creó así un nuevo sello, Adjust Records (distribuido por Republic of Music/Universal), para lanzar los discos de Lewis y, potencialmente, los de otros futuros artistas de música alternativa.

Tras grabar unas veinte maquetas en octubre, que le valieron a Lewis conciertos en Londres y en los festivales más importantes del verano en todo el Reino Unido: Bestival, Latitude, Leeds, The Big Chill y otros, «One Man & His 30w Pram» se grabó en tan solo cuatro días en junio de 2010 en «The Pool» de Miloco Studios, con Ferg Peterkin (Graham Coxon, Depeche Mode, Foals, The Horrors) como productor.

Con este álbum único e increíble en su haber, el mundo está ahora a los pies de Lewis Floyd Henry. Habiendo perfeccionado su talento en el escenario más duro de todos —la calle—, está preparado para conquistar a cualquiera, en cualquier lugar y en cualquier momento. “Tocar en la calle me ha dado confianza”, dice, “y ha sido muy beneficioso para mi música, para mi enfoque y para mi forma de interpretarla. Pero llevo mucho tiempo tocando en la calle, no quiero hacerlo para siempre, con este frío que pela, con gente que te dice que no puedes tocar aquí por cuestiones de seguridad y que te quita el equipo. Estoy listo para lo que venga”. Lo que viene, sin duda, es el éxito

Comunicado de prensa: "Estoy triunfando como esperabas. Llama a casa, mismo número, mismo barrio. Todo bien (Todo bien). Y si no lo sabías, ahora lo sabes". Fin...

En una época en la que mucha música parece atrapada en un círculo vicioso interminable de lanzamientos virtuales insignificantes, escalando otra "lista" irrelevante en otra página web irrelevante o simplemente pudriéndose en el ciberespacio.

Lewis Floyd Henry ha recorrido las calles y los escenarios del mundo, evolucionando como un músico solista y ganándose la reputación de ser un gran artista en directo. Mientras desarrollaba su enfoque único de la interpretación, sus ideas musicales han florecido en forma de composiciones y grabaciones propias.

Un espectáculo ambulante de música electrónica multigénero en solitario

Lewis Floyd Henry lleva la singular tradición del músico solista, la música blues callejera de Lone Cat Fuller a un nivel estratosférico casi burlesco: un espectáculo ambulante de música electrónica multigénero en solitario. Lewis ideó una batería de juguete en miniatura, accionada con el pie y colocada de lado para su "sección rítmica". Con otros pedales, incluyendo loopers, uno puede imaginarse a los cadáveres fantasmales reanimados de Son House, Jimi Hendrix y varios enanos naranjas brillantes bailando como marionetas vudú mientras él golpea ritmos como una vieja y corroída 808 sobre un fondo de grooves inspirados en la psicodelia de los 60.

Suena como Lone Cat Fuller improvisando con Captain Beefheart en Margate. Lo que lo hace tan genial es la síntesis espontánea de un solo hombre del blues rural de Piedmont, los toques vocales ocasionales de Mick Jagger y las tendencias vintage del ragtime jazz y el skiffle. Incluso se puede saborear un poco de Hendrix, Son House y una pizca de Hank III y Beck para darle un toque especial.

Autenticidad de 8 bits

Si quieres escapar del pulido implacable de la sobreproducción "plástica" del siglo XXI y deleitar tus oídos con algo impregnado de la autenticidad de 8 bits, no busques más.

Probablemente dañará tus altavoces, es crudo y áspero; no es perfecto, pero eso es precisamente lo que lo hace tan bueno.

Un hombre contra el mundo

Tras años tocando en las duras calles de Londres, deja que el iconoclasta bluesman y auténtico músico solista Lewis Floyd Henry te lleve en un viaje alucinante. Si buscas algo fresco, ingenioso y con un sonido lo-fi adecuado, Lewis es tu hombre.

Tras este sonó "Off The rails" tema que el músico inglés procedente de Londres Lewis Floyd Henry incluyó en su sexto àlbum de estudio al que tituló Blues baby.

Registrado en 2019 este fue publicado por el propio músico de manera digital a través de su bandcamp.

Este es un musico  que lleva la enrarecida tradición del blues de esquina, unipersonal y callejero de Lone Cat Fuller a un nivel estratosférico casi burlesco: un espectáculo unipersonal multigénero de medicina sónica.

Conjuga con su Blues impregnado de una esencia Funky y pequeñas dosis de Hip hop a la perfección.

En el puedes imaginar a los cadáveres fantasmas reanimados de Son House, Jimi Hendrix mientras machaca ritmos como un antiguo y corroído 808 sobre un fondo de grooves inspirados en la psicodelia de los 60.

Conocido por sus performances callejeras en las que fusiona temas desde Motörhead a Metallica,AC/DC o Black Sabbath con Wu tang clan

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer álbum registrado en 2014.

Además de este cuenta con:5 Álbumes de estudio,uno más fusionando covers de otros artistas y 7 singles,3 de ellos digitales.

https://lewisfloydhenry.bandcamp.com/album/blues-baby-album

Jon Spencer Blues Explosion fue un trío de rock estadounidense originario de Nueva York, formado en 1991.El grupo estaba compuesto por Judah Bauer en guitarra, coros, armónica y voz principal ocasional; Russell Simins en batería; y Jon Spencer en voz, guitarra y theremin. Su estilo musical se basa principalmente en el rock and roll;sin embargo, la banda incorpora influencias del Punk, Blues, Garage, Rockabilly, Soul, Noise rock, Rhythm and blues y Hip-hop.

La banda lanzó nueve álbumes de estudio oficiales, discos en colaboración con Dub Narcotic Sound System y R.L. Burnside, así como numerosos sencillos, álbumes de tomas descartadas, recopilaciones y álbumes de remezclas en directo. En 2010, la banda lanzó una serie de reediciones ampliadas. A lo largo de su trayectoria, este sonido experimental y las técnicas de grabación a veces poco convencionales les han permitido trabajar con artistas como Elliott Smith, Beck, Solomon Burke, Steve Albini, Martina Topley-Bird y Mike D de los Beastie Boys.

Originario de Hanover, New Hampshire, EE. UU., Jon Spencer estudió en la Universidad de Brown en Providence, Rhode Island, donde formó parte de la banda de noise rock Shithaus, junto a Tod Ashley (Cop Shoot Cop, Firewater). En 1985, Spencer se mudó a Washington D. C., donde formó la banda Pussy Galore con Julia Cafritz; en mayo de 1986 se trasladaron a Nueva York. Antes de la formación de The Jon Spencer Blues Explosion, Spencer tocó y grabó con Gibson Bros., Boss Hog y The Honeymoon Killers.

Judah Bauer, de Appleton, Wisconsin, había formado parte de una de las primeras alineaciones de The Spitters y, junto a Russell Simins, de Queens, Nueva York, grabó con Crowbar Massage.

Fue con The Honeymoon Killers de Jerry Teel con quienes Bauer, Simins y Spencer tocaron y grabaron, y de donde posteriormente formaron The Jon Spencer Blues Explosion.

Russell y yo ensayábamos con Honeymoon Killers, y al terminar el ensayo seguíamos tocando, hasta que finalmente invitamos a Bauer, amigo de Simins, a unirse.

El sonido de The Jon Spencer Blues Explosion estaba influenciado por bandas anteriores, con la influencia de su trabajo con los hermanos Gibson, algo que ya se evidenciaba en el último álbum de Pussy Galore. "Ese último álbum de Pussy Galore desprendía una versión muy influenciada por los hermanos Gibson de lo que vendría con el siguiente proyecto de Spencer, mucho más exitoso: The Jon Spencer Blues Explosion."

"...después de cinco años con Pussy Galore, pude conectar con el rock 'n' roll de una manera que antes no había podido", recuerda sobre aquellos días formativos. "Estaba harto de muchas cosas... tanto rock 'n' roll de mierda que me enfurecía, y Pussy Galore se rebelaba contra eso. Con The Blues Explosion, había algo de eso, pero ahora lo celebraba." – Jon Spencer

Firmaron con el importante sello independiente Matador Records entre 1993 y 2002 en Estados Unidos, con Crypt Records entre 1992 y 1994 en Alemania y con Mute Records entre 1996 y 2005 en el Reino Unido, aunque han publicado material con varios sellos diferentes, incluidas las reediciones de 2010 en Shout Factory en Estados Unidos y Shove Records en el Reino Unido.

La banda llevaba seis meses tocando junta cuando grabaron por primera vez con Kramer en Noise NY, Nueva York, en julio de 1991. Grabaron catorce canciones en tres horas, "solo haciendo segundas tomas aquí y allá; ni siquiera fuimos a la mesa de mezclas".Esta sesión se publicó íntegramente como el primer álbum de The Jon Spencer Blues Explosion, A Reverse Willie Horton. Se trataba de un álbum no oficial publicado por "Pubic Pop Can" entre finales de 1991 y principios de 1992, en una edición de 500 o 1000 copias (la cifra varía según la fuente). Se ha sugerido que la fuente de la grabación pirata fue una copia pirata de un casete que Jon Spencer dejó copiar durante una gira con los Gibson Bros. en agosto de 1991.

La portada del álbum presenta un negativo de Clarence Thomas, su esposa y George Bush en la ceremonia de juramento de Thomas para la Corte Suprema el 19 de octubre de 1991, con el título y el artista escritos en una tipografía que imitaba una máquina de escribir. La contraportada muestra títulos e información del sello discográfico escritos a mano sobre una fotografía de una mujer en topless. Tanto la portada como la contraportada están pegadas sobre una funda negra lisa. El título hace referencia al delincuente convicto William R. Horton, cuya imagen se utilizó ampliamente en anuncios políticos durante la campaña presidencial de 1988.

La segunda sesión fue grabada por Steve Albini en The Waterfront, Hoboken, Nueva Jersey, entre noviembre y diciembre de 1991. Los temas de las sesiones de Kramer y Albini se publicaron oficialmente en el lanzamiento de Caroline (EE. UU.) / Hut (Reino Unido) titulado The Jon Spencer Blues Explosion; y en mayor cantidad por Crypt Records bajo el nombre de Crypt Style. y en una versión alternativa de Crypt Style de 1 + 2 Records (Japón), incluyendo la pista "Colty" que no estuvo disponible en ningún otro lugar hasta el lanzamiento de Year One de Shout! Factory en 2010, que recopiló todas las pistas lanzadas de ambas sesiones con la excepción de una toma alternativa de "Feeling of Love" (lanzada en Dirty Shirt Rock N Roll: The First Ten Years).

La banda grabó un videoclip para la canción "Rachel", dirigido por Jim Spring y Jens Jurgensen, que posteriormente fue lanzado por Matador Records en el Live Promo Video de 1997.

El primer álbum de The Jon Spencer Blues Explosion fue el único publicado por Caroline Records.

En 1992, The Jon Spencer Blues Explosion firmó un contrato con Caroline Records y solicitó una bonificación muy específica: la entonces nueva caja recopilatoria de 10 CD de Jerry Lee Lewis. Según cuenta la banda, Caroline nunca les proporcionó la caja, y la etapa de Blues Explosion en el sello fue breve y conflictiva.

El primer sencillo fue "Shirt Jac", publicado por In The Red Records (1992), también de la segunda sesión de grabación con Steve Albini. Este fue el primero de los sencillos de la serie Explosion Juke Box, inspirado en "una serie similar de Charlie Feathers publicada en los años 70"(el tercer sencillo de la serie, "Get With It", era en realidad un arreglo de un sencillo de Feathers de 1956).

La cara B, "Latch On", es un arreglo de Jon Spencer de una canción de rockabilly, a pesar de que la grabación de The Jon Spencer Blues Explosion tiene muy poco en común con las grabaciones más conocidas de este tema (publicadas por Ron Hargrave y The Cochran Brothers). La versión de The Jon Spencer Blues Explosion es muy probablemente una versión de la versión de The Cochran Brothers, ya que ambas incluyen la frase "you are really gone" (realmente te has ido), que no aparece en la letra cantada por Ron Hargrave.

Cuando la banda firmó con Matador Records, solicitaron el recopilatorio de 9 CD de Stax-Volt (1959-1968). Matador cumplió con Stax y la banda disfrutó de una década de colaboración con el sello.

A finales de 1992, Jon Spencer Blues Explosion emprendió una larga gira por Estados Unidos como teloneros de Jesus Lizard. Frank Kozik diseñó carteles para los conciertos en Emo's, Austin, Texas, y Kennel Club, San Francisco.

Las sesiones de grabación de Extra Width, el segundo álbum de estudio de Jon Spencer Blues Explosion, tuvieron lugar en Memphis, en el estudio de Doug Easley, los días 23 y 24 de noviembre y el 3 de diciembre de 1992, durante la gira de Jesus Lizard, y en Waterworks Recording en Nueva York con Jim Waters, donde se realizaron todas las sobregrabaciones y la mezcla. El diseño gráfico del álbum reproduce un paquete de medias comprado en Memphis, Tennessee.El empaque original de las medias se puede ver en una foto de la banda utilizada en Mo' Width y en las reediciones posteriores de Extra Width.

Se dice que durante esta época la personalidad escénica de Jon Spencer evolucionó y estableció lo que ahora es sinónimo de una presentación en vivo de Blues Explosion.

Jon tuvo un momento decisivo. Fue cuestión de tiempo y arte. Mejoró su técnica. El espectáculo al estilo de James Brown era un método antiguo, pero Jon lo llevó a otro nivel. Antes de eso, era punk; le gustaba, pero era tímido. Finalmente dio el salto y se convirtió en un artista consumado. Quería ser el centro de atención.

— Judah Bauer Extra Width se publicó en junio de 1993. "Afro" se lanzó posteriormente como sencillo de 7 pulgadas en el Reino Unido en 1994 y contó con un videoclip dirigido por Tom Surgal.Este fue el único sencillo del álbum y contenía la cara B "Relax-Her", que aparece etiquetada como "Incidental" en la prueba de prensado y se presenta como tal en la grabación.

El 11 de septiembre de 1993, The Jon Spencer Blues Explosion se presentó en el evento Blast First, The Lost Weekend, en el London Astoria 2, junto a The Afghan Whigs, God Machine y Hair & Skin Trading Company. El álbum recopilatorio que acompañaba al evento, The Lost Weekend, tuvo una edición limitada de 3000 copias e incluía la canción "Afro". Se regalaron 2000 copias a los asistentes al evento de dos días y las 1000 restantes se vendieron a través de la revista musical británica Melody Maker (ya desaparecida) a 1,50 libras cada una.

Su primera aparición en televisión fue en el programa de Channel 4 UK, The Word (Temporada 4, Episodio 12), en febrero de 1994, interpretando "Afro" e "History of Sex". Posteriormente, el presentador Mark Lamarr declaró: «Son la mejor banda en directo que he visto jamás».

También a principios de 1994, In The Red Records lanzó «Train No. 3» y «Train No. 1» como la tercera entrega de la serie Explosion Juke Box («Train No. 2» apareció en Extra Width).

Mo' Width fue publicado en julio de 1994 por Au Go Go Records y constaba de tomas descartadas de la época de Extra Width, incluyendo versiones de «There Stands The Glass» (Webb Pierce), «Beat of The Traps» (Teri Rodd & MSR Singers) y «Ole Man Trouble» (Otis Redding), una mezcla alternativa de «Afro» con un solo de órgano mucho más prominente y «Rob K», que cuenta con la participación de Rob Kennedy de The Workdogs. La canción fue posteriormente titulada «Rob K is President» en la reedición de Mute Records de 2000.

Durante una entrevista con la revista holandesa Oor, Jon Spencer dijo que el lanzamiento de Mo' Width se retrasó hasta dos meses antes del lanzamiento del siguiente álbum de estudio.

Orange se grabó en Waterworks, Nueva York, con Jim Waters y se lanzó en octubre de 1994. La edición original en vinilo de Matador Records era un picture disc plateado, mientras que la primera edición de Crypt Records tenía fundas naranjas en lugar de las plateadas habituales.

«Bellbottoms» abre el álbum y cuenta con un arreglo de cuerdas de Kurt Hoffman.La canción también fue lanzada por Matador Records como sencillo de vinilo blanco de 7 pulgadas solo en el Reino Unido y contó con un videoclip dirigido por Tom Surgal.[cita requerida] También hubo videoclips para "Dang", dirigido por Steve Hanft,y "Flavor", dirigido por Evan Bernard y con apariciones de Beck (quien también participa en la canción) y Mike D de los Beastie Boys.

En agosto de 1994, The Jon Spencer Blues Explosion ofreció una serie de conciertos en Australia y Nueva Zelanda junto a Beck. En septiembre de 1994, tocaron en los Países Bajos, en Vera, Groningen, el día 18 y grabaron una sesión en directo para la radio VPRO el día 25. La sesión de VPRO se publicó como un bootleg no oficial de 10 pulgadas que incluía las canciones inéditas "Curfew Blues" y "Wriggle and Move". La "Introducción" está editada de la misma manera que "Tour Diary" en Experimental Remixes, y al menos dos segmentos aparecen en ambas versiones. Lanzamientos. "Curfew Blues" se publicó posteriormente en Jukebox Explosion Rockin' Mid-90s Punkers, y la reedición de Orange de 2010 incluye dos temas de las sesiones de VPRO: "Very Rare" y "Woman Love" (cuyo título a veces aparece como "Frustrate").

En octubre de 1994, Blues Explosion intentó grabar su primer álbum en directo en DPC, Tucson, Arizona, pero la actuación estuvo plagada de problemas técnicos y se interrumpió cuando un miembro del público arrojó una bomba fétida.Algunas de las canciones se publicaron posteriormente en la reedición de Controversial Negro de 2010. En diciembre de 1994, actuaron en directo en The Jon Stewart TV Show desde los estudios de MTV en Nueva York. "Get With It", de este programa, se incluyó en el vídeo promocional en directo de 1997 de Matador Records.

Jon Spencer Blues Explosion ofreció conciertos en el Reino Unido en marzo de 1995 junto a los Beastie Boys (incluido el Brixton Academy de Londres, donde encabezarían la gira Plastic Fang en abril de 2002), y en mayo realizó una gira por Estados Unidos con The Roots y los Beastie Boys.

El EP Experimental Remixes se publicó en mayo de 1995 e incluía varios temas de Orange remezclados por artistas como UNKLE, Beck, Mario Caldato Jr., Mike D, Dub Narcotic Sound System, Moby y GZA (con Killah Priest). En septiembre de 1996, Orange había vendido 70 000 copias.

En 2000, Experimental Remixes se reeditó con nuevas remezclas en CD y vinilo doble, y Orange se reeditó en CD con una sección ampliada que incluía los videoclips de «Dang», «Flavor» y «Bellbottoms». La edición en vinilo incluía un póster. El álbum fue reeditado nuevamente en 2010 por Shout! Factory (EE. UU.) / Shove Records (Reino Unido) como un set de doble CD que esta vez combinaba Orange, Experimental Remixes y varias pistas raras, en vivo e inéditas.

La tarde del 6 de febrero de 1996, Jon Spencer Blues Explosion grabó el álbum A Ass Pocket of Whiskey con R.L. Burnside y Kenny Brown en Lunati Farms, Holly Springs, Mississippi. Otros dos temas, "Alice Mae" y "Highway 7", también grabados en Lunati Farms en febrero de 1996, se incluirían en el álbum Mr Wizard de R.L. Burnside, publicado en 1997. Ambos álbumes contaban con portadas diseñadas por Derek Hess.

Los arreglos musicales utilizados en los temas "2 Brothers" y "Tojo Told Hitler" de A Ass Pocket of Whiskey darían origen a la canción "Cool Vee" de Jon Spencer Blues Explosion, que se lanzó como cara B de "2Kindsa Love". "Have You Ever Been Lonely?" es una improvisación basada en "Vacuum of Loneliness", originalmente incluida en el álbum homónimo de 1992.

«Fue bastante intimidante ir [a Misisipi] a grabar con R.L., ya que es uno de mis ídolos», dice Spencer, quien salió de gira con el guitarrista y cantante en 1995. «Sin duda, tienes la sensación de estar tocando para él, no con él. Fue prácticamente lo mismo con Rufus Thomas».

Now I Got Worry fue producido por Jon Spencer y Jim Waters y grabado en Easley Studio, Memphis; G-Son, Los Ángeles; y Waterworks West, Tucson. Estas sesiones tuvieron lugar principalmente entre el 5 y el 13 de febrero de 1996 (al mismo tiempo que la grabación con R.L. Burnside). El álbum fue lanzado por Matador Records y Mute Records en octubre de 1996 (alcanzando el puesto número 50 en la lista de álbumes del Reino Unido) e incluye colaboraciones de Thermos Malling de Doo Rag (acreditado con "Bang" en "2Kindsa Love"), Rufus Thomas y Money Mark, además de una versión de "Fuck Shit Up", original de Dub Narcotic Sound System con Judah Bauer como vocalista principal. La edición coreana no incluyó "Fuck Shit Up" y la edición japonesa incluyó "Get With It" y "Cool Vee" como bonus tracks.

Durante este tiempo, los lanzamientos de Matador eran distribuidos por Capitol Records. En un artículo sobre esto, Marc Burton, comprador de Electric Fetus de Minneapolis, dijo: "Creo que con la mayor exposición que obtendrá gracias a una distribución más amplia, Spencer podría alcanzar el mismo éxito que Beck".

Capitol/Matador lanzó un sencillo promocional de 7 pulgadas con cinco anuncios de radio diferentes.

R.L. Burnside también se unió a The Jon Spencer Blues Explosion para la gira de Now I Got Worry en el Reino Unido, Europa y Estados Unidos en octubre y noviembre de 1996. El 23 de octubre de 1996, Lola da Musica, de VPRO TV, filmó a ambos artistas en una jam session previa al concierto en De Melkweg, Ámsterdam. "Boogie Chillun" se lanzó posteriormente de forma oficial en el vídeo promocional en directo.

El 29 de octubre, The Jon Spencer Blues Explosion grabó un breve concierto para los estudios de MTV en Londres, que incluyó canciones de Now I Got Worry, "Water Main" y "Vacuum of Loneliness". "Love All of Me" y la presentación de la banda se lanzaron oficialmente en el vídeo promocional en directo.

«2Kindsa Love» fue el primer sencillo británico de Now I Got Worry, publicado por Mute Records en vinilo rosa de 7 pulgadas y CD en noviembre de 1996. Su videoclip, dirigido por Mike Mills, alcanzó el puesto 122 en las listas británicas.

«Wail» se publicó en el Reino Unido por Mute Records el 10 de mayo de 1997, en CD y dos sencillos de 7 pulgadas (en vinilo gris y verde). La portada, con la ortografía incorrecta «John Spencer Blues Explosion», fue escrita con corrector líquido en la barandilla de una escalera mecánica en la estación de metro de Tottenham Court Road en Londres (un poco más abajo había otra parte que simplemente decía «Damn»). Cada portada presenta una fotografía ligeramente diferente, tomada por William Bankhead, del mismo texto.

El videoclip de «Wail», dirigido por Weird Al Yankovic,alcanzó el puesto 66 en la lista de sencillos británica.

En Melbourne, Australia, el 6 de septiembre de 1997, The Jon Spencer Blues Explosion interpretó "2Kindsa Love" / "Flavor" en el programa matutino semanal nacional para jóvenes de ABC, Recovery. Se puede ver a Jon Spencer corriendo entre el público, alrededor del escenario y destruyendo el telón de fondo de "Blues Explosion". A Jon Spencer se le preguntó sobre esta actuación en particular en una edición de junio de 2010 del semanario musical británico NME:

¿Qué canción estabas tocando con Jon Spencer Blues Explosion cuando destrozasteis un estudio de televisión en Melbourne en el 97? Puede que empezáramos con otra canción y luego tocáramos «Flavour». No estaba planeado, simplemente me surgió. Quizás fue por el cansancio. Llegas a un punto en la gira en el que te sientes un poco aturdido. ¡Ese concierto se emite en directo por la mañana! ¡Aunque todos se portaron muy bien!

En 2010, Shout! Factory / Shove! Records lanzó una nueva versión de este álbum, ampliada para incluir caras B, temas raros y el tema inédito «Roosevelt Hotel Blues», con Beck y Money Mark.

En mayo de 1997, se publicó Controversial Negro. Este fue un álbum promocional en directo, editado en vinilo en EE. UU., en CD en el Reino Unido y lanzado oficialmente en Japón en CD con cinco temas adicionales. El título de este álbum proviene de la canción "Burn Hollywood Burn" de Public Enemy, perteneciente a su álbum de 1990, Fear of a Black Planet. Hacia el final del tema, alguien le pregunta a Flavor Flav: "Ahora que te estamos considerando para un papel en nuestra nueva producción, ¿qué te parece interpretar a un negro polémico?". La portada de la versión promocional, junto con el título Controversial Negro, originalmente estaba destinada a Now I Got Worry.

En junio de 1997, actuaron en el Concierto por la Libertad del Tíbet en Nueva York, y una versión en vivo de "Blues X Man" se incluyó en el álbum triple en CD que lo acompañaba (en el que también participó Russell Simins junto a Cibo Matto).

En marzo de 1997, la banda grabó un tema en Dub Narcotic Studios, Olympia, para el recopilatorio Selector Dub Narcotic de K Records (lanzado en mayo de 1998). La canción, titulada "Blues Explosion Attack", mencionaba a Calvin Johnson, Doo Rag, Subsonics, Speedball Baby, Demolition Doll Rods, R.L. Burnside, Dub Narcotic Sound System y Sleater Kinney, quienes habían teloneado a Blues Explosion en su concierto en el Moore Theatre el día anterior (la canción sería posteriormente reescrita y regrabada para el álbum Acme).

El trabajo en Acme comenzó en octubre de 1997, cuando la banda entró al estudio con Dan Nakamura, también conocido como Dan the Automator, para grabar "Right Place, Wrong Time", una versión del éxito de Dr. John utilizado en la banda sonora de Scream 2.

Spencer dijo: "La razón por la que hicimos la banda sonora de Scream 2 fue para intentar trabajar con un productor. Nos gustaba mucho el disco de Dr. Octagon; es un disco genial, y también un disco un tanto extraño. Así que, además de 'Right Place'". Grabamos otras canciones.

La siguiente parada fue el estudio de Steve Albini, Electrical Audio, donde Blues Explosion grabó algunos temas en los días posteriores a su actuación de Nochevieja de 1998 en Chicago. «En el estudio de Steve grabamos todo en directo, como siempre», dice. «Quería trabajar con Steve porque sabía que haría un buen trabajo y que las cintas sonarían genial, y podíamos enviárselas a cualquiera porque teníamos una base excelente y era prácticamente imposible equivocarse».

Mientras estaban en Chicago, también conocieron a Andre Williams, que tocaba en la zona. Grabó la voz invitada para el tema «Lapdance» (que no se publicó hasta los álbumes Acme Plus / Extra Acme, lanzados al año siguiente).

El cantante explicó:

Parte de Acme se grabó al estilo clásico de Blues Explosion, yo trabajando con el ingeniero, pero también exploramos muchas posibilidades. Algunas canciones fueron mezcladas y remezcladas por diferentes productores, lo que explica en parte el elevado coste, y algunas de ellas finalmente se publicaron. Se crearon a partir de dos o tres mezclas diferentes. No éramos demasiado exigentes con estas canciones; dejábamos que otros trabajaran en ellas y luego hacíamos lo que teníamos planeado.

Acme se lanzó en octubre de 1998. En Estados Unidos, el primer sencillo del álbum fue "Talk About The Blues". Esta canción se grabó durante una sesión con Calvin Johnson en Dub Narcotic, Olympia, Washington. La mayoría de los demás temas grabados en ese momento se publicaron en 1999 como el álbum colaborativo Sideways Soul: Dub Narcotic Sound System Meets The Jon Spencer Blues Explosion in a Dancehall Style!.

El videoclip, dirigido por Evan Bernard, cuenta con Winona Ryder, Giovanni Ribisi y John C. Reilly como The Blues Explosion, con Judah, Russell y Jon como actores. El cantante declaró a MTV Online: "Creo que la gente se va a sorprender mucho al ver la actuación de The Blues Explosion. Cuando vean algunas de las escenas intensas, dramáticas y realmente conmovedoras que sacamos de lo más profundo de nuestro ser, creo que se van a quedar boquiabiertos...".

A lo largo de la trayectoria de la banda, el uso de la palabra "blues" en su nombre ha generado mucha controversia. La letra de "Talk About The Blues" aborda este tema, haciendo referencia directa a MTV y Rolling Stone, e incluye la frase "No toco blues, toco rock 'n' roll" (que a su vez era una referencia al álbum de Mississippi Fred McDowell, I Do Not Play No Rock 'n' Roll).

"Talk About The Blues" surgió como reacción a una reseña de Rolling Stone sobre Now I Got Worry y a una entrevista con Jon Spencer.

Compuse la canción justo después de la entrevista, inspirado por ella y también por algunas de las críticas que hemos recibido en los últimos años. Si hubiéramos intentado grabar una canción que respondiera a las críticas en el momento, habría sido demasiado exagerado. La letra se mantuvo fiel a la espontaneidad original, a lo que se podría llamar un desahogo. Pero no es para tanto, ¿sabes? Muchas de esas cosas no merecen respuesta.

«Magical Colors» alcanzó el puesto número 92 en la lista de sencillos del Reino Unido en noviembre de 1998. El videoclip, dirigido por Terry Richardson, es una recopilación de fotografías fijas.

«Talk About The Blues» alcanzó el puesto número 120 en la lista de sencillos del Reino Unido en marzo de 1999.

El tema «New Year (Destroyer)», ajeno al sello Acme, se publicó como sencillo compartido con Barry Adamson, siendo el cuarto sencillo de la serie Slut Smalls. «Heavy» fue el último sencillo de Acme, lanzado en agosto de 1999, y alcanzó el puesto número 106 en la lista de sencillos del Reino Unido.

En 1998, aparecieron en el programa de Canal+ «Nulle Part Ailleurs» interpretando «High Gear» y «Talk About The Blues». Durante la actuación de nueve minutos y medio, Jon Spencer aprovechó al máximo el estudio de televisión: corrió entre el público, se subió a la mesa y uno de los presentadores, visiblemente desconcertado, lo llevó de vuelta al escenario. Mientras estaba en la mesa, Jon mencionó a Jackie Chan y le estrechó la mano, a quien le obsequió una copia del álbum Acme.

La mañana del 22 de julio de 1999, la furgoneta de la gira de The Jon Spencer Blues Explosion fue asaltada en el muelle de carga del hotel Sheraton en Vancouver, Columbia Británica, Canadá. La ventana fue destrozada y se robaron un montón de equipo, incluyendo micrófonos, amplificadores, equipo de rack y el theremin Vanguard Model original de 1962.El theremin nunca fue recuperado.

En septiembre de 1999, lanzaron el álbum colaborativo Sideways Soul bajo el nombre Dub Narcotic Sound System Meets The Jon Spencer Blues Explosion in a Dancehall Style. El álbum, de nueve temas, se grabó en los estudios Dub Narcotic de Olympia y contó con la participación de Jon Spencer (guitarra, voz y órgano), Judah Bauer (guitarra), Russell Simins (batería), Jeff

Smith (órgano) y Calvin Johnson (voz y melódica). (El tema Talk About The Blues también se grabó durante estas sesiones).

Las tomas descartadas y remezclas de Acme se publicaron como Acme + (Reino Unido), Xtra Acme USA (Estados Unidos) y Extra Acme (CD) / Ura Acme (LP) / Extra Acme (LP promocional) (Japón), cada una con listas de canciones ligeramente diferentes. Al igual que Acme, el álbum presenta diferentes créditos de producción, mezcla y remezcla, así como colaboraciones de artistas invitados como Steve Albini, Nick Sansano, Jack Dangers, David Holmes, Tim Goldsworthy, Calvin Johnson, Moby, Andre Williams, Jill Cunniff, Cody Dickinson, Luther Dickinson y Jim Dickinson.

La reedición ampliada de Acme de 2010, a cargo de The Shout Factory! / Shove Records, incluyó una versión de 22 pistas de Acme Plus como segundo disco. En febrero de 2000, se lanzó un sencillo de 12 pulgadas, «Andre Williams Blues Explosion», con remezclas de la colaboración de Andre Williams, «Lap Dance», realizadas por Jim Waters/Scott Benzel y Jim Thirlwell.

El álbum Plastic Fang fue producido por Steve Jordan y grabado en Oorong, The Magic Shop y The Hit Factory. Publicado en abril de 2002, contó con el arte y el diseño de Chip Kidd, y las ediciones limitadas en CD y vinilo se lanzaron en un paquete especial llamado «Fang Pack». La portada original del álbum se inspiró en cómics.

Varias ediciones de este álbum presentaban diferentes listas de canciones, pero incluían colaboraciones de Dr. John, Elliott Smith, Bernie Worrell, Willie Weeks y Bashiri Johnson.

«She Said» fue el primer sencillo del álbum, cuyo videoclip fue dirigido por Floria Sigismondi.El 8 de febrero, el grupo grabó un segundo videoclip de su actuación en directo en el 100 Club de Oxford Street, Londres, para «She Said» (dirigido por Barney Clay).Este sencillo se convertiría, hasta la fecha, en su mejor posición en las listas de éxitos del Reino Unido, alcanzando el puesto número 58. En abril, aparecieron en el programa de la BBC «Later with Jools Holland», donde Jools tocó el piano durante la interpretación de «Sweet n Sour».

El sencillo «Sweet N Sour» se publicó en julio con un videoclip dirigido por Stylewar y alcanzó el puesto número 66 en las listas de éxitos del Reino Unido. En noviembre, lanzaron otro sencillo, «Shakin' Rock'n'Roll Tonight», que llegó al puesto número 126.

El 31 de enero de 2003, la banda actuó con Solomon Burke en el Royal Festival Hall de Londres en el evento «Solomon Burke Meets Jon Spencer Blues Explosion».

Damage fue el único álbum lanzado por Sanctuary Records, y para este lanzamiento la banda se conoció temporalmente como The Blues Explosion. Este nombre abreviado duró menos de dos años.

El álbum se grabó entre diciembre de 2003 y abril de 2004 en Empire View Studios, Nueva York; Globe Studios, Nueva York; y Elegant Too Studios. La producción y mezcla contaron con la participación de Dan The Automator, DJ Shadow, Steve Jordan, Free Association (David Holmes), Jay Braun, Alan Moulder, Danny Madorsky, Chris Maxwell y Phil Hernandez (Elegant Too), además de The Blues Explosion, Jon Spencer y Russell Simins. Durante este tiempo, la banda también grabó la versión de Guitar Wolf de «Kawasaki ZII750 Rock 'N' Roll» en Empire View Recording Studio con Danny Madorsky para el álbum tributo I Love Guitar Wolf...Very Much. Cabe mencionar que Guitar Wolf grabó un homenaje al creador del acorde de quinta, Link Wray.

Damage se lanzó en septiembre de 2004 y cuenta con la participación de artistas como Chuck D ("Hot Gossip"), Martina Topley-Bird ("Spoiled" / "You Been My Baby"), James Chance y DJ Shadow ("Fed Up and Low Down") y Simon Chardiet, quien más tarde actuaría con la banda en vivo Heavy Trash ("Rattling"). El sencillo "Burn It Off" se publicó con un video musical dirigido por Stylewar. Alcanzó el puesto número 77 en las listas. En noviembre, "Hot Gossip", el segundo sencillo, llegó al puesto 119 en las listas oficiales del Reino Unido y tuvo un video musical dirigido por David Raccuglia. Publicado como sencillo de vinilo rojo de 7 pulgadas, con Elliott Smith en la cara B interpretando «Meet Me in the City», tema previamente incluido en el álbum tributo «Sunday Nights: The Songs of Junior Kimbrough». «Crunchy» fue el tercer y último sencillo, lanzado en abril de 2005, alcanzando el puesto número 89 en las listas británicas. Las portadas de todos los lanzamientos de la era Damage presentaban fotografías de Ashkan Sahihi y diseño de Chip Kidd. En Japón, se publicaron dos CD promocionales de sesiones de radio ligeramente diferentes, con grabaciones en directo de los temas del álbum «Help These Blues», «Spoiled», «Rattling», «Hot Gossip» y una versión de «Rocket USA», canción de Suicide, que no está disponible en ningún otro lugar.

Entre el 28 y el 29 de septiembre, Russell Simins y Judah Bauer se unieron a Tom Waits y Larry Taylor para una actuación en el programa de televisión de David Letterman, interpretando «Make It Rain» del álbum «Real Gone».

Este suceso en particular causó un gran revuelo entre bastidores cuando Mike Edison escribió un artículo delirante sobre la supuesta sustitución de Jon Spencer por Tom Waits para la página web de Blues Explosion. Esto formaba parte de un plan mayor para conseguir una foto de Tom con Russell y Judah y enviarla con un comunicado de prensa irónico ("Tom Waits Blues Explosion") para ver si la noticia captaba la atención de la prensa generalista. Sin embargo, antes de que se celebrara el evento, un publicista de la discográfica copió el texto directamente de la página web de Blues Explosion y lo publicó como un comunicado de prensa legítimo, lo que casi provocó la cancelación del concierto.

Entre agosto de 2004 y mayo de 2005, la banda realizó una gira por Europa/Reino Unido, Estados Unidos, Japón (ocho fechas con The Kills), Australia, de nuevo el Reino Unido (teloneando a The Hives) y Turquía. En aquella época, en el Reino Unido, el garage rock y bandas como The Hives, The Strokes y White Stripes eran populares, y a menudo se comentaba que The Jon Spencer Blues Explosion nunca recibió el reconocimiento que muchos críticos creían que merecía.

Esto debe resultarles un tanto frustrante. Jon Spencer lleva unos catorce años cultivando su particular estilo de blues: extrovertido, crudo, con influencias punk y con claras referencias a Little Richard, Carl Perkins, Hasil Adkins y Son House. ¿Acaso él y su banda han disfrutado siquiera de un atisbo del éxito de White Stripes? ¿Han hecho un flick?

Sobre "Crunchy", NME dijo que tenía "un ritmo irresistible que la habría catapultado directamente al número uno durante 14 años en cualquier mundo sensato".

Un periódico ficticio (solo la portada) titulado The Daily Explosion y un DVD con los videoclips de "Burn It Off" y "Hot Gossip" estuvieron disponibles en los conciertos de Estados Unidos en noviembre de 2004.

En 2005 se lanzó en Japón el EP Snack Cracker. Este recopilaba muchas de las caras B de los sencillos británicos con los vídeos de "Hot Gossip" y "Burn It Off", un remix de Jay Braun de "Hot Gossip" y una grabación en directo de "Rattling" con Steve Jones de los Sex Pistols.

The Blues Explosion grabó el tema principal de la serie de Anthony Bourdain, No Reservations, emitida en The Travel Channel en 2005. La canción dura aproximadamente 60 segundos. Aproximadamente 20 segundos de este material se utilizan durante la secuencia de introducción del programa y en la pantalla del menú de la posterior edición en DVD.

El 21 de septiembre de 2005, The Jon Spencer Blues Explosion se presentó en Ko Ko, Londres, como parte de los conciertos "Don't Look Back", organizados por ATP, donde los artistas interpretaban álbumes completos. La banda tocó Orange, seguido de un repertorio de canciones que no pertenecían a ese álbum. Durante este tiempo, se envió un mensaje a la lista de correo de Blues Explosion detallando varios proyectos y lanzamientos futuros, incluyendo noticias sobre un álbum de grabaciones en vivo grabado durante la gira Damage (posiblemente solo los conciertos en Japón), que hasta la fecha no ha sido publicado.

Hacia finales de 2005, la banda se tomó un descanso. Los miembros trabajaron en diversos proyectos con diferentes artistas.

En octubre de 2008, lanzaron una recopilación de temas raros e inéditos, incluyendo todos los temas de los cinco sencillos de la serie Explosion Jukebox ("Shirt Jac", "Son of Sam", "Train No. 3", "Get with It" y "Ghetto Mom"). La portada del álbum parodiaba la recopilación original Back from the Grave de 1983, con dibujos de Judah, Russell y Jon reemplazando a los personajes originales. Ambas portadas fueron creadas por Mort Todd. La banda también retomó los conciertos en junio de 2008 con un show sorpresa en Bowery Electric, seguido del Festival de Cine de Bicicletas de Nueva York y una breve gira europea, Jukebox Explosion, durante agosto y septiembre de 2008.

En 2009, se anunció que The Jon Spencer Blues Explosion lanzaría la recopilación retrospectiva de 22 temas titulada Dirty Shirt Rock 'n' Roll: The First Ten Years, seguida de reediciones ampliadas de sus álbumes anteriores: Extra Width, Orange, Acme, Now I Got Worry, Controversial Negro y temas de sus primeros lanzamientos (las grabaciones originales de Kramer y Steve Albini), Year One.

El 16 de abril de 2010, ofrecieron un concierto único en Brooklyn Bowl y anunciaron más presentaciones a partir de julio de 2010, incluyendo el Pitchfork Music Festival de Chicago, el Matador @ 21 Festival en The Pearl de Las Vegas y varios conciertos en Estados Unidos y Canadá.

El tema «Bellbottoms», del álbum Orange, se posicionó en el puesto 180 de la lista «Las 200 mejores canciones de los 90», publicada por Pitchfork el 30 de agosto de 2010.

En octubre, Yahoo! Music entrevistó a Jon Spencer, y la banda interpretó versiones acústicas de «Burn It Off», «Wail» y «Blues X Man». El 15 de octubre de 2010, se publicaron vídeos de las canciones y la entrevista en el blog «Maximum Performance», junto con un breve artículo.

Durante 2010, la banda comenzó a tocar con mayor regularidad en Europa, Estados Unidos y Australia. Su primera actuación en el Reino Unido fue en el London Heaven, en septiembre de 2005, tras la presentación de «Don't Look Back» de Orange en el Koko.

Durante los conciertos, la banda interpretó algunas canciones inéditas, incluyendo una versión de «My War» de Black Flag. Y la banda parece dispuesta a seguir tocando en directo con más conciertos en Europa a mediados de 2011, incluyendo el Festival Primavera en mayo.

Mientras estaban de gira por Australia, grabaron una versión de "Black Betty" en Linear Recording para un anuncio creado por la agencia Deutsch L.A. Inc. de Volkswagen of America, que se emitió durante la Super Bowl en la televisión estadounidense (6 de febrero de 2011).

La banda fue elegida por Jeff Mangum de Neutral Milk Hotel para actuar en el festival All Tomorrow's Parties, que él mismo organizó en marzo de 2012 en Minehead, Inglaterra.

Lanzaron su nuevo álbum, Meat + Bone, en septiembre. Fue muy bien recibido por publicaciones como Pitchfork,Mojo,The Quietus,The Independent on Sunday y The Observer.

Tras una extensa gira para promocionar Meat+Bone, la banda regresó al estudio a principios de 2015 para comenzar a trabajar en su siguiente álbum. El álbum, titulado Freedom Tower - No Wave Dance Party 2015, se lanzó el 24 de marzo de 2015. La banda realizó una gira para presentar el disco, ofreciendo su último concierto en Núremberg el 18 de marzo de 2016.

El 26 de mayo de 2017 se estrenó en Netflix la película "War Machine", protagonizada por Brad Pitt, y su canción "Confused" suena en una escena inicial donde Pitt camina por el aeropuerto. Vuelve a sonar al final de la película, cuando el personaje de Russell Crowe camina por el aeropuerto. Curiosamente, la letra "¡Vamos, Russell!" se canta durante la escena de Crowe. La canción también se escucha en uno de los tráileres de Netflix para la película, Tráiler n.° 2 .

En una entrevista de 2018, Spencer confirmó que Blues Explosion se había separado definitivamente, ofreciendo la siguiente explicación:

...todo se truncó cuando Judah [Bauer] enfermó. Desarrolló un problema respiratorio. Ahora está mejor, pero no puede salir de gira de rock and roll. También ocurrieron otras cosas. No fue solo la enfermedad de Judah. ​​Por múltiples razones, pensamos: "Bueno, esto probablemente se acabó, esto terminó".

Judah Bauer formó parte de The Spitters en sus inicios y ha grabado o actuado con Honeymoon Killers, Crowbar Massage, Twenty Miles (también conocidos como Bauer Brothers), Childballads (Stewart Lupton de Jonathan Fire*eater), Tom Waits, Speedball Baby y Cat Power & Dirty Delta Blues.

Russell Simins ha producido, remezclado y actuado con numerosas bandas, entre ellas Yeah Yeah Yeahs, Honeymoon Killers, Crowbar Massage, Cibo Matto, Grapevine, Ween, Luscious Jackson, Yoko Ono, Money Mark, Fred Schneider, Duran Duran, Asian Dub Foundation, Stereolab, Tom Waits, The Pierces, Tandy, Spalding Rockwell, The Morning Pages, Little Barrie, Jena Malone, Tiny Masters of Today y Harper Simon. Su canción "I'm Not A Model" también apareció en el videojuego Jet Set Radio Future de 2002.

Jon Spencer ha publicado material en solitario, además de ser miembro principal de Shithaus, Pussy Galore, Boss Hog, Spencer Dickinson, Solex vs Cristina Martinez + Jon Spencer y, junto a Matt Verta-Ray, Heavy Trash, con quien lanzó los siguientes álbumes:

Heavy Trash LP/CD (Yep Roc (EE. UU.)/Crunchy Frog (Dinamarca)/Victor/JVC (Japón), 2005)

Heavy Trash – Going Way Out With Heavy Trash LP/CD (Yep Roc (EE. UU.)/Crunchy Frog (Dinamarca)/Victor/JVC (Japón), 2007)

Heavy Trash – Mightnight Soul Serenade LP/CD (Big Legal Mess (EE. UU.)/Crunchy Frog (Dinamarca)/Bronzerat (Reino Unido), 2009)

Con Honeymoon Killers, participó en varias grabaciones y realizó un álbum completo como miembro de la banda junto a Russell Simins, Jerry Teel y Lisa Wells:

Honeymoon Killers – Hung Far Low LP/CD (Fist Puppet, 1991)

También ha colaborado, grabado, remezclado y producido a un gran número de artistas, entre ellos: Gibson Bros., Workdogs, Nancy Sinatra, Moby, Cheater Slicks, Beck, Demolition Doll Rods, Edison Rocket Train/Mike Edison, Einstürzende Neubauten, Coldcut, Powersolo, Puffy AmiYumi, Eros Ramazzotti, The Sadies, Add N to (X), Rob K, Haze XXL, Lost Crusaders, David Holmes, Khan, Los Straitjackets, Bomb the Bass, Princess Superstar, Speedball Baby, Five Dollar Priest, The King Brothers, The Tremolo Beer Gut, Bikini Machine, Phenomenal Handclap Band, The Micragirls, Cobra Killer, The Japanese Popstars, The Slew y Perrosky.

Seguido de este sonó "R.L. Got Soul" tema que la banda norteamericana procedente de Nueva York Jon Spencer Blues Explosion incluyeron en la cara b de su séptimo álbum de estudio al que titularon Now I Got worry.

Registrado en 1996 este salió a la calle de manos de los sellos Au go go,Matador y Mute Records entre otros y de las multinacionales EMI y Capitol Records ese mismo año.

Fundados en 1991 por Jon Spencer su guitarrista,cantante y principal compositor tras la separación de Pussy Galore,junto a Judah Bauer a la guitarra,voz y harmónica y Russell Simins tras la batería.

En cuanto a su sonido estos practican en sus principios un Blues destartalado y minimalista que recuerda en parte a bandas como The Cramps.

Posteriormente siguieron una línea cambiante en la que la constante era la deformación de un sonido Blues diversificado hacia terrenos Funky's e incluso coqueteos con el Dub o el Hip hop.

https://www.discogs.com/es/master/44140-The-Jon-Spencer-Blues-Explosion-Now-I-Got-Worry

El proyecto Chicken Diamond surgió de los altos hornos del este de Francia en 2009. La idea: fusionar el blues de la región montañosa de Mississippi hasta alcanzar la intensidad de un Stooges Metallic 2 X KO.

Esto es lo que Charles 'Chicken' Diamond ha intentado lograr con los 5 álbumes que lanzó con Beast Records (el sexto se publicará en abril de 2020). Su trabajo, poco convencional, no tardó en llamar la atención de la prensa francesa (Rock & Folk, Les Inrocks, Abus Dangereux...). Y la principal sorpresa es que este tipo trabaja como un verdadero solista. Una auténtica banda de un solo hombre, que utiliza batería digital y guitarras vintage, haciendo creer a todo el mundo que se trata de un grupo de locos. En los escenarios, actúa principalmente en Francia, pero también ha participado en festivales en Suiza, Portugal, Alemania, Países Bajos… e incluso en Estados Unidos, donde fue cabeza de cartel del famoso festival Clarksdale Deep Blues en 2019. Aunque su estilo se mantiene fiel a las raíces del blues, sus actuaciones siempre han despertado temor y aversión entre los fans de Eric Clapton.

Chicken Diamond es un músico que toca Blues Punk. Está influenciado por los bluesmen del norte de Mississippi (RL Burnside, Junior Kimbrough…), así como por el rock and roll punk/noisy (The Stooges, The Velvet Underground, Suicide…). Su primer disco incluye 10 temas grabados en directo o con acompañamiento de sección rítmica electrónica.

Chicken Diamond ha compartido escenario en Francia con artistas como Black Diamond Heavies, Jake La Botz, James Leg, Shake It Like a Caveman…

Me encanta la música de este tipo.

Es como una mezcla entre Honkeyfinger, The Velvet Underground, Hollowbelly y no sé qué más. Un montón de groove potente y un blues metalero crudo, sexy y distorsionado.

Le envié un correo electrónico con preguntas frecuentes al hombre conocido como Chicken Diamond.

Esto es lo que averigüé:

¿Cuánto tiempo llevas tocando? ¿Siempre has tocado solo? ¿Qué equipo usas, además del pedal de efectos hecho con una caja de vino? ¿Habrá una descarga digital del álbum disponible en algún momento?

Empecé a tocar a los 15 años, así que hace como 22 años. Cuando era estudiante, toqué en algunas bandas de noise/punk. También toqué un par de veces en una especie de OMB ruidoso, con una caja de ritmos conectada a un pedal de distorsión.

Realmente no toqué una guitarra durante unos 10 años. Retomé la guitarra hace unos 5 o 6 años. Siempre me había interesado el blues, pero no sabía cómo tocarlo. Escuchaba a los Black Keys, luego a Junior Kimbrough y a Fred McDowell. Intentaba tocar ese tipo de riffs. Quería un sonido sucio y "vintage". Así que me compré una Telecaster, una Danelectro y un amplificador Cornell.

Después quise hacer canciones "de verdad", así que me interesé por lo que podía hacer con los ordenadores para acompañarme. Usé samples de batería y bajo y aprendí programación y grabación. He montado un pequeño estudio en mi casa. Y he grabado cosas, como las que has oído, que suenan más o menos como una banda.

Luego publiqué estas cosas en internet porque pensé que a alguien le podría interesar grabarlas. Conseguí algunos contactos y propuestas para tocar en directo. Hice algunos conciertos con el ordenador, pero no salió muy bien. Así que busqué algo que me diera más libertad al tocar. Y creé este instrumento con una caja de madera y un platillo crash. Fue entonces cuando empecé a tocar la guitarra de forma diferente, siempre tocando el bajo con el pulgar. Hay algunos temas del disco que toqué así.

Por cierto, no hay planes para descargarlo ahora mismo: al sello no le interesa para nada. Están más centrados en el vinilo.

¿Qué tal la escena musical en Francia? Sé que Biram, BDH & James Leg y otros siempre triunfan allí.

¿Ha inspirado eso una escena de blues con influencias punk, como la de OMB?

En cuanto a Francia, ¡no es precisamente la tierra del rock and roll! BDH, Left Lane Cruiser, Bob Log III, Shake it like a Caveman, etc., están de gira por aquí, pero lamentablemente no suelen tocar en grandes escenarios. Ahora están empezando a ganar reconocimiento. Hay un festival en Binic que les está ayudando mucho.

También hay otros festivales abiertos al punk blues (Blues autour du zinc, Blues sur Seine, Blues Rules Crissier Festival en Suiza...).

Diría que, dentro del género punk blues, solo Jon Spencer es realmente popular aquí y toca en grandes festivales. Black Keys, desde que cambiaron de estilo, también están teniendo éxito.

Hay algunos buenos solistas, pero creo que se inclinan más hacia el estilo de Hasil Adkins (King Automatic, Sheriff Perkins, Venus Fly Trip One Woman Band, Mr Bonz, Dusty Dandy). El único que conozco que se inclina más hacia el blues es Birds Are Alive. También está Thee Verduns, un dúo (creo que tocaron en Estados Unidos). Pero no conozco a todos los que están de gira: los OMB generalmente tocan en lugares pequeños y no tienen mucha repercusión.

https://realdeepblues.blogspot.com/2011/05/chicken-diamond.html

"Rock'n'roll People" es el título del tema que acabáis de escuchar,este corrió a cargo de la banda francesa procedente de Thionville Chicken Diamond.

Incluido en la cara b de su segundo álbum de estudio al que titularon II.

Registrado en 2012 este fue publicado a través del sello francés Beast Records ese mismo año.

Este es un proyecto de un one man band que se hace llamar Charles Diamond cuya trayectoria comienza en 2008.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer álbum registrado 2011.

Desde entonces no ha dejado de componer temas llegando a contar con 7 álbumes de estudio más.

En cuanto a su sonido este practica un potente Blues Rock cargado de slide en composiciones repletas de energía, influenciado por bluesmen del norte de Mississippi como Junior Kimbrough o RL Burnside, así como por protopunk rockers como The Stooges, The Velvet Undeground o The Sonics.

 Este ha compartido escenario con: Black Diamond Heavies, Left Lane Cruiser, Reverend Beat-Man, Jake La Botz...

https://www.discogs.com/es/master/1624164-Chicken-Diamond-II

El dúo de barberos demoníacos The Cutthroat Brothers. El sonido venenoso de garage-punk y swamp-rock que caracteriza a The Cutthroat Brothers evoca a bandas como The Gun Club, The Cramps, Eagles of Death Metal y The Hives. Este dúo de barberos de la vida real —Jason Cutthroat (voz, guitarra) y Donny Paycheck (batería)— se formó en febrero de 2018. Su álbum debut homónimo salió unos meses después con Digital Warfare. Componer canciones y desarrollar la personalidad de la banda les ha resultado sencillo, incluyendo su predilección por usar navajas de afeitar y cuchillas afiladas, y vestir batas blancas de barbero salpicadas de sangre en sus conciertos.

Para Taste for Evil, grabaron y mezclaron nuevamente con el legendario productor Jack Endino (Nirvana, Mudhoney, Soundgarden) en Seattle, Washington, completando el álbum en poco más de cuatro días. Lanzaron hasta la última gota de sangre en los diez temas, que incluyen relatos aleccionadores sobre la muerte, el sexo, las drogas, la magia negra y las relaciones tóxicas. AJ Phink, de The Punk Site, describe su estilo como «rock and roll sangriento, atrevido y descarado». Y REVOLVER añade: «[Los han llamado] “los Sweeney Todd del punk” y hacen honor a esa descripción en su canción “Kill 4 U”, un tema seductoramente asesino de su álbum debut…». Oliver Hausmann, fundador del sello berlinés Hound Gawd! Records comparte sus primeros recuerdos relacionados con la banda: “Después de escuchar canciones del primer álbum, me molestó no haber oído hablar de los Cutthroat Brothers antes. Medio año después, estaba sentado con un amigo frente a un club y hablamos de bandas nuevas y emocionantes. Me dijo que estaba organizando una gira para una banda que, lamentablemente, nadie en Europa conocía. La banda se llamaba Cutthroat Brothers. Tuve que escupir en mi cerveza. ¡Esta era la banda con la que quería trabajar! Inmediatamente le escribí a Donny Paycheck. Le dije que si la banda decidía hacer otro álbum, me informara de inmediato. El resto es historia”. Los fans recordarán que Donny Paycheck tiene nada menos que once álbumes de Zeke en su haber, una banda con la que realizó giras por el mundo tocando con artistas como Iron Maiden, Pearl Jam, Motorhead, Superjoint Ritual, Mudhoney, Supersuckers y D.O.A. También ha grabado álbumes con las bandas Toxic Holocaust y Camarosmith. Junto con miembros de Camarosmith, dirigió Dead Teenager Records durante varios años (Jack Endino también grabó la mayoría de esos lanzamientos). Antiguamente, los barberos también ejercían de cirujanos, ofreciendo sangrías, extracciones dentales y cortes con navaja. Puede que The Cutthroat Brothers no provoquen sangrías literalmente, pero sin duda lo hacen en sentido figurado en su álbum debut independiente homónimo.

Formación:

Formado en febrero de 2018.

Miembros:

Jason Cutthroat (voz, guitarra): un barbero de la vida real que reside en Kona, Hawái. Donny Paycheck (batería): ex baterista de la banda de hardcore punk de Seattle Zeke, que corta el pelo en Tacoma, Washington.

Estilo musical:

Rock oscuro con toques de blues que evoca frecuentemente a bandas como The Cramps, The Gun Club, X y The Hives. Colaboraciones destacadas: El dúo trabaja frecuentemente con el legendario productor de Seattle Jack Endino (Nirvana, Soundgarden). Para su álbum The King Is Dead, colaboraron con el ícono del bajista punk-rock Mike Watt (Minutemen, The Stooges).

Discografía y lanzamientos:

The Cutthroat Brothers (2018/2019), Taste for Evil (2019), The King Is Dead (2021), Devil In Berlin (2021).

Seguimos con el siguiente bloque del programa de esta noche para lo que nos situamos en el noroeste del Pacífico concretamente desde Hawaii nos llega nuestro siguiente duo de la noche,este lleva por nombre The Cutthroat Brothers.

Formados en Washington en febrero de 2008 por: Jason Harsin,su cantante y guitarrista y Donny Paycheck,también en bandas como Zeke,Camarosmith o Toxic holocaust entre otras tras la batería.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer álbum registrado un año más tarde en 2019.

Además de este cuentan con 3 álbumes más,dos de ellos como trio junto a Mike Watt,anteriormente en Minutemen,fIREHOSE o Flipper entre otras.

Los hermanos dejan huellas sónicas con su rock de garaje, directo y afilado. Luciendo batas blancas salpicadas de sangre en el escenario, su estética refleja a la perfección su música: directa, nítida y un poco inquietante.

Ambos veteranos de una escena conocida por causar sensación a nivel nacional, unieron fuerzas para crear un sonido blues-punk venenoso y de garage pantanoso que recuerda a The Gun Club, The Cramps y The Stooges, con un toque de Sonic Youth y Hawkwind.

El tema que a continuación escucharéis pertenece a su segundo homónimo álbum de estudio.

Registrado en 2019 este salió a la calle de manos del sello Lonestar Records ese mismo año.

En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’Skeleton’’.

https://www.discogs.com/es/master/1656312-The-Cutthroat-Brothers-The-Cutthroat-Brothers

The Immortal Lee County Killers (ILCK) fue una banda de rock estadounidense originaria de Auburn, condado de Lee, Alabama. Con un estilo que fusionaba Punk Blues y Garage punk, la banda estaba compuesta por Chetley "Cheetah" Weise (voz y guitarra), además de diversos músicos a lo largo de sus aproximadamente tres formaciones.

Weise había sido anteriormente el vocalista de The Quadrajets. ILCK se formó a finales de 1999 y se disolvió en 2007, justo cuando comenzaba a ganar popularidad en la escena underground. Estas formaciones se conocieron como ILCK I, ILCK II e ILCK III, y grabaron tres álbumes de larga duración y varios sencillos.

Chet Weise es un entusiasta y ferviente defensor del estilo punk blues, a menudo underground.

A The Immortal Lee County Killers se les ha descrito como «el lugar donde el Punk se encuentra con el Blues».Weise solía referirse al Punk blues como el «Blues desquiciado» y el «auténtico Punk Blues».Influenciados por Robert Johnson, John Lee Hooker, Pussy Galore, MC5, Skip James, Bad Brains y The Gun Club, ILCK abordó el género Punk Blues con reverencia y originalidad,otorgando credibilidad a un género que a veces se había utilizado previamente como una estética Post-punk y Garage rock musicalmente irónica. No se inspiraron en el Blues-rock, prefiriendo los estilos más antiguos del Delta Blues y el Chicago Blues.

Chet Weise, profesor universitario de economía política y conocedor del Blues, ha declarado: «El Punk y el Blues son reacciones honestas a la vida. Es Blues, es nuestro Blues. Solo que un poco más intenso y un poco más rápido».

Tras la disolución de The Immortal Lee County Killers en 2007, Weise pasó a liderar una nueva banda de punk blues, Silver Lion's 20/20. John Wesley Myers también formó una nueva banda, Black Diamond Heavies,y grabó un álbum en solitario, Solitary Pleasure,publicado el 12 de abril de 2011.

Miembros

ILCK I

Chetley "Cheetah" Weise: voz, guitarra, armónica

Doug: batería

ILCK II

Chetley "Cheetah" Weise: voz, guitarra, armónica

J.R. "J.R.R. Tokien" Collins: batería, coros

Jeff Goodwin: órgano, coros

ILCK III

Chetley "Cheetah" Weise: voz, guitarra, armónica

J.R. "J.R.R. Tokien" Collins: batería, bajo, coros

Jeff: órgano, coros

John Wesley Myers: órgano de iglesia

Discografía

Álbumes

(2000) The Essential Fucked Up Blues LP/CD (Estrus)

(2003) Love Is A Charm Of Powerful Trouble LP/CD (Estrus)

(2003) Love Unbolts The Dark CD (Sweet Nothing)

(2006) These Bones Will Rise To Love You CD Again (Tee Pee Records)

Sencillos

(2000) Big Damn Roach 7" (Homo Habilis, ILCK 01)

(2000) Train She Rides 7" (Homo Habilis, ILCK 06)

(2001) Let's Get Killed 7" (Estrus, ES 7156)

(2004) Sonic Angel 7" (Munster Records, MR 7190)

(2005) Turn on the Panther 7" (Sweet Nothing Records)

Splits

(2001) ILCK/Matching Numbers 7" (Chicken Ranch Records, ILCK 07)

(2002) ILCK/The Monkeywrench 7" (Bronx Cheer, ILCK 08)

(2003) ILCK/Cash Audio: Orange Sessions Vol 2 10" (Orange, OR-23)

(2003) ILCK/The Wednesdays 7" (Arkam Records, Arkam 8).

Seguido de este sonó "Let's Get killed" tema que el dúo estadounidense procedente de Auburn,Alabama Immortal Lee county killers incluyeron en la cara a de su primer single al que dio título.

Registrado en el 2000 este salió a la calle de manos del sello Estrus Records ese mismo año.

Fundados en 1999 por Chetley Dale Weise a la guitarra y voz,anteriormente en Quadrajets y posteriormente en Kings Of The Fucking Sea entre otras y Doug ‘’The Boss’’ Sherrard tras la batería.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en dicho single registrado en el 2000.

Además de este cuentan con:3 álbumes de estudio,un mini álbum,10 singles,algunos de ellos compartidos y un E.P.

En cuanto a su sonido,estos desgranan un sucio, hiper-distorsionado y sobresaturado Blues cargado de slide llevándolo al máximo extremo tomando como referente a bandas del porte de Jon Spencer y sonando similares a otras como Revelators.  

https://www.discogs.com/es/master/651744-The-Immortal-Lee-County-Killers-Lets-Get-Killed-Revolution-Summer

Guadalupe Plata es un grupo español de blues surgido en la ciudad de Úbeda, Jaén caracterizado por titular todos sus discos con el mismo nombre del grupo,por su proyección internacional,y sobre todo por su peculiar forma de fusionar el blues con el jazz, psicodelia e incluso el flamenco.

El dúo de blues debe su nombre a la imagen de la Virgen de su localidad natal, Úbeda, y se basa en la fuerza y sencillez de sus guitarras, la ausencia de electrónica, y en el surrealismo y oscuridad de sus letras. La banda, además es fiel a sus instrumentos, guitarra y batería. Otra peculiaridad es su forma de grabar los discos, basada en el espíritu de la primera toma, prácticamente en directo, así que lo hacen en sólo dos o tres días, y con ello demuestran frescura y fluidez.

Después de presentar un EP con seis temas a finales de 2008, su primer disco fue publicado ya en 2011 y con título homónimo. En 2013 presentan nuevo trabajo; Guadalupe Plata 2013 el cual les proporciona importantes éxitos de público y crítica, además de importantes premios otorgados. Entre dichos premios, la banda recibe en noviembre de 2013 el Premio Ojo Crítico 2013 en la categoría de «Música moderna», concedido por Radio Nacional de España. A principios de 2014 resultan ganadores con el Premio IMPALA al «Mejor álbum independiente europeo», derrotando en la final a importantes grupos como Sigur Rós o Junip. Dicho galardón fue ganado años anteriores por importantes artistas como The XX o Adele. En junio de 2014 la banda resulta la triunfadora de los VI Premios de la música independiente al alzarse con los galardones de «Artista del año», «mejor álbum de rock», «mejor Directo» y el batería Carlos Jimena por «mejor fotografía promocional» al ser el autor de la imagen.

Todos estos éxitos nacionales e internacionales les llevaron a realizar multitud de conciertos por distintas salas y festivales, incluso giraron por gran parte de Europa, y más tarde han llegado también a actuar en México, Chile, Brasil, Argentina y Estados Unidos.

En 2015 se publica nuevo disco con el mismo título, fue grabado en los estudios Toerag de Londres bajo la producción de Liam Watson, y de nuevo publicado por Everlasting Records.

En abril de 2017 y manteniendo su regularidad bianual, la banda publica su cuarto álbum, de nuevo con el sello madrileño Everlasting Records, esta vez, grabado en los estudios sevillanos La Mina y empleando para ello dos semanas; Guadalupe plata 2017, aunque podría denominarse como Perro de vieja, por el título de uno de sus temas y por la ilustración de la portada, dibujada por el propio Pedro de Dios.

En abril de 2021 compartieron estudio con Mike Edison, ex Raunch Hands y The Pleasure Fuckers, escritor, editor y crítico musical. Publicando The Devil Can’t Do You No Harm.

Miembros

Pedro de Dios Barceló: guitarra y voz.[1]

Carlos Jimena: batería.

Paco Luis Martos: barreño, guitarra y bajo (hasta 2019).

Luis Aróstegui: percusión con botella de anís y coros (desde 2019).

Discografía

Álbumes

2008: Guadalupe Plata (EP) Sociedad Fonográfica Subterránea. Diciembre de 2008.[6]

2011: Guadalupe Plata (LP) Folc Records/Sociedad Fonográfica Subterránea. Febrero de 2011.[7]

2013: Guadalupe Plata (LP). Everlasting/Popstock! Enero de 2013.[8]

2015: Guadalupe Plata (LP). Everlasting Records. Marzo de 2015.

2017: Guadalupe Plata (LP). Everlasting Records. Abril de 2017.

2018: Guadalupe Plata (LP). Everlasting Records. Noviembre de 2018.

2021: The Devil Can’t Do You No Harm con Mike Edison (LP). Everlasting Records. Abril de 2021.

2023: Guadalupe Plata 2023 (LP). Everlasting Records. Mayo de 2023.

A este le precedió "Lorena" título que el grupo andaluz procedente de Úbeda,Jaén Guadalupe Plata incluyeron en su segundo homónimo álbum de estudio.

Registrado entre noviembre del 2009 y mayo del 2010 ese salió a la calle de manos de los sellos:Sociedad Fonográfica Subterranea y Folc Records ese mismo año.

Fundados entorno al 2008 por Pedro De Dios,su guitarrista y cantante procedente de Los Creyentes y Los Malignos Paco Luis Martos al bajo y Carlos Jimena,también en Los Ataúdes tras la batería.

Sus primeras grabaciones quedan reflejadas en un  primer E.P. registrado a finales del 2008.

Además de este cuentan con:8 álbumes de estudio,2 de ellos compartidos,un E.P. más y 4 singles.

En cuanto a su sonido,estos destilan un Blues crudo,oscuro y primitivo respetando los sonidos  tradicionales surgidos del Delta. 

https://www.discogs.com/es/master/484808-Guadalupe-Plata-Guadalupe-Plata

Seguramente conozcas a Johnny Walker como el enérgico líder de una de las bandas más famosas de Maumee, The Soledad Brothers. Sin duda, es una leyenda del noroeste de Ohio. Desde sus inicios con los aclamados Henry & June hasta Johnny Walker (su proyecto con el baterista Doug Walker), pasando por The Soledad Brothers, Johnny se ha labrado un nombre en la escena del blues del Medio Oeste. Se le atribuye haber enseñado a Jackie White afinaciones abiertas en el violín-guitarra, que él mismo utilizó posteriormente. Quizás hayas oído hablar de ello. Incluso participó en la composición de una de las versiones favoritas de los White Stripes, "Goin' Back to Memphis" de Henry & June.

Pero la pasión de Walker por el blues está lejos de terminar. Actualmente reside en Covington, Kentucky, y lidera la ruidosa banda de garage-blues The Cut in the Hill Gang. Tan sanguinaria y cruda como su nombre lo indica, la banda tiene un montón de ritmos rápidos, duros y pesados ​​para respaldarlo. Esto no es el blues eléctrico de tu viejo, esto es un chico Punk listo para beber todo lo que tengas para ofrecer, bailar con tu chica favorita y tal vez intentar noquearte si tienes algo que decir al respecto.

Miembros principales:

Johnny Walker: Líder y ex guitarrista/vocalista de los Soledad Brothers.

James Leg: El enérgico vocalista/tecladista conocido por su trabajo en Black Diamond Heavies.

 Reuben Glaser: Líder de la banda de Garage Rock Pearlene.

Lance Kaufman: Líder del trío de Rockabilly StarDevils.

Lanzamientos destacados:

La banda se dio a conocer por su sonido sudoroso y callejero, fuertemente influenciado por la guitarra slide, la armónica y un Blues potente y distorsionado.

Hung Up (2008): Su LP de larga duración lanzado a través de Little Room Record Co. / Stag-O-Lee.

Mean Black Cat (2010): Un álbum de versiones aclamado por la crítica, con versiones minimalistas y distorsionadas de temas de artistas como The Kills, The MC5 y Hound Dog Taylor.

Así es como quiero escribir esta reseña sobre Mean Black Cat de Cut in the Hill Gang: ¡Joder, compren este disco! ¡Vamos! ¡Háganlo ya! Es puro rock and roll, puro rock and roll de principio a fin, para levantar los puños y hacer vibrar el pecho, y lo necesitan. Luego les pondría un par de canciones, las escucharían y dirían: "¡Caramba, el escritor efusivo tiene razón! ¿Dónde está mi tarjeta de crédito?".

Pero algunos querrán algo más que mi entusiasmo desbordante (si es que no les convenció ya la descripción del álbum en nuestra entrevista con James Leg).

En esta última formación, Cut in the Hill Gang está compuesta por cuatro vocalistas: Johnny Walker (Soledad Brothers), Lance Kaufman (StarDevils), Reuben Glaser (Pearlene) y James Leg (Black Diamond Heavies). Y en Mean Black Cat, los cuatro dejan su huella en canciones de otros artistas. CitHG explora diversos géneros y épocas, versionando a artistas como Lula Collins, The Gun Club, Gary U.S. Bonds, The Kills, Hound Dog Taylor, MC5 y Bill Allen. Si ya conoces la obra de los miembros de CitHG, los artistas versionados no te sorprenderán, pero la forma en que se interpretan algunas canciones te resultará muy atractiva. El tema de apertura, «Don’t Ever Leave Your Daddy at Home», es una versión cruda y descarnada de «Never Leave Me at Home» de Frank Frost, que te dejará sin aliento con solo escucharla. Y el ritmo pegadizo de «Promise Me» de The Gun Club se transforma en una súplica minimalista, inquietante y resonante que cierra el álbum.

También hay ingeniosas fusiones de canciones. «Black to Comm» de MC5 se integra a la perfección con «Let’s Get Funky» de Hound Dog Taylor. Más adelante, «Fuck the People» de The Kills se une a «Revolution» de Spacemen 3 para formar un desafío mordaz.

Dos de mis temas favoritos del álbum son las versiones de «I Wanna Holler» de Gary U.S. Bonds y «The Right to Love You» de The Mighty Hannibal. Leg lidera «Holler», destacando el teclado y cubriendo todo con su característico gruñido, mientras un ritmo tribal retumba en las profundidades. (Además, es divertido oír a Leg decir: «Solo soy un tonto»).

http://www.nowthissound.com/ntsib/2011/04/14/cut-in-the-hill-gang-livin-in-a-town-that-aint-even-on-the-map/

"Fever in my Blood" es el título del tema que acabáis de escuchar este corrió a cargo de la banda estadounidense procedente de Covington,Kentucky Cut in the hill gang.

Incluido en la parte final de su segundo álbum de estudio al que bautizaron Cut Down.

Registrado en 2009 este salió a la calle de manos del sello alemán Stag-O-Lee Records ese mismo año.

Formados en 2007 en sus filas se encuentran Johnny Walker,su guitarrista,cantante y harmonicista,anteriormente en Soledad brothers y posteriormente en All-Seeing Eyes entre otras, Lance Kaufman tras la batería,también en All-Seeing Eyes, Brad Meinerding quien fue sustituido por Reuben Glaser a la guitarra y coros y James Leg a los teclados,anteriormente en Black diamond heavies.

Sus primeras grabaciones quedan recogidas en un primer single registrado en 2008.

Además de este cuentan con:3 Álbumes de estudio y un single más.

En cuanto a su sonido,estos practican un Blues con toques de Rock y un espíritu Folk que los acerca en estilo a los grupos por los que han pasado sus integrantes.

https://www.discogs.com/es/release/1941484-Cut-In-The-Hill-Gang-Cut-Down

Honkeyfinger es un músico solista.

Viene de Bethnal Green y toca Blues Rock bestial y estridente.

Reducido a lo básico y a todo volumen: el sonido de una banda en vivo demoledora, canalizada a través de un solo cuerpo.

Lap steel distorsionada y con un fuzz infernal como nunca antes habías escuchado, armónica gutural y chillona, ​​percusión arrítmica, loops de beatbox frenéticos y aullidos salvajes: ese es el estilo de Honkeyfinger.

Empieza con el Country Blues de antes de la guerra. Olvídate de la música Pop de celebración de los años 50 y 60, y avanza hasta el Protometal fuzzgroove de Detroit, Sabbath y Blue Cheer, con su diddleybeat y ritmos a todo volumen. Avanza hasta el Punk Rock y el Hip hop más experimental... y termina con los actuales pedales de efectos y un arsenal de fuzz a válvulas, fabricado con piezas de tanques rusos. Nace Honkeyfinger…

Honkeyfinger es quien, sin cesar, busca y hurga en las entrañas reprimidas en busca de ritmos olvidados, llegando hasta lo más profundo de la conciencia primigenia para regurgitar lo perdido en nuestras pulidas vidas capitalistas modernas. Su álbum debut, «Invocation of The Demon Other», consta de 15 temas de amor, pérdida, ira, rabia y profunda frustración. Ilumina las oscuras y reprimidas profundidades del alma humana. Todo ello con la fuerza de una visión singularmente intransigente del rock del siglo XXI y el ardiente deseo de trascender toda limitación.

Vamos ya con nuestro último tema de la noche para lo que ponemos rumbo al Reino Unido.

Nos situamos en Inglaterra concretamente desde Londres nos llega nuestro siguiente bluesman de la noche,este lleva por nombre Honkeyfinger.

Jonny Halifax que así es como realmente se llama es un guitarrista,cantante y harmonicista de Blues Rock en formato One man band que destapa el lado más salvaje del género cargando sus composiciones tocadas por acercamientos hacia el sonido más rupestre del Country recargándolas de Fuzz.

No siendo un artista muy dado a realizar trabajos de larga duración,sus primeras grabaciones quedan recogidas en un  primer single registrado en 2006.

Además de este cuenta con:Un álbum de estudio y 4 singles más.

El tema que a continuación escucharéis pertenece a su primer single al que dio título.

Registrado en 2006 este vio la luz a través del sello Hoarse Records ese mismo año.

En su cara a encontrarás este tema titulado ‘’Got This Rage’’ con el que despedimos nuestro programa de esta noche esperando que os haya gustado y hayáis disfrutado escuchándolo tanto como yo haciéndolo.

Sin más me despido hasta la siguiente descarga de Rock’n’roll desde aquí El Intervalo Del Diablo.

https://www.discogs.com/es/master/1023803-Honkeyfinger-Got-This-Rage